Their awards include six Brit Awards, four MTV Video Music Awards, eleven MTV Europe Music Awards, seven American Music Awards (including Artist of the Year in 2014 and 2015), and 27 Teen Choice Awards, among many others. According to Nick Gatfield, the chairman and chief executive of Sony Music Entertainment UK, One Direction represented a $50 million business empire by June 2012. They were proclaimed 2012's "Top New Artist" by Billboard. According to the Sunday Times Rich List, by April 2013, they had an estimated personal combined wealth of £25 million ($41.2m) making them the second-wealthiest musicians in the UK under 30 years of age. In 2014, Forbes listed them the second-highest earning celebrities under 30, with the group earning an estimated $75 million from June 2013 to June 2014. In June 2015, Forbes listed their earnings at $130 million for the previous twelve months, and ranked them the fourth highest earning celebrities in the world. In 2016 Forbes ranked them the world's second highest earning celebrities.

After the release of Four, One Direction became the first band in the US Billboard 200 history to have their first four albums debut at number one. Their third album, Midnight Memories, was the biggest-selling album worldwide of 2013 despite being released in late November. The band's Where We Are Tour in support of Midnight Memories and Four, was the highest-grossing concert tour in 2014, and the highest-grossing tour ever by a vocal group, generating $282 million. In 2014, Billboard named One Direction Artist of the Year. The band is temporarily on a hiatus that began in January 2016, which is expected to last around 18 months.

History

2010-11: The X Factor

In 2010, Niall Horan, Zayn Malik, Liam Payne, Harry Styles, and Louis Tomlinson auditioned as solo candidates for the seventh series of the British televised singing competition The X Factor. They failed to progress to the "Boys" category at "judges' houses" but were put together to form a five-piece boy band at Wembley Arena, in London, England, in July 2010, during the "bootcamp" stage of the competition, thus qualifying for the "Groups" category. Nicole Scherzinger, a guest judge, and Simon Cowell have both claimed to have come up with the idea of forming the band. In 2013, Cowell said that it "took him 10 minutes to put them together as a group". Subsequently, the group got together for two weeks to get to know each other and to practice. Styles came up with the name One Direction. For their qualifying song at "judges' houses", and their first song as a group, One Direction sang an acoustic version of "Torn". Cowell later commented that their performance convinced him that they "were confident, fun, like a gang of friends, and kind of fearless as well." Within the first four weeks of the live shows, they were his last act in the competition. The group quickly gained popularity in the UK.

One Direction achieved third place in the competition and immediately after the final, their song "Forever Young", which would have been released if they had won The X Factor, was leaked onto the internet. Shortly afterwards it was confirmed that One Direction had been signed by Cowell to a reported £2 million Syco Records record contract. Recording for their debut album began in January 2011, as they flew to Los Angeles to work with RedOne, a record producer. A book licensed by One Direction, One Direction: Forever Young (Our Official X Factor Story), was published by HarperCollins in February 2011, subsequently topping The Sunday Times Best Seller list. The same month, the boy band and other contestants from the series participated in the X Factor Live Tour. During the tour, the group performed for 500,000 people throughout the UK. After the tour concluded in April 2011, the group continued working on their debut album. Recording took place in Stockholm, London and Los Angeles, as One Direction worked with producers Carl Falk, Savan Kotecha, Steve Mac, and Rami Yacoub, among others.

2011-12: Up All Night

Released in September 2011, One Direction's debut single, "What Makes You Beautiful", reached number one on the UK Singles Chart, after becoming the most pre-ordered Sony Music Entertainment single in history. Subsequent singles, "Gotta Be You" and "One Thing", peaked in the UK Singles Chart top ten. In November 2011, they signed a record deal with Columbia Records in North America. Steve Barnett, the co-chairman of Columbia Records, said it was not a difficult decision to sign One Direction; "I just thought there was a void, and maybe they could seize and hold it." "What Makes You Beautiful" was released in the United States in February 2012, where it debuted on the Billboard Hot 100 at number 28, becoming the highest debut for a British act since 1998. It has sold over 4 million copies in the US Upon arrival in the US in February 2012, One Direction embarked on a radio promotion spree, as well as their first North American concert tour as an opening act for Big Time Rush. They made their first US television appearance on The Today Show, at the Rockefeller Center; an estimated 15,000 fans descended on the plaza. Critically commended for its appeal to the teenage audience, One Direction's first studio album, Up All Night, was released globally in early 2012. It became the UK's fastest-selling debut album of 2011, and topped the charts in sixteen countries. The album bowed atop the Billboard 200 chart, making One Direction the first British group in US chart history to enter at number one with their debut album. They were inducted into the Guinness World Records as a result. Up All Night also became the first album by a boy band to sell 500,000 digital copies in the US and, by August 2012, had sold over 3 million copies worldwide.

In April 2012, an American band that went by the same name filed a trademark infringement lawsuit. According to the lawsuit, the US band had been using the name since 2009, recorded two albums and filed an application to register the trademark name in the US in February 2011. The US band said they were entitled to three times the profits made by the UK band, as well as compensatory damages in excess of US$1million. The lawsuit claimed that Syco and Sony Music "chose to ignore the plaintiff's rights and wilfully infringed them" after they realised in early 2011 that the two bands shared the same name. Syco Records subsequently counter-sued, suggesting the US group was trying to make money from One Direction's success and that the boy band was the first to use the name in US interstate commerce. The BBC reported in September 2012 that the UK group won the legal dispute over the right to keep using their band name; the US band changed its name to Uncharted Shores. The change of name was announced in a joint statement that also noted both groups were happy with the outcome.

In December 2011, One Direction embarked on their first headlining UK concert tour, the Up All Night Tour. In early 2012, they announced Australasian and North American legs of the concert tour, with dates from April to July 2012. The tour, comprising 62 shows, was met with positivity both critically and commercially. A recording of a concert from the tour, Up All Night: The Live Tour, was released in May 2012. In addition to the DVD topping the charts in twenty-five countries, its global sales had exceeded 1 million copies by August 2012. One Direction's first book to be licensed in America, Dare to Dream: Life as One Direction, published in the United States in May 2012, topped The New York Times Best Seller list. In June 2012, Nick Gatfield, the chairman and chief executive officer of Sony Music Entertainment UK, stated how he expects One Direction to represent a $100 million business empire over 2013. Gatfield was quoted as saying, "What you might not know about One Direction is that they already represent a $50 million business and that's a figure we expect to double next year". In August 2012, the group's record sales exceeded 8 million singles, 3 million albums, and 1 million DVDs, and they performed "What Makes You Beautiful" at the 2012 Summer Olympics closing ceremony in London, which represented the handover to Rio de Janeiro as the host of the 2016 Summer Olympics. One Direction were the biggest winners of the 2012 MTV Video Music Awards winning their three nominations on 6 September 2012, including Best New Artist.

2012-13: Take Me Home

One Direction's second studio album, Take Me Home, was released in November 2012. Take Me Home was written in groups and has an average of just under five songwriters per track. Savan Kotecha, Rami Yacoub, and Carl Falk, who composed One Direction's hits "What Makes You Beautiful" and "One Thing", spent six months in Stockholm developing songs for the album, and were able to shape melodies around their tones. One Direction began recording the album in May 2012, in Stockholm at Kinglet Studios. The album cover artwork features the group surrounding a traditional British K2 red telephone box, a familiar sight on the streets of the UK. Take Me Home garnered mixed reviews from music critics. There was praise for its quality of production, while it was criticised for its generic, rushed nature. The album's lead single, "Live While We're Young", released in September 2012, reached the top ten in almost every country it charted in and recorded the highest one-week opening sales figure for a song by a non-US artist in the US The album and its second single, "Little Things", both debuted at number one in the UK simultaneously; something that One Direction became the youngest act in British chart history to achieve. Take Me Home sold 540,000 copies in its first week in the US, debuted atop the Billboard 200, and topped the charts in more than thirty-four other countries. Additionally, Up All Night and Take Me Home were the number three and number four best-selling albums of 2012 globally, each album selling over 5 million units worldwide.

One Direction performed "Little Things" at the 2012 Royal Variety Performance in the presence of Queen Elizabeth II, and headlined a sold-out show at New York City's Madison Square Garden on 3 December 2012. In February 2013, One Direction released a cover version of "One Way or Another" and "Teenage Kicks", "One Way or Another (Teenage Kicks)", as the 2013 Comic Relief single. As part of their involvement with the UK charity, One Direction travelled to Ghana to volunteer at a children's hospital, visit a school and make donations.

The Official Charts Company revealed that One Direction had sold 2,425,000 records in the UK by February 2013. One Direction embarked on their second concert tour in February 2013, the Take Me Home Tour. The concert tour consists of over 100 shows in Europe, North America and Australasia. Ticket sales reached 300,000 within a day of release in the UK and Ireland, which included a six-date sell-out at London's The O2 Arena. In the Australian and New Zealand markets, tickets grossed US$15.7 million, with all 190,000 tickets being sold for the eighteen shows to be held. The tour received critical acclaim from music critics who praised the band's live vocals and their performance abilities and was a commercial success, selling 1,635,000 tickets from 134 shows.

2013-14: Midnight Memories and This Is Us

One Direction: This Is Us, a 3D documentary and concert film about the group directed by Morgan Spurlock and produced by Spurlock, Ben Winston, Adam Milano and Simon Cowell, was released by TriStar Pictures on 30 August 2013. The film features the song "Best Song Ever", released on 22 July 2013. "Best Song Ever" was the lead single of the group's third studio album Midnight Memories. The film was a box office success, topping the UK and US box offices and grossing over $60 million worldwide, and became the fourth highest-grossing concert movie. "Best Song Ever" broke the 24-Hour Vevo Record with 10.9 million views on YouTube (this was the second time the band held the record with "Live While We're Young" attaining 8.2 million views on 20 September 2012). On 16 May 2013, the band announced their first stadium tour, the Where We Are Tour, which began in April 2014. On 30 May 2013, the band announced a partnership with Office Depot on a limited-edition capsule collection of back to school supplies. They also confirmed that a portion of the proceeds from the alliance would go toward an anti-bullying educational program intended to promote kinder behaviour in schools.

On 23 November 2013, in support of Midnight Memories, the band participated in "1D Day", a day dedicated to One Direction fans. The day constituted of a landmark 7.5-hour socially interactive YouTube live-stream featuring live band performances, celebrity guests including, Simon Cowell, Cindy Crawford, Piers Morgan, Jerry Springer and many more. The event was unique not only because of its long runtime but the unprecedented use of social media whereby fans got to participate in the show interact directly with the band via Google+ Hangout.

Midnight Memories was released globally on 25 November 2013. It debuted at number one in the UK and in the US, making them the first group to debut at number one on the Billboard 200 with its first three albums, and the second to reach the top after The Monkees in 1967. The album was described by the band as edgier and as having a "slightly rockier tone" than their previous efforts. "Story of My Life" was revealed as the second single of the album with each member posting a photo from their childhood. To promote the album, the band performed on both the American and British versions of The X Factor.

In December 2013, One Direction broke yet another UK sales record with the DVD and Blu-ray release of their 3-D concert film This is Us. Nearly 270,000 copies of the film were sold in the UK within three days of its release, beating the record previously set by Michael Jackson's This Is It in 2010 by 10,000 copies. The group was named Top Global artists of 2013 by the IFPI because of strong digital downloads, physical albums, on-demand streams, and music videos.

2014-15: Four and Malik's departure

On 21 July 2014, One Direction announced One Direction: Where We Are - The Concert Film, a film which documents the 28 June and 29 June 2014 concerts that took place in San Siro Stadium during their Where We Are Tour. After the announcement, the band announced the film would also have a limited 10-11 October 2014 international cinema release before its home media release in November 2014. The group also released an autobiography book titled Who We Are on 25 September 2014.

On 8 September 2014, One Direction announced their fourth studio album to be titled Four, set to be released on 17 November 2014. As part of the announcement, one of the songs from the album, "Fireproof" was released for free download for 24 hours on their official website. "Steal My Girl", the album's lead single, was released on 29 September 2014, and the music video was released on 24 October 2014. The second single from the album, "Night Changes", was released on 14 November, three days before the album's release. Four was released on 17 November 2014, topping the Billboard 200 and the UK Album Chart.

On 22 November 2014, Paul Higgins, the group's tour manager who has been with them since its formation, parted ways with the band. The band confirmed at the BBC Music Awards that following the success of Four, they had hopes to continue to go "somewhere else" on their fifth album. In support of Midnight Memories and Four, the band's Where We Are Tour was the highest-grossing concert tour in 2014, and the highest-grossing tour ever by a vocal group, generating $282 million.

On 25 March 2015, the band released a statement announcing Malik's departure. They admitted that they were angry at first because of Zayn Malik's decision. The group made their first official public appearance as a four-piece on The Late Late Show with James Corden on 14 May, where they confirmed that they would continue working without a new fifth member. Since leaving the band, Malik has gone on to have solo success with his number one debut single "Pillowtalk" and album Mind of Mine.

2015-16: Made in the A.M. and hiatus

On 31 July 2015, the group released "Drag Me Down" without promotional material or announcement. The single is the first single from their fifth studio album, Made in the A.M., and the first material released by the group after Malik's departure. Following the release, it was revealed that the group would going on hiatus in 2016 to take a break. On 22 September, the title for the fifth studio album, Made in the A.M., was officially announced along with promotional single "Infinity" being released. The group began to reveal the track listing on their Snapchat stories to which it was later confirmed on iTunes. The album was released on 13 November 2015. At the 2015 American Music Awards on 22 November, One Direction won the award for Artist of the Year for the second year in succession. Louis Tomlinson later confirmed that the break would be around 18 months. On 13 December, One Direction performed on The X Factor final. Their last televised performance as a group, before their hiatus, was on Dick Clark's New Year's Rockin' Eve on 31 December 2015.

On 13 January 2016, Us Weekly published a report claiming that the group's hiatus would become a permanent split, with a "source" citing that each of the four remaining group members did not renew their contracts following the completion of the on the Road Again Tour in October 2015. Representatives for the group denied said-report in a statement to Billboard, stating, "nothing has changed regarding hiatus plans for the group, and all will be revealed in due time from the band members' own mouths." In February, it was confirmed that Harry Styles had left the group's management and may begin a solo career path. In June, it was confirmed that Styles had signed a solo recording contract. In July, Payne announced that he has signed a solo recording contract with Capitol Records. On 29 September, Horan released his solo debut single "This Town".

Musical style

One Direction's debut studio album, Up All Night (2011), is predominantly a pop music record, containing elements of teen pop, dance-pop, pop rock, with electropop and rock influences. Digital Spy's Robert Copsey described the album as a "collection of PG pop rock with killer choruses", while The New York Times considered it "full of easy rock-inflected pop, blithe and sometimes clever." Jason Lipshutz of Billboard acknowledged that the album demonstrates an originality in sound that was "necessary for the revitalization of the boy band movement". The songs "One Thing" and "What Makes You Beautiful" were particularly noted for the genres of power pop and pop rock, for their "powerhouse" guitar riffs and "forceful" choruses.

Their second studio album, Take Me Home (2012), is characterised by rock-inherited pop, prominent electric guitar riffs, bright synthesisers, a homogeneous sound and message, and the pitch-correcting software Auto-Tune. Alexis Petridis of The Guardian interpreted its signature sound as a "peppy, synth-bolstered take on early-80s new-wave pop, heavy on clipped rhythms and chugging guitars," which, he said, is at least an improvement on the substitute contemporary R&B "that was once the grim lot of the boyband." Jon Caramanica, writing in The New York Times, considered the album "far more mechanical" than their debut album, although noted that it is sonically and lyrically similar. The album's lyricism speaks of falling in love, unrequited love, the insistence that flaws are what make a person unique, commitment, jealousy and longing for past significant others.

Erica Futterman for Rolling Stone favoured their live acoustic performances as both showing, "Horan's ability to play guitar, as well as One Direction's admirable live vocals. There was no need to worry about a backing track or a bum note, a pleasant realization at a pop show." Herald Sun's Cameron Adams opined that One Direction have "strong pop voices". Melody Lau of the National Post wrote, "It's easy to get lost in inherent appeal of their perfectly coiffed dos and almost-too-put-together preppy style but somewhere in the midst of all the love-struck squeals of teenage girls are guys who can actually sing and, to a certain extent, entertain." Jane Stevenson of the portal site Canoe concurred: "What I didn't really prepare myself for was that they all can actually sing in concert." Chris Richards, writing in The Washington Post, dissented from the approval: "As the five traded couplets, it was tough to imagine a future Justin Timberlake, Ricky Martin or Bobby Brown emerging from the pack. No one voice stood out." Mike Wass of Idolator felt One Direction's "surprisingly accomplished effort" of Kings of Leon's "Use Somebody" proved that One Direction are "more than capable" of evolving their sound.

Their third album Midnight Memories (2013) is a pop rock record, a slight departure from the band's original teen pop sound. Liam Payne called Midnight Memories a "slightly rockier and edgier" album than their previous material. The album is heavily influenced by 80's rock and folk music and briefly integrates elements of dubstep, notably in "Little White Lies". The album's lyrical themes primarily revolve around love, heartbreak and sexual intercourse. Many critics praised its lyrical depth and musical composition, as well as the group's level of involvement in the production process.

Their fourth album Four (2014) was released on 17 November 2014. Payne once again claimed that the album would be "edgier" and that the group had written most of the songs for it; Horan came up with the name of the album, commemorating the fact that it is One Direction's fourth record to date and that it has been four years since the band's formation. Signifying a further maturation of their pop sound, the album's first single, Steal My Girl, was dubbed by Billboard as "no What Makes You Beautiful, but its Coldplay-like piano pop could be a good direction", and that the band was "not entirely ready to let go of its bubble-gum days". Rolling Stone described the record as "saturated with retro vibes"; its songs "split the difference between big, splashy Eighties pop rock and more elegant Seventies flavours - a very pesky whipper-snapper move that's not so far from what Haim's hit Days Are Gone did last year."

Charity work

In 2011, the band performed on the BBC's Children in Need 2011 charity telethon, helping raise over 26 million pounds. In 2012 they extended their involvement with Children in Need as they opened the telecast with a performance of their single "Live While We're Young". A prominent annual event in British culture, the group said it was "incredible" to be involved in Children in Need as it was something that they had "always watched as children".

In February 2013, One Direction released "One Way or Another (Teenage Kicks)" (a medley of "One Way or Another" and "Teenage Kicks") as the 2013 single for the UK's other major charity telethon Comic Relief. For ITV's Santa charity Christmas campaign, they filmed a set of pleas to their fans and the general public, asking them to donate £2. The band have made numerous other appearances for charitable causes, including the 2011 Pride of Britain Awards where they presented 13-year-old quadruple amputee Danielle Bailey the Child of Courage award at her school assembly, and the 2014 Royal Variety Performance where they played in front of Prince William and Catherine at the London Palladium.

In September 2012, Niall Horan organised an event to raise money for Irish Autism Action and another charity, called Temporary Emergency Accommodation Mullingar, based in his hometown. Due to overwhelming demand to participate in the fundraising, the ticket website for the event broke down. Horan's brother Greg commented on the website crash, saying that "there were 500 tickets and they were all snapped up pretty quick".

In 2013, band members Liam Payne and Harry Styles partnered with Trekstock, a leading cancer charity to help raise money for cancer research. As ambassadors of the charity, the duo collaborated to offer the chance for one fan and a friend to win an evening out with them in return for a donation to the charity as part of an exclusive "#HangwithLiam&Harry" global campaign. They had originally set a goal of raising $500,000 and ended up raising $784,984. Trekstock later added that this amount would allow them to "complete funding of their Hodgkin's lymphoma trial, in the hope of offering a much brighter future to thousands of children and young people affected by this form of disease." One Direction were named the most charitable in 2013 behind Taylor Swift by social change organisation DoSomething.org.

In 2014, One Direction donated £600,000 for the Stand up to Cancer campaign by giving portions of their ticket sales revenues from their Where We Are Tour. On 15 November 2014, One Direction joined the charity group Band Aid 30 along with other British and Irish pop acts, recording the latest version of the track "Do They Know It's Christmas?" at Sarm West Studios in Notting Hill, London, to raise money for the 2014 Ebola crisis in Western Africa.

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Neil McCormick of The Daily Telegraph, in an article on One Direction's success in North America, notes that Americans had left a gap in the market and it took the prominence of Justin Bieber to demonstrate that there still was a market for "clean cut, wholesome, whiter-than-white, middle class parent friendly pop: cute boys advocating puppy love. And what could be better than one cute boy, if not five?" One Direction have been described as sparking a resurgence in the interest in boy bands, and as forming part of a new "British Invasion" in the United States. Bill Werde, a representative of Billboard magazine, commented, "There's a lot of possibility here, there's a lot of upside, that level of talent with those kinds of looks, it's really a perfect storm for a massive, massive successful phenomenon."

Sonny Takhar, the chief executive officer of Syco Records, attributes the breakthrough to the power of social media. "Sometimes you feel the song's the star, but it's not like that here - it's the act," he said. "It's a real moment. Social media has become the new radio, it's never broken an act globally like this before." Will Bloomfield, the group's manager, added, "These guys live online, and so do their fans." Their management employs a social media team and the members all tweet themselves, "which helps create the illusion that they couldn't be any closer to their fans," according to Caspar Llewellyn Smith, writing for The Guardian. One Direction's Twitter account had amassed 10 million followers by February 2013, with the account gaining followers at an average of 21,000 per day. In an approach pioneered by The Beatles, each member is known for his feature; Horan is "the cute one", Malik is "the quiet and mysterious one", Payne is "the sensible one", Styles is "the charming one" and Tomlinson is "the funny one". Each member's individual identity is reinforced by their intentionally different personal styles. Caroline Watson, the band's original stylist, spoke about styling the band, "At the beginning I didn't want them all in black or all in leather?that whole stereotypical boy band thing." Instead, her original idea was for them to be the "male equivalent to the Spice Girls", with each member being a part of the group but still having his own individual style. Horan commented on One Direction as a boy band, "People think that a boy band is air-grabs and [being] dressed in all one colour. We're boys in a band. We're trying to do something different from what people would think is the typical kind of boy band. We're trying to do different kinds of music and we're just trying to be ourselves, not squeaky clean." Leah Collins, writing for the National Post, remarked that One Direction had succeeded on the latter front, "For the most part, that just means the group presents themselves as typical, goofy and uncensored teenage boys - posting jokey YouTube videos, for instance, or boozing at awards shows." Writing for The Observer, Kitty Empire opined, "One Direction fulfil a great many boy band prerequisites (looks, soppy lyrics, tune-grasp, fame-lust) but their lack of routines points to the subtle digressions afoot here".

Discography

• Up All Night (2011)
• Take Me Home (2012)
• Midnight Memories (2013)
• Four (2014)
• Made in the A.M. (2015)

Filmography

• The X Factor series 7 (finalists)
• Up All Night: The Live Tour
• One Direction: This Is Us
• One Direction: Where We Are - The Concert Film

Tours

Awards and nominations

One Direction has received five BRIT Awards?winning their first with "What Makes You Beautiful" for Best British Single at the 2012 BRIT Awards, three NME awards, two Kids' Choice Awards, and four MTV Video Music Awards, among other awards. One Direction won 27 awards from 29 they have been nominated for at the Teen Choice Awards. One Direction also won two American Music Awards out of their two nominations for Favorite Pop/Rock Album and Favorite Pop/Rock Band/Duo/Group, respectively.

See also

• List of Billboard Social 50 number-one artists
• List of artists who reached number one on the UK Singles Chart

Publications

• One Direction: Forever Young, HarperCollins (17 February 2011) ISBN 978-0-00-743230-1
• One Direction: The Official Annual 2012, HarperCollins (1 September 2011) ISBN 978-0-00-743625-5
• Dare to Dream: Life as One Direction, HarperCollins (15 September 2011) ISBN 978-0-00-744439-7
• One Direction: Where We Are: Our Band, Our Story: 100% Official, HarperCollins (19 November 2013) ISBN 978-0-00-748900-8
• One Direction: Who We Are: Our Official Autobiography, HarperCollins (25 September 2014) ISBN 978-0-00-757731-6

References

External links

• Official website
• One Direction at AllMusic
• One Direction at the Internet Movie Database
• Management

Born and raised in Pennsylvania, Swift moved to Nashville, Tennessee at age 14 to pursue a career in country music. She signed with the independent label Big Machine Records and became the youngest artist ever signed by the Sony/ATV Music publishing house. Her eponymous debut album in 2006 peaked at number five on Billboard 200 and spent the most weeks on the chart in the 2000s. The album's third single, "Our Song", made her the youngest person to single-handedly write and perform a number-one song on the Hot Country Songs chart. Swift's second album, Fearless, was released in 2008. Buoyed by the pop crossover success of the singles "Love Story" and "You Belong with Me", Fearless became the best-selling album of 2009 in the United States. The album won four Grammy Awards, with Swift becoming the youngest Album of the Year winner.

Swift was the sole writer of her 2010 album, Speak Now. It debuted at number one in the United States and the single "Mean" won two Grammy Awards. Her fourth album, Red (2012), yielded the successful singles "We Are Never Ever Getting Back Together" and "I Knew You Were Trouble". With her fifth album, the pop-focused 1989 (2014), she became the first act to have three albums sell a million copies within one week in the United States. Its singles "Shake It Off", "Blank Space" and "Bad Blood" reached number one in the US, Australia and Canada. The album received three Grammy Awards, and Swift became the first woman and fifth act overall to win Album of the Year twice. The 2015 eponymous concert tour for 1989 became one of highest-grossing of the decade.

As a songwriter, Swift has received awards from the Nashville Songwriters Association and the Songwriters Hall of Fame. She is also the recipient of ten Grammy Awards, five Guinness World Records, one Emmy Award, 23 Billboard Music Awards, 11 Country Music Association Awards, eight Academy of Country Music Awards, and one Brit Award. Swift is one of the best-selling artists of all time, having sold more than 40 million albums?including 27.1 million in the US?and 130 million single downloads. She has appeared in Time's 100 most influential people in the world (2010 and 2015), Forbes' top-earning women in music (2011-2015), Forbes' 100 most powerful women (2015) and Forbes Celebrity 100 (2016). She was the youngest woman to be included in the third of these and ranked first in Celebrity 100.

Biography

1989-2003: Early life

Taylor Alison Swift was born on December 13, 1989, in Reading, Pennsylvania. Her father, Scott Kingsley Swift, was a financial advisor, and her mother, Andrea Gardner Swift (née Finlay), was a homemaker who worked previously as a mutual fund marketing executive. She has a younger brother named Austin. Swift spent the early years of her life on a Christmas tree farm. She attended preschool and kindergarten at the Alvernia Montessori School, run by Franciscan nuns, before transferring to The Wyndcroft School. The family then moved to a rented house in the suburban town of Wyomissing, Pennsylvania, where she attended Wyomissing Area Junior/Senior High School.

At the age of nine, Swift became interested in musical theater and performed in four Berks Youth Theatre Academy productions. She also traveled regularly to New York City for vocal and acting lessons. Swift later shifted her focus toward country music inspired by Shania Twain's songs, which made her "want to just run around the block four times and daydream about everything". She spent her weekends performing at local festivals and events. After watching a documentary about Faith Hill, Swift felt sure that she needed to go to Nashville, Tennessee, to pursue a music career. At the age of eleven, she traveled with her mother to visit Nashville record labels and submitted a demo tape of Dolly Parton and Dixie Chicks karaoke covers. However, she was rejected since "everyone in that town wanted to do what I wanted to do. So, I kept thinking to myself, I need to figure out a way to be different".

When Swift was about 12 years old, a computer repairman taught her how to play three chords on a guitar, leading to her first effort as a songwriter, "Lucky You". In 2003, Swift and her parents started working with New York-based music manager Dan Dymtrow. With his help, Swift modelled for Abercrombie & Fitch as part of their "Rising Stars" campaign, had an original song included on a Maybelline compilation CD, and attended meetings with major record labels. After performing original songs at an RCA Records showcase, Swift was given an artist development deal and began making frequent trips to Nashville with her mother.

To help Swift break into country music, her father transferred to the Nashville office of Merrill Lynch when she was 14, and the family relocated to a lakefront house in Hendersonville, Tennessee. Swift attended public high school, but after two years transferred to the Aaron Academy, which through homeschooling could accommodate her touring schedule, and she graduated a year early.

2004-2008: Career beginnings and Taylor Swift

In Nashville, Swift worked with experienced Music Row songwriters such as Troy Verges, Brett Beavers, Brett James, Mac McAnally, and The Warren Brothers. She eventually formed a lasting working relationship with Liz Rose. They began meeting for two-hour writing sessions every Tuesday afternoon after school. Rose thought that the sessions were "some of the easiest I've ever done. Basically, I was just her editor. She'd write about what happened in school that day. She had such a clear vision of what she was trying to say. And she'd come in with the most incredible hooks". Swift was signed by the Sony/ATV Tree publishing house, but left RCA Records when she was 14. She later recalled: "I genuinely felt that I was running out of time. I wanted to capture these years of my life on an album while they still represented what I was going through".

At an industry showcase at Nashville's Bluebird Cafe in 2005, Swift caught the attention of Scott Borchetta, a DreamWorks Records executive who was preparing to form his own independent record label, Big Machine Records. She became one of the first signings, and her father purchased a three percent stake in the fledgling company at an estimated cost of $120,000. The singer began working on her eponymous debut album shortly after signing the record deal. She persuaded Big Machine to hire her demo producer Nathan Chapman, with whom she felt she had the right "chemistry". Swift wrote three of the album's songs alone, and co-wrote the remaining eight with writers Rose, Robert Ellis Orrall, Brian Maher, and Angelo Petraglia. Taylor Swift was released on October 24, 2006. Jon Caramanica of The New York Times described it as "a small masterpiece of pop-minded country, both wide-eyed and cynical, held together by Ms. Swift's firm, pleading voice". Taylor Swift peaked at number five on the Billboard 200 and spent 157 weeks on the chart, marking the longest stay by any release in the 2000s. As of August 2016 the album has sold over 7.75 million copies worldwide.

Big Machine Records was still in its infancy on the release of the lead single, "Tim McGraw", in June 2006, and Swift and her mother helped "stuff the CD singles into envelopes to send to radio". She spent much of 2006 promoting Taylor Swift with a radio tour and television appearances. Borchetta has said that record industry peers disliked his signing of a 16-year-old singer-songwriter at first, but that Swift tapped into a previously unknown market?teenage girls who listen to country music. Following "Tim McGraw", four more singles were released throughout 2007 and 2008: "Teardrops on My Guitar", "Our Song", "Picture to Burn" and "Should've Said No". All were highly successful on Billboard Hot Country Songs chart, with "Our Song" and "Should've Said No" both reaching number one. For the former, Swift became the youngest person to single-handedly write and perform a number-one song on the chart. "Teardrops on My Guitar" became a moderate commercial success, reaching number thirteen on the Billboard Hot 100. Swift also released the holiday album Sounds of the Season: The Taylor Swift Holiday Collection in October 2007 and the EP Beautiful Eyes in July 2008. She promoted her debut album extensively as the opening act for other artists on their tours.

Swift won accolades for Taylor Swift. She was one of the recipients of the Nashville Songwriters Association's Songwriter/Artist of the Year in 2007, becoming the youngest person to be honored with the title. She also won the Country Music Association's Horizon Award for Best New Artist, the Academy of Country Music Awards' Top New Female Vocalist, and the American Music Awards' Favorite Country Female Artist honor. She was also nominated for Best New Artist at the 2008 Grammy Awards. In July of that year, Swift began a romance with Joe Jonas that ended three months later.

2008-2010: Fearless and acting

Swift's second studio album, Fearless, was released on November 11, 2008. The lead single, "Love Story", was released in September 2008. It peaked at number four on the Billboard Hot 100 and number one in Australia. Four more singles were released throughout 2008 and 2009: "White Horse", "You Belong with Me", "Fifteen" and "Fearless". "You Belong with Me" was the album's highest-charting single on the Billboard Hot 100, peaking at number two. The album debuted at number one on Billboard 200 and was the top-selling album of 2009 in the United States. The album received promotion from Swift's first concert tour, Fearless Tour, which grossed over $63 million. Taylor Swift: Journey to Fearless, a concert film, was aired on television and later released on DVD and Blu-ray. Swift also performed as a supporting act for Keith Urban's Escape Together World Tour.

In 2009, the music video for "You Belong with Me" was named MTV Video Music Award for Best Female Video. Her acceptance speech was interrupted by rapper Kanye West. The incident was the subject of controversy and frequent media attention, resulting in many Internet memes. James Montgomery of MTV argued that the incident and subsequent media attention turned Swift into "a bona-fide mainstream celebrity". Also that year, she won five American Music Awards, including Artist of the Year and Favorite Country Album. Billboard named her 2009's Artist of the Year.

Swift also won accolades for Fearless in 2010. At the 52nd Grammy Awards, Fearless was named Album of the Year and Best Country Album, and "White Horse" was named Best Country Song and Best Female Country Vocal Performance. Swift was the youngest artist ever to win Album of the Year. During the ceremony, Swift sang "You Belong with Me" and "Rhiannon" with Stevie Nicks. Her vocal performance received negative reviews and a media backlash. Jon Caramanica of The New York Times found it "refreshing to see someone so gifted make the occasional flub" and described Swift as "the most important new pop star of the past few years". Swift became the youngest ever artist to be named Entertainer of the Year by the Country Music Association. Fearless also won the Association's Album of the Year award.

Swift contributed backing vocals to John Mayer's "Half of My Heart", a single featured on his fourth album, Battle Studies (2009). She co-wrote and recorded "Best Days of Your Life" with Kellie Pickler, and co-wrote two songs for the Hannah Montana: The Movie soundtrack?"You'll Always Find Your Way Back Home" and "Crazier". Swift also provided vocals for Boys Like Girls' "Two Is Better Than One". She contributed two songs to the Valentine's Day soundtrack, including "Today Was a Fairytale", which became her first number one on the Canadian Hot 100 chart.

Swift made her acting debut in a 2009 episode of CBS's CSI: Crime Scene Investigation, playing a rebellious teenager. The New York Times noted that the character allowed Swift to be "a little bit naughty, and credibly so". Later that year, Swift both hosted and performed as the musical guest for an episode of Saturday Night Live. Entertainment Weekly described her as "this season's best Saturday Night Live host so far", noting that she "was always up for the challenge, seemed to be having fun, and helped the rest of the cast nail the punchlines". While filming Valentine's Day in October 2009?Swift's feature film acting debut?she began a romantic relationship with co-star Taylor Lautner; however, they broke up later that year. The romantic comedy, released the following year, saw her play the ditzy girlfriend of a high school jock, a role in which Los Angeles Times found "serious comedic potential". In a scathing review, the critic for Variety deemed her "entirely undirected", arguing that "she needs to find a skilled director to tamp her down and channel her obviously abundant energy". Later in 2010, she briefly dated actor Jake Gyllenhaal.

2010-2014: Speak Now and Red

In August 2010, Swift released "Mine", which entered the United States at number three, making Swift the second female artist in the history of the Hot 100 (after Mariah Carey) to debut multiple tracks?the other one was "Today Was a Fairytale" at number two?in the top five during a calendar year. The song was the lead single from her third studio album, Speak Now, whose songs she wrote by herself. Speak Now, released on October 25, 2010, was a commercial success, debuting at number one on the Billboard 200, with opening week sales of one million copies, the 16th album to do so. Later, it became the fastest-selling digital album by a female artist, with 278,000 downloads in a week. For this feat, Swift received a listing in the 2010 Guinness World Records; she earned another entry in the book after 10 of Speak Now's tracks debuted on the Billboard Hot 100, making her the first female to achieve the feat. Three of the album's singles?"Mine", "Back to December", and "Mean"?peaked within the top ten in Canada.

The song "Mean" won Best Country Song and Best Country Solo Performance at the 54th Annual Grammy Awards. She performed the song during the ceremony. Claire Suddath of Time felt she "delivered her comeback on-key and with a vengeance", and Jayme Deerwester of USA Today remarked that the criticism in 2010 seemed to have "made her a better songwriter and live performer". Swift won various other awards for Speak Now, including Songwriter/Artist of the Year by the Nashville Songwriters Association (2010 and 2011), Woman of the Year by Billboard (2011), and Entertainer of the Year by the Academy of Country Music (2011 and 2012) and the Country Music Association in 2011. At the American Music Awards of 2011, Swift won Artist of the Year and Favorite Country Album.

Swift embarked on the Speak Now World Tour, which ran from February 2011 to March 2012, and grossed over $123 million. In November 2011, she released her first live album, Speak Now World Tour: Live. The following month, Swift contributed two original songs to The Hunger Games soundtrack album?"Safe & Sound", co-written and recorded with The Civil Wars and T-Bone Burnett, and "Eyes Open". The former was awarded the Grammy Award for Best Song Written for Visual Media. After providing vocals for B.o.B's "Both of Us" in May 2012, Swift dated political heir Conor Kennedy from July to September 2012. In August, Swift released "We Are Never Ever Getting Back Together"?the lead single from her fourth studio album, Red. An international success, it became her first number-one in the US and New Zealand. The song reached the top slot on an iTunes chart 50 minutes after its release, earning the "Fastest Selling Single in Digital History" listing in the Guinness World Records. Swift released the album's second single "Begin Again" in October. It reached number seven on the Billboard Hot 100. Other singles released from the album included: "I Knew You Were Trouble", "22", "Everything Has Changed", "The Last Time", and "Red". "I Knew You Were Trouble" was a major commercial success, peaking at number two in the United States.

Red was released on October 22, 2012, incorporating new genres, such as heartland rock, dubstep and dance-pop. The album was a critical and commercial success, and debuted at number one on the Billboard 200 with first-week sales of 1.21 million copies. This marked the highest opening sales in a decade, and made Swift the first female to have two million-selling album openings, a record recognized by Guinness World Records. Promoting the album, Swift embarked on the Red Tour, which ran from March 2013 to June 2014 and grossed over $150 million. Red earned several accolades, including four nominations at the 56th Annual Grammy Awards. Its single "I Knew You Were Trouble" won Best Female Video at the 2013 MTV Video Music Awards. Swift was named Best Female Country Artist at the 2012 American Music Awards and Artist of the Year at the 2013 ceremony. She received the Nashville Songwriters Association's Songwriter/Artist Award for the fifth and sixth consecutive years in 2012 and 2013, respectively. Swift was also honored by the Association with a special Pinnacle Award, making her the second recipient of the accolade after Garth Brooks.

In 2013, Swift co-wrote "Sweeter Than Fiction" with Jack Antonoff for the One Chance soundtrack, and received a Best Original Song nomination at the 71st Golden Globe Awards. She provided guest vocals for a McGraw song titled "Highway Don't Care", featuring guitar work by Urban. Swift performed "As Tears Go By" with The Rolling Stones in Chicago as part of their 50 & Counting tour. She also joined Florida Georgia Line on stage during their set at the 2013 Country Radio Seminar to sing "Cruise". Outside of music, Swift voiced Audrey, a tree lover, in the animated film The Lorax (2012), made a cameo in the sitcom New Girl (2013), and had a supporting role in the film adaptation of The Giver (2014). She dated British singer Harry Styles from December 2012 to January 2013.

2014-present: 1989

In March 2014, Swift relocated to New York City. Around this time, she was working on her fifth studio album, 1989, with writers Antonoff, Martin, Shellback, Imogen Heap, Ryan Tedder, and Ali Payami. She promoted the album through various campaigns, including inviting fans to secret album-listening sessions, called the "1989 Secret Sessions". Credited as her "first documented, official pop album", it marks a departure from her previous country albums. The album was released on October 27, 2014 to positive reviews.

1989 sold 1.28 million copies in the US during the first week of release and debuted atop the Billboard 200?this made Swift the first act to have three albums sell more than one million copies in their opening release week, for which she earned a Guinness World Record. As of February 2015, 1989 had sold over 8.6 million copies worldwide. The album's lead single, "Shake It Off", was released in August 2014 and debuted at number one on the Billboard Hot 100. Others included two number-one singles?"Blank Space" and "Bad Blood" (featuring Kendrick Lamar)?as well as the top-ten entries "Style" and "Wildest Dreams", and the singles "Out of the Woods" and "New Romantics". "Shake It Off", "Blank Space", and "Bad Blood" also topped the charts in Australia and Canada. The music video for "Blank Space" briefly became the fastest video to reach one billion views on Vevo. "Blank Space" and the video for "Bad Blood" won four accolades at the 2015 MTV Video Music Awards, with the latter winning for Video of the Year and Best Collaboration. Swift's headlining tour, the 1989 World Tour, running from May to December 2015, grossed over $250 million, and became one of the highest grossing tours of all time.

Swift was named Billboard's Woman of the Year in 2014, becoming the first artist to win the award twice. Also that year, she received the Dick Clark Award for Excellence at the American Music Awards. In 2015, "Shake It Off" was nominated for three Grammy Awards, including Record of the Year and Song of the Year and Swift won the Brit Award for International Female Solo Artist. The singer was one of eight artists to receive a 50th Anniversary Milestone Award at the 2015 Academy of Country Music Awards. In 2016, Swift won three Grammy Awards for 1989?Album of the Year, Best Pop Vocal Album, and Best Music Video for "Bad Blood". She became the first woman, and fifth act overall, to win the first of these twice.

Prior to 1989's release, Swift stressed the importance of albums to artists and fans. In November 2014, she removed her entire catalog from Spotify, arguing that the streaming company's ad-supported, free service undermined the premium service, which provides higher royalties for songwriters. In June 2015, Swift criticized Apple Music in an open letter for not offering royalties to artists during the streaming service's free three-month trial period and stated that she would pull 1989 from the catalog. The following day, Apple announced that it would pay artists during the free trial period, and Swift agreed to stream 1989 on the streaming service. Swift's intellectual property rights management and holding company, TAS Rights Management, filed for 73 trademarks related to the singer and the 1989 era memes.

In 2015, Swift performed "I Saw Her Standing There" and "Shake It Off" with Paul McCartney at the Saturday Night Live 40th Anniversary Special after-party, and joined Kenny Chesney to sing "Big Star" on the opening night of his Big Revival Tour in Nashville. In March 2015, Swift started dating Scottish DJ and record producer Calvin Harris. By June 2015, the duo were ranked as the highest-paid celebrity couple over the past year by Forbes with combined earnings of over $146 million. In August, Swift addressed her mother's cancer diagnosis, and encouraged others to get a medical checkup. Before Swift and Harris announced the end of their relationship in June 2016, the two co-wrote his song "This Is What You Came For", for which she was initially credited under the pseudonym Nils Sjöberg. In October, she penned Little Big Town's "Better Man" for their seventh album, The Breaker. Two months later, Swift and Zayn Malik released a single together called "I Don't Wanna Live Forever", for the soundtrack of the film Fifty Shades Darker (2017), which reached number one in Sweden.

Artistry

Influences

One of Swift's earliest musical memories is listening to her maternal grandmother, Marjorie Finlay, sing at church. As a child, she enjoyed Disney film soundtracks: "My parents noticed that, once I had run out of words, I would just make up my own". Swift has said she owes her confidence to her mother, who helped her prepare for class presentations as a child. She also attributes her "fascination with writing and storytelling" to her mother. Swift was drawn to the storytelling of country music, and was introduced to the genre by "the great female country artists of the '90s"?Shania Twain, Faith Hill and the Dixie Chicks. Twain, both as a songwriter and performer, was her biggest musical influence. Hill was Swift's childhood role model: "Everything she said, did, wore, I tried to copy it". She admired the Dixie Chicks' defiant attitude and their ability to play their own instruments. The band's "Cowboy Take Me Away" was the first song Swift learned to play on the guitar. Swift also explored the music of older country stars, including Patsy Cline, Loretta Lynn, Dolly Parton and Tammy Wynette. She believes Parton is "an amazing example to every female songwriter out there". Alt-country artists such as Ryan Adams, Patty Griffin and Lori McKenna have inspired Swift.

Swift lists Paul McCartney, Bruce Springsteen, Emmylou Harris, Kris Kristofferson and Carly Simon as her career role models: "They've taken chances, but they've also been the same artist for their entire careers". McCartney, both as a Beatle and a solo artist, makes Swift feel "as if I've been let into his heart and his mind ... Any musician could only dream of a legacy like that". She admires Springsteen for being "so musically relevant after such a long period of time". She aspires to be like Harris as she grows older: "It's not about fame for her, it's about music". "[Kristofferson] shines in songwriting ... He's just one of those people who has been in this business for years but you can tell it hasn't chewed him up and spat him out", Swift says. She admires Simon's "songwriting and honesty ... She's known as an emotional person but a strong person".

Swift has also been influenced by many artists outside the country genre. As a pre-teen, she enjoyed bubblegum pop acts including Hanson and Britney Spears; Swift has said she has "unwavering devotion" for Spears. In her high school years, Swift listened to rock bands such as Dashboard Confessional, Fall Out Boy, and Jimmy Eat World. She has also spoken fondly of singers and songwriters like Michelle Branch, Alanis Morissette, Ashlee Simpson, Fefe Dobson and Justin Timberlake; and the 1960s acts like The Shirelles, Doris Troy, and The Beach Boys. Swift's fifth album, the pop-focused 1989 was influenced by some of her favorite 1980s pop acts, including Annie Lennox, Phil Collins and "Like a Prayer-era Madonna".

Musical style

Swift's music contains elements of pop, pop rock and country. She self-identified as a country artist until the 2014 release of 1989, which she described as a "sonically cohesive pop album". Rolling Stone asserted, "[Swift] might get played on the country station, but she's one of the few genuine rock stars we've got these days". The New York Times noted, "There isn't much in Ms. Swift's music to indicate country?a few banjo strums, a pair of cowboy boots worn onstage, a bedazzled guitar?but there's something in her winsome, vulnerable delivery that's unique to Nashville". According to The Guardian, Swift "cranks melodies out with the pitiless efficiency of a Scandinavian pop factory".

Swift's vocals have been described by Sophie Schillaci from The Hollywood Reporter as "sweet, but soft". In studio recordings, the Los Angeles Times identified Swift's "defining" vocal gesture as "the line that slides down like a contented sigh or up like a raised eyebrow, giving her beloved girl-time hits their air of easy intimacy". Rolling Stone, in a Speak Now review, remarked: "Swift's voice is unaffected enough to mask how masterful she has become as a singer; she lowers her voice for the payoff lines in the classic mode of a shy girl trying to talk tough." In another review of Speak Now, The Village Voice noted that her phrasing was previously "bland and muddled, but that's changed. She can still sound strained and thin, and often strays into a pitch that drives some people crazy; but she's learned how to make words sound like what they mean." The Hollywood Reporter opines that her live vocals are "fine", but they do not match those of her peers. In 2009, they were also described as "flat, thin, and sometimes as wobbly as a newborn colt". However, Swift has received praise for refusing to correct her pitch with Auto-Tune.

In an interview with The New Yorker, Swift characterized herself primarily as a songwriter: "I write songs, and my voice is just a way to get those lyrics across." A writer for The Tennessean conceded in 2010 that Swift is "not the best technical singer", but described her as the "best communicator that we've got". Swift's vocal presence is something that concerns her and she has "put a lot of work" into improving it. It was reported in 2010 that she continues to take vocal lessons. She has said that she only feels nervous performing "if I'm not sure what the audience thinks of me, like at award shows".

Songwriting

Swift uses her life experiences as an inspiration in her work. In her songs, Swift often addresses the "anonymous crushes of her high school years" and celebrities. Swift frequently criticizes ex-boyfriends, an aspect of her songwriting downplayed by The Village Voice: "Being told What Songs Mean is like having a really pushy professor. And it imperils a true appreciation of Swift's talent, which is not confessional, but dramatic." However, New York believes the media scrutiny over her decision to "mine her personal life for music ? is sexist, inasmuch as it's not asked of her male peers". The singer herself has said that not all her songs are factual and that they are sometimes based on observations. Aside from her liner note clues, Swift tries not to talk about song subjects specifically "because these are real people. You try to give insight as to where you were coming from as a writer without completely throwing somebody under the bus".

For a female to write about her feelings, and then be portrayed as some clingy, insane, desperate girlfriend in need of making you marry her and have kids with her, I think that's taking something that potentially should be celebrated?a woman writing about her feelings in a confessional way?that's taking it and turning it and twisting it into something that is frankly a little sexist.

The Guardian has praised Swift for writing about teenage years "with a kind of wistful, sepia-toned nostalgia" over the course of her first two albums. New York has remarked that many singer-songwriters have made great records as teens, but "none made great records so explicitly about their teens". The magazine has also compared her work to Brian Wilson. In Fearless, Swift featured fairy tale imagery and explored the disconnect "between fairy tales and the reality of love". Her later albums address more adult relationships. In addition to romance and love, Swift's songs have discussed parent-child relationships, friendships, alienation, fame, and career ambitions. Swift frequently includes "a tossed-off phrase to suggest large and serious things that won't fit in the song, things that enhance or subvert the surface narrative".

Rolling Stone describes Swift as "a songwriting savant with an intuitive gift for verse-chorus-bridge architecture". According to The Village Voice, she uses third-verse point of view reversals frequently. In terms of imagery, repetition is evident in Swift's songwriting. In The Guardian's words, "she spends so much time kissin' in the rain that it seems a miracle she hasn't developed trenchfoot". Slant Magazine adds, "to Swift's credit, she explores new lyrical motifs over the course of [her fourth] album". Although reviews of Swift's work are "almost uniformly positive", The New Yorker has said she is generally portrayed "more as a skilled technician than as a Dylanesque visionary".

Public image

Swift's personal life is the subject of constant media attention. In 2013, Abercrombie & Fitch marketed a slogan T-shirt with a "slut-shaming" remark directed toward her. The New York Times asserted that her "dating history has begun to stir what feels like the beginning of a backlash" and questioned whether Swift was in the midst of a "quarter-life crisis". Swift has said that she is unwilling to discuss her personal life in public, as she believes that talking about it can be "a career weakness".

Rolling Stone remarks upon her polite manner: "If this is Swift's game face, it must be tattooed on because it never drops." The magazine also takes note of her "ease with glad-handing", and The Hollywood Reporter credits her as "the Best People Person since Bill Clinton". While presenting Swift an award for her humanitarian endeavors in 2012, Michelle Obama described her as a singer who "has rocketed to the top of the music industry but still keeps her feet on the ground, someone who has shattered every expectation of what a 22-year-old can accomplish". Swift considers Obama to be a role model. Swift is one of the most followed people on social media, and is known for her friendly interactions with her fans. She has delivered holiday gifts to fans by mail and in person, dubbed "Swiftmas". She considers it her "responsibility" to be conscious of her influence on young fans, and has said that her fans are "the longest and best relationship I have ever had".

Often described by the media as "America's Sweetheart", Swift insists that "I don't live by all these rigid, weird rules that make me feel all fenced in. I just like the way that I feel like, and that makes me feel very free". She refuses to take part in overly sexualized photo-shoots, although Bloomberg L.P. views her as a sex symbol. Swift was named an Icon of American Style by Vogue in 2011. In 2014 she topped People's annual best dressed list. In 2015, she was named Woman of the Year at the Elle Style Awards, and ranked first in Maxim's Hot 100 list.

Swift has also appeared in various power listings. Due to her success and earnings, she was included in Time's annual list of the 100 most influential people in 2010 and 2015. From 2011-15, she appeared in the top three of Forbes' Top-Earning Women In Music with earnings of $45 million, $57 million, $55 million, $64 million and $80 million respectively. In 2015, she became the youngest woman ever to be included on Forbes' 100 most powerful women list, ranked at number 64. In 2016, Swift topped Forbes' annual list of the 100 highest-paid celebrities with $170 million?she also ranked among the top ten in 2011, 2013 and 2015. In June 2016, Forbes estimated Swift's net worth to be $250 million.

Other ventures

Philanthropy

Swift's philanthropic efforts have been recognized by the Do Something Awards and the Tennessee Disaster Services. She has also received The Big Help Award for her "dedication to helping others" and "inspiring others through action", and the Ripple of Hope Award because of her "dedication to advocacy at such a young age [?] Taylor is just the kind of woman we want our daughters to be". In 2008, she donated $100,000 to the Red Cross to help the victims of the Iowa flood of 2008. The singer has performed in charity reliefs like Sydney's Sound Relief concert. She also recorded a song for the Hope for Haiti Now album. In response to the May 2010 Tennessee floods, Swift donated $500,000 during a telethon hosted by WSMV. In 2011, Swift used a dress rehearsal of her Speak Now tour as a benefit concert for victims of recent tornadoes in the United States, raising more than $750,000. In 2012, Swift supported Architecture for Humanity's Restore the Shore MTV telethon in the aftermath of Hurricane Sandy. In 2016, she made donations to the Louisiana flood relief and Dolly Parton Fire Fund.

Swift is a supporter of the arts and donated $75,000 to Nashville's Hendersonville High School in 2010 to help refurbish the school auditorium. In 2012, she pledged $4 million to fund the building of a new education center at the Country Music Hall of Fame and Museum in Nashville. Also in 2012, Swift partnered with textbook rental company Chegg to donate $60,000 to the music departments of six US colleges. Swift also promotes children's literacy. In 2009, she donated $250,000 to various schools around the country for improvement of education. Her other endeavors to promote literacy include donating 6,000 Scholastic books to Reading Public Library, Pennsylvania; 14,000 books to Nashville Public Library, Tennessee; 2,000 Scholastic books to the Reading Hospital Child Health Center's early literacy program; and 25,000 books to New York City schools in 2015.

In 2007, she launched a campaign to protect children from online predators, in partnership with the Tennessee Association of Chiefs of Police. In 2009, Swift recorded a Sound Matters public service announcement (PSA) to make listeners aware of the importance of listening "responsibly" to prevent hearing impairment. Swift has donated items for auction to several charities, including: the Elton John AIDS Foundation, the UNICEF Tap Project, MusiCares, and Feeding America. As a recipient of the Academy of Country Music's Entertainer of the Year in 2011, Swift donated $25,000 to St. Jude Children's Research Hospital, Tennessee. In 2012, Swift participated in the Stand Up to Cancer telethon, performing "Ronan", a song she wrote in memory of a four-year-old boy who died of neuroblastoma. The song was made available for digital download with all proceeds donated to cancer-related charities. In 2014, she donated $100,000 to the V Foundation for Cancer Research, and $50,000 to Children's Hospital of Philadelphia. The singer made private visits to hospitals to meet with sick patients and to support them. Swift has encouraged young people to volunteer in their local communities as part of Global Youth Service Day.

Politics

During the 2008 presidential campaign, Swift promoted the Every Woman Counts campaign, aimed at engaging women in the political process, and was one of many country stars to record a PSA for the Vote (For Your) Country campaign. She stated: "I don't think it's my job to try and influence people which way they should vote." Following President Obama's inauguration, she told Rolling Stone that she supported the president: "I've never seen this country so happy about a political decision in my entire time of being alive. I'm so glad this was my first election."

In a 2012 interview, Swift remarked that in spite of keeping herself "as educated and informed as possible", she does not discuss politics, fearing that it might influence other people. Swift has spent time with the Kennedy family and has spoken of her admiration for Ethel Kennedy. Swift is also a feminist. She has spoken out against LGBT discrimination. Following the 2008 murder of Larry King, she recorded a GLSEN PSA to combat hate crimes. On the first anniversary of King's death, Swift told Seventeen that her parents taught her "never to judge others based on whom they love, what color their skin is, or their religion". The music video for Swift's anti-bullying song "Mean" deals in part with homophobia in high schools; the video was nominated for an MTV VMA social activism award in 2011. The New York Times believes she is part of "a new wave of young (and mostly straight) women who are providing the soundtrack for a generation of gay fans coming to terms with their identity in a time of turbulent and confusing cultural messages".

Product endorsements

While promoting her debut album, Swift appeared as the face of Verizon Wireless' Mobile Music campaign. In the Fearless era, she launched a l.e.i. sundress range at Wal-Mart, and designed American Greetings cards and Jakks Pacific dolls. She became a spokesperson for the National Hockey League's (NHL) Nashville Predators and Sony Cyber-shot digital cameras. In the Speak Now era, she released a special edition of her album through Target. Swift became a CoverGirl spokesmodel, launched two Elizabeth Arden fragrances?Wonderstruck and Wonderstruck Enchanted.

While promoting her fourth album, Red, Swift offered exclusive album promotions through Target, Papa John's Pizza, and Walgreens. She became a spokesmodel for Diet Coke and Keds sneakers, released her third Elizabeth Arden fragrance named Taylor by Taylor Swift, and continued her partnerships with Sony Electronics and American Greetings. Swift also partnered with the companies AirAsia and Qantas during the Red Tour. These acted as the official airlines for the Australian and Asian legs, and Cornetto sponsored the Asian leg of the tour. While promoting 1989, Swift had tie-ins with Subway, Keds, Target and Diet Coke. In 2014, Swift released her fourth fragrance, Incredible Things.

Awards and achievements

Swift has received many awards and honors, including 10 Grammy Awards, 19 American Music Awards, 23 Billboard Music Awards, 11 Country Music Association Awards, 8 Academy of Country Music Awards, one Brit Award and one Emmy. As a songwriter, she has been honored by the Nashville Songwriters Association and the Songwriters Hall of Fame.

By the beginning of 2016, Swift had sold more than 40 million albums, 130 million single downloads and was one of the top five music artists with the highest worldwide digital sales. Swift's studio albums Taylor Swift, Fearless, Speak Now, Red, and 1989 have all sold over 4 million copies in the US.

Discography

• Taylor Swift (2006)
• Fearless (2008)
• Speak Now (2010)
• Red (2012)
• 1989 (2014)

Concert tours

• Fearless Tour (2009-2010)
• Speak Now World Tour (2011-2012)
• The Red Tour (2013-2014)
• The 1989 World Tour (2015)

Filmography

• Valentine's Day (2010)
• The Lorax (2012)
• The Giver (2014)

References

External links

• Official website
• Taylor Swift at DMOZ
• Taylor Swift at the Internet Movie Database

Drake released his debut studio album Thank Me Later in 2010, which debuted at number one on the U.S. Billboard 200 and was soon certified platinum by the Recording Industry Association of America (RIAA). His next two releases were 2011's Take Care and 2013's Nothing Was the Same, with certifications of quadruple and triple platinum respectively in the U.S., with the former also earning him his first Grammy Award for Best Rap Album. They were followed by two mixtapes, with the trap-influenced If You're Reading This It's Too Late, and a collaboration with Future for What a Time to Be Alive, in 2015. The former was certified double platinum in the U.S.

Drake released his fourth album, Views, in 2016, breaking several chart records in the process. The dancehall-influenced Views sat atop the Billboard 200 for ten nonconsecutive weeks, becoming the first album by a solo male to do so in over 10 years. Its single "One Dance" topped the chart in several countries, including the U.S., the UK and Canada, where it became his first number-one single as the lead artist. This saw Drake leading the Billboard Hot 100 and the Billboard 200 simultaneously for eight weeks, coming close to a record held by Whitney Houston. It achieved quadruple platinum status in the U.S., and earned over 1 million album-equivalent units in the first week of its release. The single "Hotline Bling" secured him his second and third Grammy win, for Best Rap/Sung Performance and Best Rap Song, at the organization's 59th ceremony.

Drake released the critically acclaimed multi-genre More Life in 2017. More Life, described by Drake as a playlist, was his seventh consecutive number one on the Billboard 200 albums chart and set multiple streaming records.

Drake owns several Billboard chart records. He has the most charted songs (154) among solo artists in the history of the Billboard Hot 100, the most simultaneously charted Hot 100 songs in a single week (24) and the most Hot 100 debuts in a week (21). Drake also has the most number one singles on the Hot Rap Songs, Hot R&B/Hip-Hop Airplay and Rhythmic Charts. Alongside his Grammy Award wins, Drake has won three Juno Awards and six BET Awards.

Drake has developed other ventures, including his OVO Sound record label with longtime collaborator Noah "40" Shebib. Drake acts as a producer, producing under the pseudonym of Champagne Papi. Using the "OVO" moniker, Drake has his own clothing line and his own program on Beats 1 Radio. He is also currently acting as the global ambassador for NBA franchise, the Toronto Raptors.

Early life

Aubrey Drake Graham was born on October 24, 1986, in Toronto, Ontario. His father, Dennis Graham, is an African American and a practicing Catholic from Memphis, Tennessee, and worked as a drummer, performing alongside country musician Jerry Lee Lewis. Bass guitarist Larry Graham and the late songwriter Teenie Hodges are his paternal uncles. Drake's mother, Sandi Graham (née Sher), is a white Jewish Canadian who worked as an English teacher and florist. Drake attended a Jewish day school, and had a Bar Mitzvah ceremony.

Drake's parents divorced when he was five years old. After the divorce, he and his mother remained in Toronto, while his father chose to return to Memphis in order to find a way to supplement himself financially. As a child, he witnessed his father's arrest while visiting him in Memphis. His father later collaborated with Canadian music group Arkells for a song entitled "Drake's Dad", detailing the events that had occurred following his departure from Drake's early life.

Drake was raised in two polarizing Toronto neighbourhoods; he lived on Weston Road in the city's working-class west end, until the sixth grade. In his youth, he played minor hockey with the Weston Red Wings. Drake then moved to one of the city's affluent neighbourhoods, Forest Hill, in 2000. When asked about the move to Forest Hill, Drake replied, "[We had] a half of a house we could live in. The other people had the top half, we had the bottom half. I lived in the basement, my mom lived on the first floor. It was not big, it was not luxurious. It was what we could afford."

He attended Forest Hill Collegiate Institute, where he demonstrated an affinity for the arts, first acting while an active student at the school. He later attended Vaughan Road Academy in the city's multicultural Oakwood-Vaughan neighbourhood. Due to the economic status associated with the neighbourhood, Drake described the school as "not by any means the easiest school to go to. [It's tough]." Drake was often bullied in school for his racial and religious background, and upon realizing that his busy class schedule was detrimental to his burgeoning acting career, Drake dropped out of school. He later graduated in October 2012.

Career

2001-2005: Degrassi: The Next Generation

At 15, Drake encountered an acting agent who was the father of a high school friend. The agent found Drake a role on Canadian teen drama series Degrassi: The Next Generation. Drake portrayed Jimmy Brooks, a basketball star who became physically disabled after he was shot by a classmate. When asked about his early acting career, Drake replied, "My mother was very sick. We were very poor, like broke. The only money I had coming in was off of Canadian TV." He would continue to appear on the show until 2007, returning for sporadic appearances until his character graduated from the school depicted within the show. Overall, Drake appeared in a total of 145 episodes.

2006-2009: Early mixtapes and So Far Gone

After becoming musically inspired by Jay Z and Clipse, Drake self-released his debut mixtape, Room for Improvement, in 2006. The mixtape featured Trey Songz and Lupe Fiasco, and included vast production from Canadian producers Boi-1da, and Frank Dukes. When asked about the mixtape, Drake described the project as "pretty straightforward, radio friendly, [and] not much content to it." The mixtape was released for sale only, and confirmed to have sold over 6,000 copies. In 2007, he released his second mixtape, Comeback Season. Released from his recently founded October's Very Own label, it spawned the single "Replacement Girl", featuring Trey Songz. The song made Drake become the first ever unsigned Canadian rapper to have his music video featured on BET, with "Replacement Girl" being featured on the channel's "New Joint of the Day" segment on April 30, 2007. The song also saw Drake sample "Man of the Year" by Brisco, Flo Rida and Lil Wayne, retaining Lil Wayne's verse, and adjoined his own to the song's earlier half. This caused Jas Prince to gift Lil Wayne the song, which prompted the rapper to invite Drake to Houston in order to join his Tha Carter III tour. Throughout the duration of the tour, Drake and Lil Wayne recorded multiple songs together, including "Ransom", "I Want This Forever", and a remix to "Brand New". Despite the collaborations between the duo, Drake was yet to be signed by Young Money Entertainment.

In 2009, Drake released his third mixtape, So Far Gone. It was made available for free download through his OVO blog website, and was featured Lil Wayne, Trey Songz, Omarion, Lloyd, and Bun B. It received over 2,000 downloads in the first 2 hours of release, finding mainstream commercial success due to the singles "Best I Ever Had" and "Successful", both gaining Gold certification by the Recording Industry Association of America (RIAA). This prompted the release of an EP, featuring only four songs from the original mixtape, as well as the addition of "I'm Goin' In" and "Fear". It debuted at number six on the Billboard 200, and won the Rap Recording of the Year at the 2010 Juno Awards.

Due to the success of the mixtape, Drake was the subject of a bidding war from various labels, often reported as "one of the biggest bidding wars ever". Despite this, it was confirmed that on June 29, 2009, Drake had secured a recording contract with Young Money Entertainment. This was confirmed following the planned lawsuit from Drake and Young Money against an unauthorized album entitled The Girls Love Drake, which was released on iTunes under dubious means.

While participating on the America's Most Wanted Tour in July 2009, Drake fell on stage while performing "Best I Ever Had" in Camden, New Jersey. Drake was confirmed to have torn his anterior cruciate ligament in his right knee during the performance, and underwent surgery on September 8, 2009.

2010-2011: Thank Me Later

Drake planned to release his debut album, Thank Me Later, in late 2008, but the album's release date was postponed, first to March 2010, and then to May 25, 2010. Young Money and Universal Motown had then released a statement that the album had again been pushed back three weeks, for a June 15, 2010, release.

On March 9, 2010, Drake released the debut single "Over", peaking at number fourteen on the Billboard Hot 100, as well as topping the Rap Songs chart. It also received a nomination for Best Rap Solo Performance at the 53rd Grammy Awards. His second single, "Find Your Love", became an even bigger success; peaking at number five on the Hot 100, and was certified Platinum by the Recording Industry Association of America (RIAA). The music video for the single was shot in Kingston, Jamaica, and was criticized by Jamaica's minister of tourism, Edmund Bartlett. Bartlett condemned the portrayal of the island in the video, saying, "care has to be taken by all, including our creative artists, in [showcasing] images of our destination and people. Gun culture, while not unique to Jamaica, is not enhancing [the island's image]." The third single and fourth singles, "Miss Me" and "Fancy" respectively, attained moderate commercial success, however, the latter garnered Drake his second nomination at the 53rd Grammy Awards, for Best Rap Performance by a Duo or Group. On April 29, it was reportedly announced that Drake had finished Thank Me Later during a show in Kansas City, Missouri.

Thank Me Later was released on June 15, 2010, debuting at number one on the Billboard 200 with sales of over 447,000 copies in its first week. Upon the album's release, 25,000 fans gathered at New York City's South Street Seaport for a free concert, hosted by Drake and Hanson. A near-riot ensued after police cancelled the show due to overflowing crowds. The album became the top selling debut album for any artist in 2010, and featured Lil Wayne, Kanye West, and Jay Z.

It was soon announced that Drake would have a prominent role in military science fiction video game, Gears of War 3. He was scheduled to play the part of Jace Stratton, but scheduling conflicts with his upcoming Away from Home Tour prevented Drake from accepting the role. He began the tour on September 20, 2010, in Miami, Florida, performing at 78 shows over four different legs. It concluded in Las Vegas in November 2010. Due to the success of the Away from Home Tour, Drake hosted the first OVO Festival in 2010. It would soon become a regular event during the summer, with the Molson Amphitheatre in Toronto playing host to the festival on its annual cycle. Drake also had an eco-friendly college tour to support the album, beginning with Eastern Illinois University in Charleston, Illinois. It concluded in Plymouth, New Hampshire on May 8, and he had also performed at The Bamboozle on May 1.

2011-2012: Take Care

Beginning his second effort in fall 2010, Drake announced his intentions to allow for Noah "40" Shebib to handle most of the production and record a more cohesive sound than on Thank Me Later, which featured disparate production duties by Shebib and others. In November 2010, Drake revealed the title of his next studio album will be Take Care. In comparison to his debut album, Drake revealed to Y.C Radio 1 that Thank Me Later was a rushed album, stating, "I didn’t get to take the time that I wanted to on that record. I rushed a lot of the songs and sonically I didn’t get to sit with the record and say, 'I should change this verse.' Once it was done, it was done. That’s why my new album is called Take Care, because I get to take my time this go-round." Drake sought to expand on the low-tempo, sensuous, and dark sonic aesthetic of Thank Me Later. Primarily a hip hop album, Drake attempted to incorporate R&B and pop to create a languid, grandiose sound.

In January 2011, Drake was in negotiations to join Eva Green and Susan Sarandon as a member of the cast in Nicholas Jarecki's Arbitrage, before ultimately deciding against starring in the movie, to focus on the album. "Dreams Money Can Buy" and "Marvins Room" were released on Drake's October's Very Own Blog, on May 20 and June 9, respectively. Acting as promotional singles for Take Care, the former was eventually unincluded on the album's final track listing, while "Marvins Room" gained Gold certification by the RIAA, as well as peaking at number 21 on the Billboard Hot 100, and reaching the top 10 of the Hot R&B/Hip-Hop Songs chart, coupled with extensive play on contemporary urban radio. Drake would soon release the song's music video on June 28.

"Headlines" was released on August 9, acting as the lead single for Take Care. It was met with positive critical and commercial response, reaching number thirteen on the Hot 100, as well as becoming his tenth single to reach the summit of the Billboard Hot Rap Songs, making Drake the artist with the most number-one singles on the chart, with 12. It was eventually certified Platinum in both the United States and Canada. The music video for the single was released on October 2, and foresaw Drake performing the song during the second intermission of the 59th National Hockey League All-Star Game in January 2012. "Make Me Proud" was released as the album's second single, on October 16. It was the final single to be released prior to the launch of the album, and debuted at number 97 on the Billboard Hot 100. The song reached number nine the following week, tying the record for the largest jump on the Billboard Hot 100 for a male artist, with 88. "Make Me Proud" soon became Drake's fourth consecutive single to receive Platinum certification by the RIAA.

Drake had also planned to record a collaborative album with Lil Wayne, however, it was ultimately scrapped due to the success of Watch the Throne. Drake had also begun collaborations with Rick Ross for a mixtape entitled Y.O.L.O., but was decided against in favor of increased concern for their respective studio albums.

Take Care was released on November 15, 2011, and received generally positive reviews from music critics. John McDonnell of NME dubbed it "an affecting masterpiece" and commended its "delicate, mellifluous sound and unashamedly candid, emotive lyrics." Pitchfork Media's Ryan Dombal found Drake's "technical abilities" to be improved and stated, "Just as his thematic concerns have become richer, so has the music backing them up." Andy Hutchins of The Village Voice called it "a carefully crafted bundle of contradictory sentiments from a conflicted rapper who explores his own neuroses in as compelling a manner as anyone not named Kanye West." Chicago Tribune writer Greg Kot complimented the depth of Drake's "moral psychodramas" and stated, "the best of it affirms that Drake is shaping a pop persona with staying power." It was also certified quadruple platinum by the RIAA in 2016, with sales for the album marking 2.6 million in the US, as well as winning the Grammy Award for Best Rap Album at the 55th Annual Grammy Awards.

The album's third and fourth singles, "The Motto" and Take Care", were released on November 29, and February 21, 2012 respectively. Each song was subject to commercial success, while also having large societal impacts, with "The Motto" credited for popularizing the phrase "YOLO" in the United States. The music video for "Take Care" saw widespread acclaim, with MTV stating, "None of his contemporaries ? not even the ever-obtuse Kanye [West] - make videos like this, mostly because no one else can get away with it." The video received four nominations at the 2012 MTV Video Music Awards, for Best Male Video, Best Art Direction, Best Cinematography, and Video of the Year. The song was also featured on the channel's "Pop Songs You Must Hear" list of 2011. "HYFR" was the final single to be released from the album, and became certified Gold. It would later win the MTV Video Music Award for Best Hip-Hop Video in 2012. Drake was soon ranked at number two on MTV's "Hottest MCs in the Game" list in 2011.

In promotion of his second album, Drake embarked on the worldwide Club Paradise Tour. It became the most successful hip hop tour of 2012, grossing over $42 million. Drake would soon star in Ice Age: Continental Drift, providing the voice for Ethan.

2012-2015: Nothing Was the Same and commercial mixtapes

During the European leg of the Club Paradise Tour, Drake spoke in an interview stating that he had begun working on his third studio album. Revealing his intentions to remain with 40 as the album's executive producer, Drake spoke fondly about Jamie xx, hoping to expand the British producer's influence over his next album. Drake had also revealed that the album would stylistically differ from Take Care, departing from the ambient production and despondent lyrics prevalent in the album.

In January 2013, Drake announced that he would release the first single off of his third album at the conclusion of the 55th Annual Grammy Awards. Despite an initial delay, it was released in the wake of his win for the Grammy Award for Best Rap Album at the event, and it foresaw Drake announcing Nothing Was the Same as the title of his third album. The album's second single "Hold On, We're Going Home" was released in August 2013, becoming the most successful single off of the album, peaking at number-one on the Billboard Hot R&B/Hip-Hop Songs chart. Drake felt inspired by Miami Vice during the song's composition, incorporating the dramatic elements seen in the show into the song's music video, which won him his second MTV Video Music Award in 2014. Drake appeared on Late Night with Jimmy Fallon, performing the album's third single, "Too Much", alongside featured artist Sampha.

Nothing Was the Same was released on September 24, 2013, debuting at number one on the US Billboard 200, with 658,000 copies sold in its first week of release. The album debuted atop the charts in Canada, Denmark, Australia and the United Kingdom. The album also enjoyed generally favorable reviews by contemporary music critics, commending the musical shift in terms of the tone and subject matter, comparing it to the distinct change showcased in 808s & Heartbreak. The album was also reported to have sold over 1,720,000 copies in the United States, and was further promoted by the "Would You like a Tour?" throughout late 2013, to early 2014. It became the 22nd-most successful tour of the year, grossing an estimated $46,000,000. Drake returned to acting in January 2014, hosting Saturday Night Live, as well as serving as the musical guest. His versatility, acting ability and comedic timing were all praised by critics, describing it as what "kept him afloat during the tough and murky SNL waters". Drake also performed in Dubai, being one of the only artists ever to perform in the city. In late 2014, Drake announced that he had begun recording sessions for his fourth studio album.

On February 12, 2015, Drake released If You're Reading This It's Too Late onto iTunes, with no prior announcement. Despite debate on whether it is an album or a mixtape, its commercial stance quantifies it as his fourth retail project with Cash Money Records. If You're Reading This It's Too Late sold over 1 million units in 2015, making Drake the first artist with a platinum project in 2015, as well as his fourth overall. Drake proceeded If You're Reading This It's Too Late with a collaborative mixtape with Future, which was recorded in Atlanta in just under a week.

What a Time to Be Alive debuted at number one on the Billboard 200, making Drake the first hip hop artist to have two projects reach number one in the same year since 2004. It was later certified platinum by the Recording Industry Association of America (RIAA), for combined sales, streaming and track-sales equivalent of over 1 million units. Drake appeared on the cover of The Fader for their 100th issue.

2016-present: Views and More Life

Drake announced in January 2016 that his fourth studio album would be launched during the spring, releasing the promotional single "Summer Sixteen" later that month. The album was originally titled Views from the 6, but would later be shortened to Views. "Summer Sixteen" debuted at number six on the U.S. Billboard Hot 100, and proved controversial, with Drake comparing his standing in hip hop to more tenured artists. This move divided many contemporary music critics, describing his self-comparison as "goodly brash" or "conventionally disrespectful." It was also interpreted as a diss track towards Tory Lanez, who was unhappy at Drake popularizing the term "The Six" when referencing Toronto. Drake would also crash a Bat Mitzvah in New York City on February 20, performing at the event.

Drake soon released the album's lead singles, "Pop Style" and "One Dance", on April 5. Both debuted within the top 40 of the Billboard Hot 100, however, the latter proved more commercially successful, with "One Dance" becoming Drake's first number-one single in Canada, and on the U.S. Billboard Hot 100, as a leading artist. The single also became Drake's first number one single as a lead artist in the United Kingdom, and peaked at number one in Germany, France, Australia, Brazil, Sweden, Belgium, Norway and the Netherlands. During an episode for OVO Sound Radio, Drake confirmed the album's release date of April 29, through a tweet and various promotional videos. On October 15, "One Dance" became Spotify's most-streamed song ever, amassing over 882 million plays as of October 2016.

Views was previewed in London, before its premiere on Beats 1 a day later. It was released as an Apple Music and iTunes exclusive on April 29, before being made available to various other platforms later that week. Views would become Drake's most commercially successful album, sitting atop the Billboard 200 for ten nonconsecutive weeks, as well as simultaneously leading the Billboard Hot 100 and the Billboard 200 for eight weeks. It also achieved double platinum status in the U.S., and earned over 1 million album-equivalent units in the first week of its release, as well as gaining over half-billion overall streams of the album. Despite its success, critical opinion towards the album remained much divided, drawing criticism for being overlong and lacking in a cohesive theme, while also claiming Drake was not challenging himself artistically, as opposed to his contemporaries. He would later plan to release a short film entitled Please Forgive Me.

Drake would return to host Saturday Night Live on May 14, serving as the show's musical guest. This foresaw Drake being named as a member of the Forbes Five, which ranks the wealthiest artists in hip hop. Drake placed fifth, following Birdman, Jay Z, Dr. Dre, and Diddy respectively. Drake and Future would soon announce the Summer Sixteen Tour, in support for their collective mixtape, and respective studio albums. This marks Drake's third co-headlining tour, which began in Austin, Texas on July 20, and is expected to conclude in Newark, New Jersey. On July 23, Drake would announce that he is working on a new project, scheduled to be released in early 2017, and was later preconized as the headline act for the 2016 iHeartRadio Music Festival. The latter dates of the Summer Sixteen Tour were postponed, however, due to Drake suffering an ankle injury. During the 2016 OVO Festival, Kanye West would confirm that he and Drake would begin working on a collaborative album. Soon after, the music video for "Child's Play" would be released, depicting Drake and former lover Tyra Banks encountering relationship issues at the Cheesecake Factory. On September 26, Please Forgive Me was released as an Apple Music exclusive. It ran a total of 25 minutes, and featured music from Views.

At the 2016 BET Hip-Hop Awards, Drake received the most nominations, with 10, winning the awards for Album of the Year and Best Hip-Hop Video. Drake would later announce the Boy Meets World Tour on October 10, with twenty six dates announced for the course of the tour in Europe. Seven additional dates were added a day later, due to overwhelming demand. Soon after, during an episode of OVO Sound Radio, Drake confirmed he would be releasing a project entitled More Life in December, however later he pushed back the date in November. The project would feature as a "playlist of original music", rather than be classified as a mixtape or a solo album. He was later revealed to be Spotify's most streamed artist for the second consecutive year in 2016, amassing a total 4.7 billion streams for all projects on the service, which is more than double the amount of streams in 2015. Drake later secured his second and third Grammy Awards, winning for Best Rap/Sung Performance and Best Rap Song at the organization's 59th ceremony. Despite multiple setbacks, he would announced More Life would be released on March 18, 2017, via a series of multiple video commercials released through Instagram. Upon release, More Life was critically acclaimed, and debuted atop the Billboard 200, earning 505,000 album-equivalent units in its first week. It also set a streaming record, becoming the highest ever streamed album in 24 hours, with a total of 89.9 million streams on Apple Music alone. The album also garnered 61.3 million streams on Spotify, dethroning Ed Sheeran's ÷ as the highest opening on the service in a single day.

Artistry

Influences

Drake has cited several hip hop artists as influencing his rapping style, including Kanye West, Jay Z, and Lil Wayne, while he has also attributed various R&B artists as influential to the incorporation of the genre into his own music, including Aaliyah, and Usher. Drake has also credited several dancehall artists for influencing his more recent Caribbean-inflected style, including Vybz Kartel, whom he has called one of his "biggest inspirations".

Musical style and rapping technique

Drake is known for his egotistical lyrics, technical ability, and integration of personal backstory when dealing with relationships with women. His vocal abilities have been lauded for an audible contrast between typical hip-hop beats and melody, with sometimes abrasive rapping coupled with softer accents, delivered on technical lyricism. His songs often include audible changes in lyrical pronunciation in parallel with his upbringing in Toronto, and connections with Caribbean and Middle Eastern countries which include such phrases as "ting", "touching road", "talkin’ boasy" and "gwanin’ wassy". Most of his songs contain R&B and Canadian hip hop elements, and he combines rapping with singing. He credits his father with the introduction of singing into his rap mixtapes, which have become a staple in his musical repertoire. His incorporation of melody into technically complex lyrics was supported by Lil Wayne, and has subsequently been a critically acclaimed component to Drake's singles and albums. His rapping ability has been noted as "polarizing", and has contributed to him being named one of the most divisive rappers of his generation by multiple critics and media publications.

The lyrical content that Drake deploys is typically considered to be emotional or boastful. However, Drake is often revered for incorporating "degrading" themes of money, drug use, and women into newer, idealized contexts, often achieving this through his augmentation of the typical meaning of phrases in which he combines an objective and subjective perspective into one vocal delivery. His songs often maintain tension between "pause and pace, tone timbre, and volume and vocal fermata." Drake is credited with innovating what has been referred to as "hyper-reality rap" which is characterized by its focus on themes of celebrity as being distinct from the "real world."

Public image

The Washington Post editor Maura Judkis credits Drake for popularizing the phrase "YOLO" in the United States, with his single, "The Motto", which includes, "You only live once: that's the motto, nigga, YOLO." Drake began referring to his hometown of Toronto as "The Six" in early 2015, and has subsequently popularized the term to reference the city. Also, due to subjects depicted in his songs, which commonly revolve around relationships with varying figures, Drake's lyrics have been widely used on social media as captions to photos, often to reference emotions or personal situations. June 10 was declared "Drake Day" in Houston, Texas. Drake garnered an endorsement deal with Sprite, following his mention of drinking purple drank, a concoction synonymous with the region; it contains Sprite as a key ingredient. Drake has also ventured into developing his own alcoholic beverage, titled "Virginia Black Whiskey". In 2016, Drake spoke on the shooting of Alton Sterling, publishing an open letter expressing his concern for the safety of ethnic minorities against police brutality, in the United States. Drake was later endorsed by fast food restaurants Burger King and Whataburger following his feud with Meek Mill. Drake also visited the Drake University after a show in Des Moines. Drake also hosts an annual "Drake Night" segment with the Toronto Raptors organization.

The music video for "Hotline Bling" went viral, due to Drake's eccentric choices in dancing. The video has been remixed, memed, and was heavily commented on due to Drake's unconventional nature on the song, causing it gain popularity on YouTube, spawning several parodies on the website. Drake has also been critiqued for his expensive, product placement-heavy attire, exampled by the video for "Hotline Bling". Drake modeled a $1,500 Moncler Puffer Jacket, a $400 Acne Studios turtleneck, and limited edition Timberland 6" Classic Boots. This foresaw collaborations between OVO and Canada Goose, in which various items of clothing were produced. Drake had also released his own collection of Air Jordans, dubbed the "Air Jordan OVOs". Drake was one of the artists, alongside Pharrell and Katy Perry, to exclusively own an Apple Watch before the smartwatch saw public release. His style and dress sense have caused GQ magazine to describe him as "[one of] the most stylish men alive".

Controversies

In 2012, singer Ericka Lee filed a lawsuit against Drake for the usage of her voice on "Marvins Room". Claiming to have provided the female vocals, Lee also alleged she was owed songwriting credits and royalties. Despite Drake's legal team countering by claiming that Lee simply requested a credit in the liner notes of the album, the matter was resolved in February 2013, with both parties agreeing to an out-of-court settlement. In 2014, Drake was sued for $300,000 for sampling "Jimmy Smith Rap", a 1982 single by jazz musician, Jimmy Smith. The suit was filed by Smith's estate, claiming Drake never asked for permission when sampling it for the intro on "Pound Cake / Paris Morton Music 2". Despite the initial suit, it is unclear whether it has been resolved.

Drake and Chris Brown were allegedly involved in a physical altercation in June 2012, when Drake and his entourage threw glass bottles at Brown in a SoHo nightclub in Manhattan, New York City. Chris Brown tweeted about the incident and released a song criticizing Drake weeks later. Despite no response from Drake, he and Brown both appeared in a comedic skit for the 2014 ESPY Awards, and rehearsed the skit together prior to the televised airing, virtually ending the dispute. Drake also caused a nightclub in Oklahoma City to close down, due to his usage of marijuana and other illegal drugs being prevalent at the club.

In December 2014, Drake was involved in another altercation, being punched by Diddy outside the LIV nightclub in Miami, Florida. The altercation was reported to be over Drake's usage of the instrumental for "0 to 100 / The Catch Up", allegedly produced by Boi-1da for Diddy, before Drake appropriated the track for his own use. Drake was later rushed to the ER after aggravating an old arm injury during the dispute. Drake was also involved in a feud with Tyga, stemming from Tyga's negative comments towards him during an interview with Vibe. Drake would later respond on "6 God" and "6PM In New York", which has been interpreted as directly involved in Tyga's abrupt removal from Young Money Entertainment.

Also in 2014, it emerged that Drake was sued by rapper Rappin' 4-Tay, claiming Drake misused his lyrics on when collaborating with YG on the song "Who Do You Love?". He sought $100,000 for mistreatment and artistic theft, which Drake paid to the rapper later that year. Further controversy arose in July 2015, when it was alleged by Meek Mill that Drake had used ghostwriters during recording sessions for "R.I.C.O.", one of the lead singles off of Mill's second studio album. This proceeded further allegations that Drake did not help in promotion of the album, due to Mill discovering the ghostwriter, widely believed to be Quentin Miller. Despite Miller collaborating with Drake and receiving past credits, Mill assured that Miller had written Drake's verse for "R.I.C.O.". Soon after, Funkmaster Flex aired reference tracks in support of Mill's claims, notably for "R.I.C.O.", "10 Bands", and "Know Yourself". This prompted Drake to respond with two diss tracks, entitled "Charged Up" and "Back to Back", in the space of four days. Mill would later respond with "Wanna Know", before removing it from SoundCloud weeks later. Despite subliminal disses from either artist, the feud has not been officially reignited. Drake would further seek to denounce Funkmaster Flex during his Madison Square Garden shows on the Summer Sixteen Tour.

In 2016, Drake was embroiled in a feud with Joe Budden, stemming from Budden's derogatory comments when reviewing Views. Drake would allegedly respond to Budden through "4PM in Calabasas", prompting Budden to respond with two diss tracks in the space of five days, echoing the same sentiment Drake deployed during his feud with Meek Mill. Drake would later appear on "No Shopping" alongside French Montana, directly referencing Budden throughout the song. However, French Montana claimed that Drake's verse was recorded before the release of Budden's diss tracks. Despite Budden releasing two further songs in reference to Drake, he has yet to officially respond to Budden. In the same year, Drake mocked Kid Cudi for his mental health, drug use and suicidal urges on "Two Birds, One Stone" after Cudi launched an expletive-filled rant on the artist on Twitter. Cudi later checked into rehab following the release of the song, and continued to disparage Drake in further tweets.

Drake has purported to have been in reported feuds with Tory Lanez, DMX, Ludacris, Kendrick Lamar, Jay Z, Common, and Pusha T.

Business career

OVO Sound

During the composition of Nothing Was the Same, Drake started his own record label in late 2012 with producer, Noah "40" Shebib. Drake sought for an avenue to release his own music, as well helping in the nurturing of other artists, while 40 yearned to start a label to form a distinct production sound, prompting the two to team up to form OVO Sound. The name is an abbreviation derived from the October's Very Own moniker Drake used to publish his earlier projects. The label is currently distributed by Warner Bros. Records.

Drake, 40 and PartyNextDoor were the label's inaugural artists. The label houses artists including Drake, PartyNextDoor, Majid Jordan, OB O'Brien, Roy Woods and dvsn, and producers including Boi-1da, T-Minus, Mike Zombie, Nineteen85, and Future the Prince. OVO Sound has released six albums, with two certified platinum or higher by the Recording Industry Association of America (RIAA).

Toronto Raptors

On September 30, 2013, Drake was announced as the new "global ambassador" for the Toronto Raptors, thereby joining the executive committee of the NBA franchise, in conjunction with the announcement of the 2016 NBA All-Star Game being awarded to the Air Canada Centre in Toronto. This would also be the setting where Drake was given The Key to the City. In the role, it was announced that Drake would help to promote and serve as a host of festivities, beginning with the All-Star Game. He would also provide consulting services to rebrand the team, helping to redesign its image and clothing line in commemoration of the franchise's 20th anniversary. When attending the press conference hosted by Maple Leaf Sports and Entertainment CEO, Tim Leiweke, to formally announce Drake's hiring by the franchise, Drake stated, "obviously, I won't be able to be in the building every day but I am extremely dedicated to it. I do take it very seriously as a new job and a new chapter in my life."

Awards and nominations

Drake has had four songs being certified triple platinum in the U.S. for combined sales plus streaming units as of July 2016, with "Best I Ever Had", "Jumpman", "Over", and "Hold On, We're Going Home". He has also had three exceed 4 million in equivalent units, with "Take Care" and "Headlines", while "Hotline Bling" was certified quintuple platinum with over 5 million units. Drake's first four solo studio albums, all of which have gone platinum, have received numerous awards and generally positive reviews. Views, his fourth solo album, became his fourth consecutive number one album in the U.S.

As of 2017, Drake has won a total of 3 Grammy Award from 27 nominations. He has also won 2 MTV Video Music Awards, and has been ranked by Complex at number one on their "Best Rapper Alive Every Year Since 1979" list, awarding Drake the accolade in 2011, 2012, and 2015. Billboard editor Ernest Baker stated "Drake managed to rule Hip hop in 2014", adding "The best rapper in 2014 didn't need a new album or hit single to prove his dominance". Drake was listed fourth on the Billboard year-end chart for Top Artists of 2015, third on the same chart in 2016 and was named the IFPI Global Recording Artist of 2016.

The Pitchfork online music publication ranked Nothing Was the Same as the 41st best album of the decade "so far"?between 2010 and 2014, and have ranked him in the fifth position in the publication's list of the "Top 10 Music Artists" since 2010.

Discography

Studio albums

• Thank Me Later (2010)
• Take Care (2011)
• Nothing Was the Same (2013)
• Views (2016)

Extended plays

• So Far Gone (2009)

Commercial mixtapes

• If You're Reading This It's Too Late (2015)
• What a Time to Be Alive (with Future) (2015)

Playlists

• More Life (2017)

Tours

Headlining

• Away from Home Tour (2010)
• Club Paradise Tour (2012)
• Would You Like a Tour? (2013-2014)
• Jungle Tour (2015; six date promotional tour)
• Boy Meets World Tour (2017)

Co-headlining

• America's Most Wanted Tour (with Young Money) (2009)
• Drake vs. Lil Wayne (with Lil Wayne) (2014)
• Summer Sixteen Tour (with Future) (2016)

Filmography

Film

Television

See also

• Canadian culture
• Culture of Toronto
• List of artists who reached number one in the United States
• List of Canadian musicians
• List of people from Toronto

References

External links

• Official website
• Aubrey Graham at the Internet Movie Database

Perry rose to fame in 2008 with the release of the singles "I Kissed a Girl"?which sparked controversy for its homosexual themes?and "Hot n Cold" from her second album, a pop rock record titled One of the Boys. Her third album, Teenage Dream (2010), ventured into disco, and contained the U.S. Billboard Hot 100 chart-topping singles "California Gurls", "Teenage Dream", "Firework", "E.T.", and "Last Friday Night (T.G.I.F.)" as well as the number-three single "The One That Got Away". The album became the first by a female artist to produce five number-one songs in the U.S., and the second overall after Michael Jackson's album Bad. In March 2012, she re-issued the album as Teenage Dream: The Complete Confection, which produced the songs "Part of Me" and "Wide Awake". Her fourth album, Prism, was released in 2013, and is influenced by pop and dance. She became the first artist with multiple videos to reach one billion views on Vevo with the videos for its songs "Roar" and "Dark Horse".

Perry has received many awards, including four Guinness World Records, a Brit Award, and a Juno Award, and been included in the Forbes list of "Top-Earning Women In Music" (2011-2016). Her estimated net worth as of 2016 is $125 million. She is one of the best-selling musical artists of all time, having sold 100 million records globally throughout her career. In film, she released an autobiographical documentary titled Katy Perry: Part of Me in 2012, and voiced Smurfette in the 2011 film The Smurfs and its sequel in 2013.

Life and career

1984-1998: Early life

Katheryn Elizabeth Hudson was born in Santa Barbara, California, to Pentecostal pastors Mary Christine (née Perry) and Maurice Keith Hudson. Her parents are born again Christians, each having turned to religion after a "wild youth". Perry has English, German, Irish, and Portuguese ancestry. Through her mother, she is a niece of film director Frank Perry. She has a younger brother named David, who is a singer, and an older sister, Angela. From ages 3 to 11, Perry often moved across the country as her parents set up churches before settling again in Santa Barbara. Growing up, she attended religious schools and camps, including Paradise Valley Christian School in Arizona and Santa Barbara Christian School in California during her elementary years. Her family struggled financially, sometimes using food stamps and eating from the food bank intended to feed the congregation at her parents' church.

Growing up, Perry and her siblings were not allowed to eat Lucky Charms as the term "luck" reminded their mother of Lucifer, and had to call deviled eggs "angeled eggs". Perry primarily listened to gospel music, as secular music was generally discouraged in the family's home. She discovered popular music through CDs she sneaked from her friends. While not strictly identifying as religious, Perry has stated, "I pray all the time - for self-control, for humility." Following her sister Angela, Perry began singing by practicing with her sister's cassette tapes. She performed the tracks in front of their parents, who suggested she take vocal lessons. She began training at age 9, and was incorporated into her parents' ministry, singing in church from ages 9 to 17. At 13, Perry was given her first guitar for her birthday, and publicly performed songs she wrote. She tried to "be a bit like the typical Californian girl" while growing up, and started rollerskating, skateboarding, and surfing as a teenager. David described her as a tomboy during her adolescence. She took dancing lessons and learned how to swing, Lindy Hop, and jitterbug.

1999-2006: Career beginnings

During her freshman year of high school, Perry completed her General Educational Development (GED) requirements at age 15, and left Dos Pueblos High School to pursue a musical career. She briefly studied Italian opera at the Music Academy of the West in Santa Barbara. Her singing caught the attention of rock artists Steve Thomas and Jennifer Knapp from Nashville, Tennessee, who brought her there to improve her writing skills. In Nashville, she started recording demos and learned how to write songs and play guitar. After signing with Red Hill Records, Perry recorded her debut album, a gospel record titled Katy Hudson. She released the album on March 6, 2001, and went on tour that year as part of Phil Joel's Strangely Normal Tour. while also embarking on other performances of her own in the United States. Katy Hudson received positive reviews from critics, though was commercially unsuccessful and sold an estimated 200 copies before the label ceased operations in December. Transitioning from gospel music to secular music, Perry started writing songs with producer Glen Ballard, and moved to Los Angeles at age 17. In 2003, she briefly performed as Katheryn Perry to avoid confusion with actress Kate Hudson. She later adopted the stage name Katy Perry, using her mother's maiden name.

In 2004, Perry signed to Ballard's label, Java, which was then affiliated with The Island Def Jam Music Group. She began work on a solo record, but the record was shelved after Java was dropped. Ballard then introduced Perry to Tim Devine, an A&R executive at Columbia Records, and she was signed as a solo artist. Over the course of the next two years, Perry wrote and recorded material for her Columbia debut, and worked with songwriters including Desmond Child, Greg Wells, Butch Walker, Scott Cutler/Anne Previn, The Matrix, Kara DioGuardi, and Max Martin and Dr. Luke. In addition, after Devine suggested they become a "real group", she recorded with the Matrix. Perry was dropped from Columbia in 2006 as her record neared completion. After the label dropped her, she worked at an independent A&R company called Taxi Music.

Perry had minor success prior to her breakthrough. One of the songs she had recorded for her album with Ballard, "Simple", was featured on the soundtrack to the 2005 film The Sisterhood of the Traveling Pants. She provided backing vocals on Mick Jagger's song "Old Habits Die Hard", which was included on the soundtrack to the 2004 film Alfie. In September 2004, Blender named Perry "The Next Big Thing". She recorded background vocals on P.O.D.'s single "Goodbye for Now" and was featured at the end of its music video in 2006. That year, Perry also appeared in the music video for "Learn to Fly" by Carbon Leaf, and played the love interest of her then-boyfriend, Gym Class Heroes lead singer Travie McCoy, in the band's music video for "Cupid's Chokehold".

2007-2009: Breakthrough with One of the Boys

After Columbia dropped Perry, Angelica Cob-Baehler, then a publicity executive at the label, brought Perry's demos to Virgin Records chairman Jason Flom. Flom was convinced that she could be a breakthrough star and she was signed to Capitol Records in April 2007. The label arranged for her to work with Dr. Luke in order to add an "undeniable smash" to her existing material. Perry and Dr. Luke co-wrote the songs "I Kissed a Girl" and "Hot n Cold" for her second album One of the Boys. A campaign was started with the November 2007 release of the video to "Ur So Gay", aimed at introducing her to the music market. A digital EP led by "Ur So Gay" was later released to create interest. Madonna helped publicize the song by praising the track on the JohnJay & Rich radio show in April 2008, stating it was her "favorite song". In March 2008, Perry made a cameo appearance as a club singer in the Wildfire episode "Life's Too Short", and appeared as herself during a photo shoot in June on The Young and the Restless for the show's magazine Restless Style.

Perry released her first single with Capitol, "I Kissed a Girl", on April 28, 2008, as the lead single from One of the Boys. The first station to pick up the song was WRVW in Nashville, who were inundated with enthusiastic calls the first three days they played it. The track reached number one on the U.S. Billboard Hot 100. One of the Boys, released on June 17, garnered mixed critical reviews and reached number nine on the U.S. Billboard 200. The album went on to sell 7 million copies worldwide. "Hot n Cold" was released in September and became the album's second successful single, reaching number three on the Billboard Hot 100, while topping charts in Germany, Canada, the Netherlands, and Austria. Later singles "Thinking of You" and "Waking Up in Vegas" were released in 2009 and reached the top 30 of the Hot 100. The Matrix's self-titled debut album, which Perry had recorded with the band in 2004, was released onto iTunes on January 27, 2009, as a result of her solo success.

After finishing the Warped Tour 2008, Perry hosted the 2008 MTV Europe Music Awards in November 2008, where she won the award for Best New Act. At the 2009 Brit Awards, she also won the award for International Female Solo Artist. Perry embarked on her first headlining world tour, the Hello Katy Tour, from January to November 2009 to support One of the Boys. On August 4, 2009, she performed as opening act for one date of the band No Doubt's Summer Tour 2009. Perry also hosted the 2009 MTV Europe Music Awards in November 2009, becoming the first person to host two consecutive ceremonies. On July 22, 2009, Perry recorded a live album titled MTV Unplugged, which featured acoustic performances of five tracks from One of the Boys, as well as two new songs, "Brick by Brick" and "Hackensack". It was released on November 17, 2009. Perry also appeared on two singles with other artists; she was featured on a remix of Colorado-based band 3OH!3's song "Starstrukk" in September 2009, and on a duet with Timbaland entitled "If We Ever Meet Again", from his album Shock Value II, in January 2010. The Guinness World Records recognized her in its 2010 edition as the "Best Start on the U.S. Digital Chart by a Female Artist", for digital single sales of over two million copies.

"I Kissed a Girl" created controversy among both religious groups and LGBT groups. The former criticized its homosexual themes while the latter accused her of using bi-curiosity to sell records. In response to speculation that her parents opposed her music and career, Perry told MTV that they had no problems with her success. After her relationship with McCoy ended in December 2008, Perry met her future husband Russell Brand in the summer of 2009 while filming a cameo appearance for his film Get Him to the Greek. Her scene, in which the two kiss, does not appear in the film. She began dating Brand after meeting him again that September at the 2009 MTV Video Music Awards. The couple became engaged on December 31, 2009, while vacationing in Rajasthan, India.

2010-2012: Teenage Dream and marriage

After serving as a guest judge on American Idol, Perry released "California Gurls" featuring rapper Snoop Dogg on May 7, 2010. The song was the lead single from her third studio album, Teenage Dream, and reached number one on the Billboard Hot 100 in June. She also served as a guest judge on The X Factor UK later that month before releasing the album's second single, "Teenage Dream", in July. "Teenage Dream" reached number one on Billboard in September. Released on August 24, 2010, the album debuted at number one on the Billboard 200. It received mixed reviews from music critics, and has since sold 6 million copies globally. Teenage Dream would go on to win the 2011 Juno Award for International Album of the Year. In October, "Firework" was released as the album's third single. It became the album's third consecutive number one on the Hot 100 on December 8, 2010.

A remixed version of "E.T." featuring rapper Kanye West was released as the fourth single from Teenage Dream on February 16, 2011. It topped the Hot 100 chart for five non-consecutive weeks, making Teenage Dream the ninth album in history to produce four number one singles on the Hot 100. "Last Friday Night (T.G.I.F.)" followed as the fifth single in June, and Perry became the first female artist to achieve five number-one Hot 100 songs from one album when the single topped that chart on August 17, and the second artist after Michael Jackson with his album Bad. For this record, she received an honorary American Music Award in November 2011 and a 2013 Guinness World Record. On September 7, she set a new record by becoming the first artist to spend 69 consecutive weeks in the top ten of the Hot 100. In October, "The One That Got Away" was released as the album's sixth single. The song peaked at number three on the Hot 100 and number two in Canada. On February 13, 2012, Capitol released the lead single from Teenage Dream: The Complete Confection, "Part of Me", which debuted at number one on the Hot 100 and became Perry's seventh single overall to top the chart. Teenage Dream: The Complete Confection was released on March 23. "Wide Awake" was released on May 22 as the re-release's second single, peaking at number two on the Hot 100 and number one in Canada and New Zealand. On January 5, she was named the sixth best-selling digital artist in the United States, with sales of 37.6 million units according to Nielsen SoundScan. That month, she became the first artist to have four songs sell over 5 million digital units.

Perry embarked on her second tour, the California Dreams Tour, in support of Teenage Dream from February 2011 to January 2012. The tour grossed $59.5 million globally and won her the award for Best Live Act at the 2011 MTV Europe Music Awards. On September 23, 2011, she performed on the opening day of the 2011 Rock in Rio festival along with Elton John and Rihanna. In September 2010, Perry was scheduled to appear on the 41st-season premiere of Sesame Street. After her scene was uploaded to YouTube, viewers criticized Perry's exposed cleavage. Four days before the scheduled airing, Sesame Workshop announced that the segment would not air on television, but would still be available to watch online. Perry subsequently mocked the controversy on Saturday Night Live, where she was a musical guest and wore an Elmo-themed shirt showing large amounts of cleavage during one skit.

In December 2010, Perry played Moe Szyslak's girlfriend in the live-action segment from a Christmas episode of The Simpsons titled "The Fight Before Christmas". In February 2011, she made a guest appearance on the How I Met Your Mother episode "Oh Honey", playing a woman known as Honey. The role won her the People's Choice Award for Favorite TV Guest Star in January 2012. She made her film debut in the 3D family motion picture The Smurfs as Smurfette on July 29, 2011. The film was a financial success worldwide, while critics gave mostly negative reviews. She hosted Saturday Night Live on December 10, 2011, with Robyn as the episode's musical guest. Perry's work on the episode received generally positive reviews from critics, who praised her performance in the episode's digital short featuring her and Andy Samberg. In March 2012, she guest starred as a prison security guard named Rikki on the Raising Hope episode "Single White Female Role Model". On July 5, 2012, Perry's autobiographical documentary Katy Perry: Part of Me was released to theaters through Paramount Pictures. The film received positive reviews and grossed $32.7 million worldwide at the box office.

Perry began to venture into business when she endorsed her first fragrance, Purr, in November 2010. Her second fragrance, Meow!, was released in December 2011. Both perfumes were released through Nordstrom department stores. Electronic Arts recruited her to promote their new expansion pack for The Sims 3: Showtime, before releasing a separate stuff pack featuring Perry-inspired furniture, outfits, and hairstyles, titled The Sims 3: Katy Perry's Sweet Treats, in June 2012. The following month, she became the spokesperson and ambassador for Popchips and made an investment in the company. Billboard dubbed her as their "Woman of the Year" for 2012.

She married Russell Brand on October 23, 2010, in a traditional Hindu ceremony near the Ranthambhore tiger sanctuary in Rajasthan. Brand announced on December 30, 2011, that they were divorcing after 14 months of marriage. Perry later stated that conflicting career schedules and his desire to have children before she was ready led to the end of their marriage, and that he never spoke to her again after sending a text message that he was divorcing her while Brand asserted that he divorced her due to her commercial success and reluctance to engage in activism. She was initially distraught over their divorce, and said that she contemplated suicide. After the marriage ended in 2012, Perry began a relationship with singer John Mayer that August.

2013-2015: Prism and Super Bowl XLIX halftime show

In November 2012, Perry began work on her fourth album, Prism. She told Billboard, "I know exactly the record I want to make next. I know the artwork, the coloring and the tone" and "I even know what type of tour I'm doing next. I'll be very pleased if the vision I have in my head becomes a reality." Although she told L'Uomo Vogue in June 2012 that she planned to have "darker elements" in Prism following the end of her marriage, Perry revealed to MTV during the 2013 MTV Video Music Awards that she changed the album's direction after periods of self-reflection. She commented "I felt very prismatic", which inspired the album's name. "Roar" was released as the lead single from Prism on August 10, 2013. It was promoted at the MTV Video Music Awards and reached number one on the Billboard Hot 100. "Unconditionally" was released as the second single from Prism on October 16, 2013, and peaked at number 14 in the United States.

Prism was released on October 18, 2013, and has sold 4 million copies as of August 2015. It received positive reviews from critics and debuted at number one on the Billboard 200 chart. Four days later, Perry performed the songs from the album at the iHeartRadio Theater in Los Angeles. "Dark Horse" was released as the album's third single on December 17, 2013, and became her ninth U.S. number-one single on January 29, 2014. In 2014, "Birthday" and "This Is How We Do" followed as the album's fourth and fifth singles, and reached the top 25 on the Hot 100. Prior to ending her relationship with Mayer in February 2014, she recorded and co-wrote a duet with him titled "Who You Love" for his album Paradise Valley. The song was released on August 12, 2013. Perry's third headlining tour, The Prismatic World Tour, began in May 2014 and concluded in October 2015. It grossed $204.3 million worldwide and won Perry the award for "Top Package" at the 2014 Billboard Touring Awards. She also performed at the 2015 Rock in Rio festival on September 27, 2015.

On November 23, 2014, the NFL announced that Perry would perform at the Super Bowl XLIX halftime show on February 1, 2015. Lenny Kravitz and Missy Elliott served as special guests for the show. Two days after the halftime show, the Guinness World Records announced that Perry's performance garnered 118.5 million viewers in the United States, and became the most watched and highest rated show in Super Bowl history. The viewership was higher than the game itself, which was viewed by an audience of 114.4 million.

The International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) ranked her fifth on the list of Top Global Recording Artists of 2013. On June 26, 2014, she was declared the Top Certified Digital Artist Ever by the Recording Industry Association of America (RIAA) for certified sales of 72 million digital singles in the United States. In May 2014, a portrait of Perry by painter Mark Ryden was featured in his exhibition "The Gay 90s", and shown at the Kohn Gallery in Los Angeles. Along with several other artists, she also recorded a cover version of the song "Daisy Bell (Bicycle Built for Two)" on a limited-edition concept album titled The Gay Nineties Old Tyme Music: Daisy Bell to accompany the exhibition. That month, a portrait of Perry by artist Will Cotton was included in the United States National Portrait Gallery. On November 23, 2015, Perry starred in H&M's holiday advertising campaign, for which she wrote and recorded a song titled "Every Day Is a Holiday".

On June 17, 2014, Perry announced that she had founded her own record label under Capitol Records, titled Metamorphosis Music. Ferras was the first artist to get signed to her label, and Perry served as an executive producer on his self-titled EP. She also recorded a duet with him on the EP, titled "Legends Never Die".

Outside of her music career, Perry reprised her role as Smurfette in The Smurfs 2, which was released in theaters on July 31, 2013. Like its predecessor, The Smurfs 2 was a financial success but was panned by critics. In March 2014, she made a guest appearance playing herself in the episode "Blisteritos Presents Dad Academy Graduation Congraduritos Red Carpet Viewing Party" of the Kroll Show. Killer Queen was released as her third fragrance in August 2013 through Coty, Inc. In January 2014, she became a guest curator of Madonna's Art for Freedom initiative. In March 2015, she appeared in Brand: A Second Coming, a documentary following her ex-husband Russell Brand's transition from comedy work to activism, and released a concert film titled Katy Perry: The Prismatic World Tour through Epix, which took place during her tour of the same name. Perry also made a cameo appearance in the music video for Madonna's song "Bitch I'm Madonna" in June 2015. The following month, she released another fragrance with Coty, entitled Mad Potion. In September 2015, she appeared in the documentaries Katy Perry: Making of the Pepsi Super Bowl Halftime Show, which followed Perry's preparation for her Super Bowl performance, and Jeremy Scott: The People's Designer, which followed the life and career of designer Jeremy Scott. Perry released a mobile app titled Katy Perry Pop in December 2015 through Glu Mobile where her character helps players become famous musicians. She described it as "the most fun, colorful world that helps guide your musical dreams".

2016-present: Upcoming fifth studio album

After Perry appeared as herself in the film Zoolander 2, which was released in February 2016, she confirmed the following May that she was working on new music. She recorded an anthem for NBC Sports's coverage of the 2016 Summer Olympics titled "Rise", which was released on July 14, 2016. Perry chose to release it as a standalone track rather than save it for an album "because now more than ever, there is a need for our world to unite". NBC also felt its message spoke "directly to the spirit of the Olympics and its athletes" for its inspirational themes. The song went number one in Australia and peaked at number eleven in the United States. In August, Perry stated that she aspired to make material "that connects and relates and inspires" and told Ryan Seacrest that she was "not rushing" her fifth album, adding "I'm just having a lot of fun, but experimenting and trying different producers, and different collaborators, and different styles". On February 10, 2017, Perry released its lead single with Skip Marley titled "Chained to the Rhythm", which reached number one in Mexico and number four in the United States. Following the song's release, Spotify announced it would run a promotional campaign leading up to a summer 2017 release of her fifth album.

Artistry

Influences

During the early stages of her career, Perry's musical style gravitated towards gospel and she aspired to be as successful as Amy Grant. At the age of 15, she heard Queen's "Killer Queen," which inspired her to pursue a career in music. She cites the band's frontman, Freddie Mercury, as her biggest influence and expressed how the "combination of his sarcastic approach to writing lyrics and his 'I don't give a fuck' attitude" inspired her music. She paid homage to the band by naming her third fragrance Killer Queen. Perry described The Beach Boys and their album Pet Sounds as having a considerable influence on her music: "Pet Sounds is one of my favorite records and it influenced pretty much all of my songwriting. All of the melody choices that I make are because of Pet Sounds." The singer also holds the Beatles' album The Beatles in high esteem, and described these two albums as "the only things I listened to for probably two years straight."

Perry cites Alanis Morissette and her 1995 album Jagged Little Pill as a significant musical inspiration, and opted to work with Morissette's frequent collaborator Ballard as a result. Perry stated, "Jagged Little Pill was the most perfect female record ever made. There's a song for anyone on that record; I relate to all those songs. They're still so timeless." Additionally, Perry borrows influence from Flaming Red by Patty Griffin and 10 Cent Wings by Jonatha Brooke. Perry intends to become "more of a Joni Mitchell", releasing folk and acoustic music. Perry's autobiographical documentary Katy Perry: Part of Me was largely influenced by Madonna: Truth or Dare. She admires Madonna's ability to reinvent herself, saying "I want to evolve like Madonna", and has credited Madonna for inspiring her to make Prism "darker" than her previous material.

Perry names Björk as an influence, particularly admiring her "willingness to always be taking chances". Other musicians who Perry has cited as influences include ABBA, The Cardigans, Cyndi Lauper, Ace of Base, 3OH!3, CeCe Peniston, C+C Music Factory, Black Box, Crystal Waters, Mariah Carey, Heart, Joni Mitchell, Paul Simon, Imogen Heap, Rufus Wainwright, Pink, and Gwen Stefani. "Firework" was inspired by a passage in the book On the Road by Jack Kerouac in which the author compares people who are full of life to fireworks that shoot across the sky and make people watch in awe. Her second concert tour, the California Dreams Tour, was reminiscent of Alice's Adventures in Wonderland and The Wonderful Wizard of Oz. She also credits the 1996 movie The Craft for inspiring her song "Dark Horse", and Eckhart Tolle's book The Power of Now for influencing Prism.

Musical style and themes

While Perry's music incorporates pop, rock, and disco, Katy Hudson contains gospel. Her subsequent releases, One of the Boys and Teenage Dream, involve themes of sex and love. One of the Boys is a pop rock record, while Teenage Dream features disco influences. Perry's fourth album, Prism, is significantly influenced by dance and pop music. Lyrically, the album addresses relationships, self-reflection, and everyday life. Many of her songs, particularly on Teenage Dream, reflect on love between teenagers; W described the album's sexual innuendos as "irresistible hook-laden melodies". Self-empowerment is a common theme in Perry's music.

Perry describes herself as a "singer-songwriter masquerading as a pop star" and maintains that honest songwriting is very important to her. She told Marie Claire: "I feel like my secret magic trick that separates me from a lot of my peers is the bravery to be vulnerable and truthful and honest. I think you become more relatable when you're vulnerable." Kristen Wiig commented that "as easy, breezy, and infectious as Perry's songs can be, beneath the surface lurks a sea of mixed emotions, jumbled motives, and contradictory impulses complicated enough to fill a Carole King record." According to Greg Kot of Chicago Tribune, "being taken seriously may be Perry's greatest challenge yet." The New York Times labeled her "the most potent pop star of the day - her hits are relatable with just a hint of experimentation". Randall Roberts of Los Angeles Times criticized her use of idioms and metaphors in her lyrics and for frequent "clichés". Throughout her career, Perry has co-written songs recorded by other artists, including Selena Gomez & the Scene, Jessie James, Kelly Clarkson, Lesley Roy, Britney Spears, Iggy Azalea, and Nicki Minaj.

Voice

Perry has a contralto vocal range. Her singing has received both praise and criticism. Betty Clarke of The Guardian commented that her "powerful voice is hard-edged" while Rob Sheffield from Rolling Stone described Perry's vocals on Teenage Dream as "processed staccato blips". Darren Harvey of musicOMH compared Perry's vocals on One of the Boys to Alanis Morissette's, both possessing a "perky voice shifting octaves mid-syllable". Alex Miller from NME felt that "Perry's problem is often her voice" on One of the Boys, stating that "somewhere along the line someone convinced her she was like, well, a ballsy rock chick". Conversely, Bernadette McNulty from The Daily Telegraph praised her "rock chick voice" in a review of a concert promoting Prism.

Public image

Perry is considered a sex symbol; GQ labelled her a "full-on male fantasy", while Elle described her body "as though sketched by a teenage boy". Vice described her as a "'serious' popstar/woman/sex symbol". She was placed at number one on the Maxim Hot 100 in 2010 as the "most beautiful woman in the world", with editor Joe Levy describing her as a "triple - no quadruple - kind of hot". Men's Health readers voted her the "sexiest woman of 2013". In November 2010, Perry told Harper's Bazaar that she was proud of and satisfied with her figure.

Perry's fashion often incorporates humor, bright colors, and food-related themes such as her trademark spinning peppermint swirl dress. Vogue described her as "never exactly one to shy away from the outrageous or the extreme in any realm", while Glamour named her the "queen of quirk". In February 2009, Perry told Seventeen that her fashion style was "a bit of a concoction of different things" and stated she enjoyed humor in her clothing. She has also described herself as having "multipersonality disorder" for fashion. Perry lists Gwen Stefani, Shirley Manson, Chloë Sevigny, Daphne Guinness, Natalie Portman, and the fictional character Lolita as her style icons.

On social media, Perry surpassed Justin Bieber as the most followed person on Twitter in November 2013. She won the 2015 Guinness World Record for most Twitter followers, and became the first person to gain 90 million followers on the site in July 2016. Forbes writer Dorothy Pomerantz commended Perry on her social media usage, saying "Perry makes excellent use of Twitter, talking to her fans and sharing funny photos and videos in a way that makes them all feel like Perry is their best buddy." Keith Caulfield of Billboard stated that she is "the rare celebrity who seems to have enormous popularity but genuine ground-level interaction with her adoring KatyCats."

In 2011, Forbes ranked Perry third on their "Top-Earning Women In Music" list with earnings of $44 million and fifth on their 2012 list with $45 million. She subsequently ranked seventh on the 2013 Forbes list for "Top-Earning Women In Music" with $39 million earned, and fifth on their 2014 list with $40 million. With earnings of $135 million, Forbes also ranked Perry number one on their 2015 "Top-Earning Women In Music" list as well as the "World's Highest-Paid Musicians" and declared her the highest earning female celebrity in 2015, placing her at number 3 on the Forbes Celebrity 100 list. In 2016, the magazine estimated her net worth was $125 million, and ranked her number six on the their list of "Highest-Paid Women in Music" with earnings of $41 million.

Other ventures

Philanthropy

Perry has supported various charitable organizations and causes during her career. She has contributed to organizations aimed at improving the lives and welfare of children in particular. In April 2013, she joined UNICEF to assist children in Madagascar with education and nutrition. On December 3, 2013, she was officially named a UNICEF Goodwill Ambassador, "with a special focus on engaging young people in the agency's work to improve the lives of the world's most vulnerable children and adolescents." She arranged for a portion of the money generated from tickets to her Prismatic World Tour to go to UNICEF. In September 2010, she helped build and design the Boys Hope/Girls Hope foundation shelter for youth in Baltimore, Maryland along with Raven-Symoné, Shaquille O'Neal, and the cast of Extreme Makeover: Home Edition.

She has also supported children's education and well-being. All profits from sales of the album The Gay Nineties Old Tyme Music: Daisy Bell, which includes her rendition of "Daisy Bell (Bicycle Built for Two)", were donated to the charity Little Kids Rock, which supports musical education in underprivileged elementary schools. In June 2014, she teamed up with Staples Inc. for a project entitled "Make Roar Happen" which donated $1 million to DonorsChoose, an organization that supports teachers and funds classroom resources in public schools. In May 2016, she worked with UNICEF to improve child care quality in Vietnam, hoping to "break the cycle of poverty and drastically improve children's health, education and well-being". The following month, UNICEF announced that Perry would receive the Audrey Hepburn Humanitarian Award "for her work as a UNICEF Goodwill Ambassador in support of the world's most vulnerable children" at their annual Snowflake Ball in November.

Perry has supported organizations aimed at aiding people suffering with diseases including cancer and HIV/AIDS. During the 2008 Warped Tour, she had a cast made of her breasts to raise money for the Keep A Breast Foundation. She hosted and performed at the We Can Survive concert along with Bonnie McKee, Kacey Musgraves, Sara Bareilles, Ellie Goulding, and duo Tegan and Sara at the Hollywood Bowl in Los Angeles, California, on October 23, 2013. The concert's profits were donated to Young Survival Coalition, an organization aiding breast cancer in young women. In June 2009, she designed an item of clothing for H&M's "Fashion Against AIDS" campaign, which raises money for HIV/AIDS awareness projects. On February 26, 2017, she served as a co-chair alongside various celebrities such as Beyoncé, Lea Michele, Jim Carrey, Jared Leto, and Kevin Spacey for the 25th Annual Elton John AIDS Foundation Academy Award Party, a fundraiser for HIV/AIDS healthcare.

The proceeds from Perry's single "Part of Me" were donated to the charity MusiCares, which helps musicians in times of need. During her California Dreams Tour, she raised over $175,000 for the Tickets-For-Charity fundraiser. The money was divided between three charities: the Children's Health Fund (CHF), Generosity Water, and The Humane Society of the United States. On her 27th birthday, Perry set up a donations page for the Society for the Prevention of Cruelty to Animals Auckland, and set up a similar page benefiting the David Lynch Foundation for her 28th birthday. On March 29, 2014, she helped raise $2.4 million for the Museum of Contemporary Art in Los Angeles along with other celebrities such as Ryan Seacrest, Pharrell Williams, Tim Allen, Lisa Edelstein, and Riley Keough.

Politics

Perry is a LGBT rights activist. She supported Stonewall during their "It gets better..... today" campaign to prevent homophobic bullying, and dedicated the music video to her song "Firework" to the It Gets Better Project. Perry told Do Something in November 2008 she was proud to be a gay activist, saying "I've always been a very open-minded person, but I definitely believe in equality." She confirmed that she voted against Proposition 8, an amendment (ultimately ruled unconstitutional) that legally defined marriage as a union solely between a man and a woman in California. In June 2012, Perry expressed her hopes for LGBT equality, commenting "hopefully, we will look back at this moment and think like we do now concerning [other] civil rights issues. We'll just shake our heads in disbelief, saying, 'Thank God we've evolved.' That would be my prayer for the future." In December 2012, Perry was awarded the Trevor Hero Award by The Trevor Project for her work and activism on behalf of LGBT youth. On March 18, 2017, she received a Nation Equality Award from Human Rights Campaign for "using her powerful voice and international platform to speak out for LGBTQ equality", with the organization further stating that "Katy's message of inclusion and equality continues to inspire us and the world".

Perry describes herself as a feminist, and appeared in April 2013 in a video clip for the "Chime For Change" campaign that aimed to spread female empowerment. She has also said that America's lack of free health care drove her "absolutely crazy". Following the shooting at the Pulse nightclub in Orlando in June 2016, Perry and nearly 200 other artists and executives in music signed an open letter organized by Billboard addressed to United States Congress demanding increased gun control in the United States.

Through Twitter and by performing at his rallies, Perry supported President Barack Obama in his run for re-election and praised his support for same-sex marriage and LGBT equality. She performed at three rallies for Obama, in Los Angeles, Las Vegas, and Wisconsin, singing a rendition of "Let's Stay Together" as well as a number of her songs. During her Las Vegas performance she wore a dress made to replicate a voting ballot, with Obama's box filled in. On Twitter, she encouraged her followers to vote for Obama.

In August 2013, Perry voiced criticism of Tony Abbott, then-Leader of Conservative Liberal Party of Australia and candidate for Prime Minister of Australia, due to his opposition to gay marriage and told Abbott, "I love you as a human being but I can't give you my vote." In April 2014, she publicly supported Marianne Williamson in her campaign for California's 33rd congressional district by attending a political press event. She endorsed Kamala Harris in the United States Senate election in California, and organized a fundraiser for Harris at her home in Los Angeles in November 2016. Perry also publicly endorsed former Secretary of State Hillary Clinton for president in 2016. She performed alongside Elton John at a fundraising concert for Clinton in New York City in March 2016. Perry also spoke and performed at the 2016 Democratic National Convention to endorse Hillary Clinton.

Achievements

Throughout her career, Perry has won five American Music Awards, fourteen People's Choice Awards, four Guinness World Records, a Brit Award, and a Juno Award. In September 2012, Billboard dubbed her the "Woman of the Year". From May 2010 to September 2011, she spent a record-breaking total of 69 consecutive weeks in the top ten of the Billboard Hot 100. Teenage Dream became the first album by a female artist to produce five number-one Billboard Hot 100 singles, and the second album overall after Michael Jackson's Bad. She has accumulated a total of nine number-one singles on the Hot 100, her most recent being "Dark Horse". In June 2015, her music video for "Dark Horse" became the first video by a female artist to reach 1 billion views on Vevo. The following month, her music video for "Roar" reached 1 billion views on Vevo, making her the first artist to have multiple videos with 1 billion views.

Perry was declared the Top Global Female Recording Artist of 2013 by the International Federation of the Phonographic Industry (IFPI). According to Recording Industry Association of America (RIAA), she is the third best-selling digital singles artist in the United States, with certified sales of 83.5 million digital singles including on-demand streaming. Her songs "Firework", "E.T.", "California Gurls", "Hot n Cold", "Roar", and "Dark Horse" have each sold over 5 million digital copies. Throughout her career, Perry has sold 100 million records globally, and is one of the best-selling musical artists of all time.

Discography

• Katy Hudson (2001)
• One of the Boys (2008)
• Teenage Dream (2010)
• Prism (2013)

Filmography

• The Smurfs (2011)
• Katy Perry: Part of Me (2012)
• The Smurfs 2 (2013)
• Brand: A Second Coming (2015)
• Katy Perry: The Prismatic World Tour (2015)
• Katy Perry: Making of the Pepsi Super Bowl Halftime Show (2015)
• Jeremy Scott: The People's Designer (2015)
• Zoolander 2 (2016)

Tours

Headlining

• Hello Katy Tour (2009)
• California Dreams Tour (2011-2012)
• The Prismatic World Tour (2014-2015)

Co-headlining

• Strangely Normal Tour (with Phil Joel), Earthsuit, and V*Enna) (2001)

See also

• List of Billboard Social 50 number-one artists
• List of best-selling music artists
• List of songs recorded by Katy Perry

References

Footnotes

Sources

External links

• Official website
• Katy Perry at Rotten Tomatoes
• Katy Perry at the Internet Movie Database

She assumed creative control for her third studio album Good Girl Gone Bad (2007) and adopted a public image as a sex symbol while reinventing her music. Its successful lead single "Umbrella" became an international breakthrough in her career, as she won her first Grammy Award for Best Rap/Sung Collaboration with Jay Z in 2008. After releasing four consecutive platinum studio albums, including the Grammy Award winner Unapologetic (2012), she was recognized as a pop icon. Her eighth studio album Anti (2016) and its lead single "Work" reached number-one on the Billboard 200 and Hot 100. Many of her songs rank among the world's best-selling singles of all time, including the singles "Umbrella", "Take a Bow", "Disturbia", "Only Girl (In the World)", "S&M", "We Found Love", "Diamonds", and "Stay" in which she is the lead artist, and her collaborations "Live Your Life" (with T.I.), "Love the Way You Lie" and "The Monster" (both with Eminem).

With sales exceeding 230 million records worldwide, Rihanna is one of the best-selling artists of all time. Rihanna is the youngest and fastest solo artist to earn fourteen number-one singles on the Billboard Hot 100, and was named the Digital Songs Artist of the 2000s decade and the top Hot 100 artist of the 2010s decade by Billboard. Among numerous awards and accolades, Rihanna has won eight Grammy Awards, twelve American Music Awards, twelve Billboard Music Awards and the inaugural Icon Award at the American Music Awards of 2013. Widely recognized for frequently reinventing her style, she received the Fashion Icon lifetime achievement award from the Council of Fashion Designers of America in 2014. Forbes ranked Rihanna the fourth most powerful celebrity of 2012, and was named one of Time's "100 Most Influential People in the World" later that year.

Early life

Robyn Rihanna Fenty was born on February 20, 1988, in Saint Michael, Barbados. Her mother, Monica (Braithwaite), is a retired accountant of Afro-Guyanese background, and her father, Ronald Fenty, is a warehouse supervisor of Afro-Barbadian and Irish descent. Rihanna has two brothers, Rorrey and Rajad Fenty, and two half-sisters and a half-brother from her father's side, each born to different mothers from his previous relationships. She grew up in a three-bedroom bungalow in Bridgetown and sold clothes with her father in a stall on the street. Rihanna's childhood was deeply affected by her father's addiction to crack cocaine and alcohol which contributed to her parents' strained marriage. As a child, she went through a lot of CT scans for the excruciating headaches she suffered: "[The doctors] even thought it was a tumor, because it was that intense." By the time she was fourteen, Rihanna's parents had divorced and her health began to improve. Rihanna grew up listening to reggae music and began singing at around the age of seven. She attended Charles F. Broome Memorial Primary School and Combermere High School, where she studied alongside future England cricketer Chris Jordan and future West Indies cricketer Kraigg Brathwaite. Rihanna was an army cadet in a sub-military programme; the singer-songwriter Shontelle was her drill sergeant. Although she initially wanted to graduate from high school, she chose to pursue a musical career instead.

Career

2003-2004: Career beginnings

In 2003, Rihanna formed a musical trio with two of her classmates. She was discovered in her home country of Barbados by American record producer Evan Rogers. Without a name or any material, the girl group managed to land an audition with Rogers who commented, "The minute Rihanna walked into the room, it was like the other two girls didn't exist". Rihanna went to Rogers' hotel room, where she performed renditions of Destiny's Child's "Emotion" and Mariah Carey's "Hero". Impressed, Rogers scheduled a second meeting with her mother present, and then invited her to his hometown in the United States to record some demo tapes which could be sent to record labels. She recorded the demo over the next year intermittently, due to only being able to record during school holidays. "Pon de Replay" and "The Last Time" were two tracks recorded for the demo tape, which were eventually included on her debut album Music of the Sun. That same year, Rihanna was signed to Rogers' and Carl Sturken's production company, Syndicated Rhythm Productions.

Rihanna's demo was shipped out to Def Jam Recordings, where Jay Brown, an A&R executive at the record label, was one of the first to hear the demo. Brown played the demo tape for rapper Jay Z, who had recently been appointed as president and Chief executive officer (CEO) of Def Jam. When Jay Z first heard the track "Pon de Replay", he felt the song was too big for her, saying "when a song is that big, it's hard [for a new artist] to come back from. I don't sign songs, I sign artists". Despite being sceptical, he invited Rihanna to audition for the label. In early 2005, Rihanna auditioned for Def Jam in New York, where Jay Z introduced her to music mogul Antonio "L.A." Reid. At the audition, she sang Whitney Houston's cover of "For the Love of You" (1987), as well as the demo tracks "Pon de Replay" and "The Last Time". Jay Z was absolutely certain about signing her after she performed her future hit single "Pon de Replay". His boss L.A. Reid was also impressed with her audition, telling Jay Z not to let Rihanna leave the building until the contract was signed. Reid left it to Jay Z and his team to close the deal which resulted in a six-album record deal with Def Jam. She waited in Jay Z's office till three in the morning to get lawyers to draft up a contract because he wanted to prevent her from signing with another label. Rihanna cancelled other meetings with record labels and relocated from Barbados to the United States to live with Rogers and his wife.

2005-2006: Music of the Sun and A Girl like Me

After signing with Def Jam, Jay Z and his team did the A&R for Rihanna's debut album and spent the next three months recording and completing her debut album. She worked with different producers to complete her debut studio album, primarily Rogers and his production partner Carl Sturken. With several songs to pick as a lead single, "Pon de Replay" was chosen because it seemed liked the best song suited for a summer release. In May 2005, her debut single, "Pon de Replay", was released which charted successfully worldwide, peaking in the top five in fifteen countries, including at number two on the US Billboard Hot 100 chart and the UK Singles Chart. The song became a big club hit in the United States, peaking at number-one on the Billboard Dance Club Songs.

Music of the Sun was released in August 2005. It debuted at number ten on the Billboard 200 and received a gold certification from the Recording Industry Association of America (RIAA), denoting shipments of over 500,000 units. The album sold over two million copies worldwide. A second single, "If It's Lovin' that You Want", was not as successful as its predecessor, but reached the top ten in Australia, Ireland, and New Zealand. Aside from her work in music, Rihanna made her acting debut in a cameo role in the straight-to-DVD film Bring It On: All or Nothing, released in August 2006.

A month after the release of her debut album, Rihanna began working on her second studio album. A Girl like Me was released in April 2006. Rolling Stone felt that "the burning rock guitar of "Kisses Don't Lie" and haunted strings of "Unfaithful" help make "A Girl like Me much more likable." The album was a commercial success, charting in the top ten in thirteen countries. The album reached number one in Canada and number five in the United Kingdom and United States, where it sold 115,000 copies its first week. The album became her first to be certified platinum by the RIAA, after selling over 1,000,000 units. Its lead single, "SOS", was an international success, charting in the top five in eleven countries. The song reached number one on the US Billboard Hot 100 and in Australia, her first to reach this chart position. "Unfaithful", the album's second single, reached the top ten in eighteen countries, including number one in Canada and Switzerland. Two more singles were released from the album: "We Ride" and "Break It Off".

2007-2009: Good Girl Gone Bad and Rated R

In early 2007, Rihanna began work on her third studio album Good Girl Gone Bad. With the help of producers Timbaland, Tricky Stewart and Sean Garrett, she embraced a new musical direction through uptempo dance tracks. Released in May 2007, the album charted at number two in Australia and the US and topped the charts in multiple countries, including Brazil, Canada, Ireland, and the UK. The album received the most positive critical reviews of her first three albums. The lead single, "Umbrella", topped the charts in thirteen countries and remained number one in the UK for ten consecutive weeks, the longest-running number one single since Wet Wet Wet's single "Love Is All Around" spent fifteen weeks at the top in 1994. It was Rihanna's first single to be named one of the best-selling singles worldwide, with sales of over 6.6 million copies. The songs "Shut Up and Drive", "Hate That I Love You" featuring Ne-Yo, and "Don't Stop the Music" were also released as singles, with the latter becoming an international hit. In support of the album, she began the Good Girl Gone Bad Tour in September 2007, with 80 shows across the US, Canada, and Europe. Rihanna was nominated for several 2008 Grammy Awards, winning Best Rap/Sung Collaboration for "Umbrella" alongside Jay Z, her first Grammy Award.

During the late 2000s, Rihanna began experimenting with pop, dubstep and rock music while shifting her musical style and image away from the Barbados island girl. Throughout 2008, Rihanna performed on the Glow in the Dark Tour alongside Kanye West, Lupe Fiasco, and N.E.R.D. Her third studio album's reissue, Good Girl Gone Bad: Reloaded, was released in June 2008 with three new songs: "Disturbia", "Take a Bow", and the Maroon 5 duet "If I Never See Your Face Again". All three were released as singles and charted highly, reaching peak positions worldwide. In August 2008, Rihanna and a host of other female singers, recorded the charity single "Just Stand Up!", the theme song to the anti-cancer campaign Stand Up to Cancer.

"Live Your Life", a duet between T.I. and Rihanna, released that November, and topped the Billboard Hot 100. A remix album, Good Girl Gone Bad: The Remixes, was released in January 2009. Good Girl Gone Bad has sold over 2.8 million units in the United States alone, receiving a two-times-platinum certification from the RIAA. It is Rihanna's best-selling album in the country to date. The album has sold over seven million copies worldwide. By late 2008, Rihanna remained on the charts with her eighth single, "Rehab" and was named "Diva of the Year" by Entertainment Weekly for her "newfound staying power".

On February 8, 2009, Rihanna's scheduled performance at the 51st Annual Grammy Awards was cancelled. Reports surfaced that then-boyfriend, singer Chris Brown had physically assaulted her. He was arrested on suspicion of making criminal threats. On March 5, 2009, Brown was charged with assault and making criminal threats. A leaked photograph from the police department obtained by TMZ.com revealed that Rihanna had sustained visible injuries.

In early 2009, Rihanna began working on her fourth studio album, Rated R. Rated R was released in November 2009 with Rolling Stone stating that Rihanna "transformed her sound and made one of the best pop records of the year". Rated R featured a darker and more foreboding tone than Rihanna's previous albums. Rated R debuted at number four on the US Billboard 200 chart, with first-week sales of 181,000 copies in the United States, giving Rihanna her highest first-week sales in the US at that time. The album was supported by six singles including "Rude Boy", which was the biggest worldwide success from the album, topping the US Billboard Hot 100 for six weeks and reaching top ten positions in twenty-two other countries.

2010-2011: Loud and Talk That Talk

In summer 2010, Rihanna collaborated with rapper Eminem on "Love the Way You Lie", which was a major worldwide success, reaching number one in over twenty countries. The song was Rihanna's seventh US number one of her career, making her the female artist with the fifth-most number ones in the chart's history. Reaching number two, the song became the biggest-selling song of 2010 in the UK, and the first of Rihanna's singles to sell over one million copies in the country. She also lent her vocals to "All of the Lights", a single from Kanye West's album, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, alongside John Legend, The-Dream, Elly Jackson, Alicia Keys, Fergie, Kid Cudi, and Elton John. In October 2010, Rihanna switched managers, joining Jay Z's Roc Nation Management.

Loud, Rihanna's fifth studio album, was released in November 2010. Its lead single, "Only Girl (In the World)", reached number one in fifteen countries, including the United Kingdom and the United States The album's second single, "What's My Name?", featuring rapper Drake, also reached number one in the US and UK. The third single, "S&M", reached number one on the Hot 100 following the release of its official remix featuring Britney Spears, becoming her tenth number one single. Rihanna set a record as the solo artist with the fastest accumulation of ten chart toppers.

At the 53rd Grammy Awards, "Only Girl (In the World)" won the award for Best Dance Recording. "Man Down" and "California King Bed" were released as singles in May 2011 with moderate success. "Cheers (Drink to That)", which interpolates Avril Lavigne's 2002 single "I'm with You", was released as the sixth and final single from the album, reaching the top twenty in the UK and the top ten in the US. To promote the album, Rihanna embarked on her Loud Tour in June 2011, which sold out ten nights at The O₂ Arena in London, the most sold out shows for a female artist in the venue's history. The tour was the seventh highest grossing tour worldwide of 2011.

Rihanna's sixth album, Talk That Talk, was released in November 2011. The album debuted at number three on the Billboard 200 with sales of 198,000 copies and number one in the UK, selling 163,000 copies. The lead single, "We Found Love", topped charts in twenty-seven countries worldwide, peaking in the top ten in thirty countries and breaking many records worldwide. It topped the Billboard Hot 100 for ten non-consecutive weeks, becoming Rihanna's longest-running number one single and the longest-running number one of 2011. The song was later named the 24th biggest hit of all time on the Billboard Hot 100. "You Da One" and the title track featuring Jay Z were released as the second and third singles from the album to moderate success. "Where Have You Been", the fifth single, successfully charted worldwide, reaching number five in the US and six in the UK. "Cockiness (Love It)" was released as the album's sixth and final single in a remixed form featuring rapper ASAP Rocky.

2012-2014: Battleship and Unapologetic

In early 2012, two collaborations featuring Rihanna were released: Coldplay's "Princess of China" from the album Mylo Xyloto and Drake's "Take Care" from his album of the same name. In February 2012, Rihanna won her third Grammy Award for Best Rap/Sung Collaboration at the 2012 Grammy Awards, and was voted the Best International Female Solo Artist at the 2012 BRIT Awards for the second consecutive year. March 2012 saw the simultaneous release of collaborations between Rihanna and Chris Brown: remixes of her song "Birthday Cake" and his "Turn Up the Music". The recordings received mainly negative responses due to the pair's history of domestic violence. In September 2012, "We Found Love" won the MTV Video Music Award for Video of the Year, making Rihanna the first woman to receive the accolade more than once.

Rihanna starred as Petty Officer (GM2) Cora Raikes in her first theatrical feature film Battleship, which was released on May 18, 2012. Loosely based on the game of the same name, both the film and Rihanna's performance received mixed-to-negative reviews; The New York Times said she was "just fine in the rather generic role". On August 19, 2012, Rihanna appeared in the first episode of the second season of Oprah Winfrey's American prime time television show Oprah's Next Chapter. The episode scored the second-highest ratings in the history of the Oprah Winfrey Network.

Rihanna's seventh studio album, Unapologetic, was released in November 2012. In the United States, the album debuted at number one on the Billboard 200 with sales of 238,000, marking Rihanna's first number one album in the country. The album was Rihanna's third consecutive number one album in the United Kingdom and fifth in Switzerland. The lead single from the album, "Diamonds", reached number one in more than twenty countries worldwide, including on the US Billboard Hot 100, her twelfth number one on the chart. The album's second single, "Stay", featuring Mikky Ekko, reached the top five in over twenty countries, including number three on the Billboard Hot 100. As promotion prior to the album's release, Rihanna embarked on the 777 Tour, a mini tour of seven shows in seven countries in seven days.

In February 2013 at the 55th Grammy Awards, Rihanna won her sixth Grammy Award, in the category Best Short Form Music Video for "We Found Love" (2011). Also that month, the Official Charts Company announced that Rihanna had sold 3,868,000 records in the past year in the UK alone, ranking at number one in the list of 2013 BRIT Awards artist nominees. Rihanna's fifth headlining concert tour, the Diamonds World Tour, began in March 2013 in support of Unapologetic. Rihanna appeared in the Seth Rogen and Evan Goldberg comedy film This Is the End, released in June 2013. That same month, American hip hop artist Wale released a remixed version of his single "Bad" featuring Rihanna.

In October 2013, Eminem released his Rihanna-assisted single, "The Monster", the fourth release from his eighth studio album The Marshall Mathers LP 2 (2013). With the song entering the UK Singles Chart at number one, Rihanna joined Elvis Presley and The Beatles as just one of three acts to have scored a number one single each year over seven consecutive years in the chart's history. The song also peaked at number one on the Billboard Hot 100, which marked Rihanna's thirteenth chart topper. Rihanna appeared on Shakira's single, "Can't Remember to Forget You", which was released in January, 2014.

2015-present: Anti and acting career

Following the release of Unapologetic and its accompanying tour, Rihanna aimed to take a hiatus from recording music stating; "I wanted to have a year to just do whatever I want artistically, creatively.? In January 2014, Rihanna began working on her eighth studio album. In May 2014, Rihanna left Def Jam to sign fully with Roc Nation, who had managed her career since October 2010. A year after Rihanna began working on the album she released the single, "FourFiveSeconds", featuring Kanye West and Paul McCartney. Two further singles followed its release: "Bitch Better Have My Money" and "American Oxygen"; both did not make the final track listing for her eighth studio album.

In March 2015, Rihanna released a concept album based around the 3D animated film Home, which she starred in, alongside Jim Parsons, Steve Martin and Jennifer Lopez. "Towards the Sun" was released as the first single from the album. In late 2015, inked a $25 million contract with Samsung that would see Rihanna promoting Samsung's Galaxy line of products whilst Samsung would sponsor the release of Anti and its supporting tour. The Anti World Tour was announced in November 2015 and began in March 2016, with Travis Scott supporting in North America, and The Weeknd and Big Sean supporting at selected European dates.

On January 28, 2016, Rihanna released her eighth studio album Anti exclusively through streaming service Tidal. The album peaked at number one on the US Billboard 200, becoming Rihanna's second number one and eighth top ten album on the chart. The album was supported by the release of four singles including the lead single "Work" featuring Drake, which topped the Billboard Hot 100. Further platinum singles "Needed Me" and "Love on the Brain" both peaked inside the top ten of the Hot 100. In 2016, Rihanna was featured on several singles. The first collaboration was Calvin Harris' "This Is What You Came For," which reached number three on the Billboard Hot 100 and number two in the United Kingdom. Rihanna was also featured on Drake's "Too Good" from his album Views and Mike Will Made It's single, "Nothing Is Promised". On June 27, 2016, Rihanna released "Sledgehammer", the lead single from the Star Trek Beyond soundtrack. On August 28, Rihanna was honored with the MTV Video Vanguard Award at the 2016 MTV Video Music Awards.

As of February 2017, Rihanna played the recurring role of Marion Crane in the fifth and final season of Bates Motel. The show received universal acclaim from critics.

Upcoming projects

In 2015, it was announced that she would have a major role in the upcoming Luc Besson film, Valerian and the City of a Thousand Planets, an adaptation of the comic book series Valérian and Laureline, which is scheduled for a 2017 release. In August 2016, Rihanna joined the all-female spin-off of the Ocean's Eleven franchise, called Ocean's Eight directed by Gary Ross, opposite Sandra Bullock, Cate Blanchett, Helena Bonham Carter, Mindy Kaling, Anne Hathaway and Awkwafina.

Artistry

Music and voice

Rihanna possesses a mezzo-soprano vocal range of three octaves and two notes. While recording tracks for her third studio album, Good Girl Gone Bad (2007), Rihanna took vocal lessons from Ne-Yo. Speaking of the experience she stated, "I've never had vocal training, so when I'm in the studio, he'll tell me how to breathe and stuff... He'll call out these big fancy words: 'OK, I want you to do staccato.' And I'm like, 'OK, I don't know what that is.'" Her vocal performance on Loud (2010) received positive reviews from music critics. James Skinner from BBC praised Rihanna's vocals on the song "Love the Way You Lie (Part II)" and wrote that her voice is powerful and that "it is Rihanna's vocal - at once commanding, soulful and vulnerable - that anchors the song, and Loud itself". Andy Gill from The Independent feels that "California King Bed" features her best vocal performance. In a review of Unapologetic, Billboard magazine wrote, "Diamonds finds Rihanna doing one of her throatiest, most impassioned vocals to date, on this inspirational pop ballad." Jon Caramanica of The New York Times stated, "over the years, as her game face froze in place, her voice cured into a weapon of emotional chill and strategic indifference. It's decidedly unfriendly, made to give orders".

Rihanna's music has encompassed a broad range of genres; including dancehall, reggae and soca, as well as pop, R&B, dubstep, hip hop and electronic dance music. Some of her songs are also inspired through record sampling from other artists. With its provocative subject matter and lyrics, her musical career has been an experiment with new musical ideas and stated that she wants "to make music that could be heard in parts of the world that I'd never been to". Growing up in Barbados, she wasn't exposed to a lot of music, mainly reggae, hip-hop, and soca music. At the time of her debut, she recorded songs that were inspired by her Caribbean roots and described her early sound as "a fusion of reggae, hip-hop and R&B, with a little something different thrown in". Her early dancehall roots can be found on her debut album, Music of the Sun (2005), and its follow-up, A Girl like Me (2006). When she moved to the United States, she became exposed to a lot of American music "rock being one of them, and I fell in love with it. [Now] I love rock music."

Music of the Sun demonstrates the influence of Rihanna’s musical heritage of the Caribbean. Kelefa Sanneh of The New York Times complimented its combination of dancehall and reggae, who said, "Dancehall reggae sometimes seems like a furiously insular form of music, but ... Rihanna is only the latest singer to discover how versatile the genre's spring-loaded electronic rhythms can be". Her debut single, "Pon de Replay" features a dancehall-pop mixture that infuses a reggae style, while "If It's Lovin' that You Want" talks about a girl seducing a guy to be her boyfriend. Aiming for artistic growth, A Girl like Me expresses personal experiences that typical 18-year-old girls go through with ballads that were described as elegant and mature. During a review for Good Girl Gone Bad (2007), Sal Cinquemani of Slant Magazine to write that Rihanna "finally figured out that she's a dance artist and the majority of the album is comprised of uptempo dance-pop" songs like "Push Up On Me" and "Don't Stop the Music". It represents a departure from the Caribbean sound of her previous albums, and is described as a turning point in her career. While the first half of the record shares a lot of 1980s pop influences with songs like "Don't Stop the Music" and "Shut Up and Drive", the second half retreats into standard R&B.

Recorded after the assault by her then-boyfriend, Chris Brown, Rated R (2009) had a much darker tone and was filled with various emotions she experienced throughout 2009. In Loud (2010), Rihanna reflects on the fun and energetic vibe she had while recording the album. The album is a mixture of ballads, party anthems, and empowering love songs. Talk That Talk (2011) was similar to Rated R, as both contain hip hop, R&B, dancehall, and dubstep genres. Loud and Talk That Talk saw her explore sexuality in her work ("S&M" and "Birthday Cake") and return to her dancehall roots ("Man Down" and "Watch n' Learn"). She also branched out into house music with tracks like "We Found Love", "Only Girl (In the World)" and "Complicated."

Influences

Rihanna has named Madonna as her idol and biggest influence. She said that she wanted to be the "black Madonna" and praised the singer for being able to constantly reinvent herself successfully throughout her career. "I think that Madonna was a great inspiration for me, especially on my earlier work. If I had to examine her evolution through time, I think she reinvented her clothing style and music with success every single time. And at the same time remained a real force in entertainment in the whole world." Another major influence on Rihanna's music and career has been Mariah Carey, whose song "Hero" she performed when Rihanna was still a teenager at her high school talent show. She revealed that Carey's song "Vision of Love" "was the song that made [her] want to do music" and that "everything Mariah did, [she] would try to do." She grew up watching videos of reggae legend Bob Marley on television because that's what they would play in the Caribbean. She stated, "He's one of my favourite artists of all time - he really paved the way for every other artist out of the Caribbean". She built a shrine in her home dedicated to the reggae legend and has covered Marley's "Is This Love" and Bob Marley & The Wailers' "Redemption Song" during her concert tours.

During her childhood, she would go around singing Whitney Houston songs and "A Whole New World" into her hairbrush so much that her neighbors started calling her "Robyn Redbreast". She also stated that one of the first songs she remembers falling in love with was Houston's version of "I Will Always Love You" and that it "was really inspiring, and it made me develop a passion for music, so really, she’s partly responsible for me being here in this industry." Rihanna commented that Janet Jackson "was one of the first female pop icons that I could relate to" and that late R&B singer Aaliyah has a huge impact on her style and also complimented on the singers artistry as well. Watching Beyoncé on television with Destiny's Child also inspired Rihanna's musical career, who was chosen along with R&B recording artists Amerie and Teairra Marí, to give a tribute performance to the female group at the 2005 World Music Awards. Other musical influences and idols include Celine Dion, Grace Jones, Alicia Keys, Prince, Fefe Dobson, and Brandy.

Rihanna takes influence from the different types of music she discovered when she came to America and revealed that rock music was one of the first genres she fell in love with. She commented, "as I grow older, I want to know more about music. I want to discover more types of music". She cited Brandy's fourth studio album, Afrodisiac (2004), as her main inspiration for her third album, Good Girl Gone Bad (2007). In her early career, her music contained strong influences of Caribbean music, including reggae and dancehall. The music video of the song "Rude Boy" featured images inspired by her Caribbean roots.

Videos and stage

Rihanna has worked with music video director Anthony Mandler on more than a dozen music videos, the first being "Unfaithful" (2006). "We've done 16 videos together; they're not all tough, [...] Yeah, I mean, I'm known for the 'Disturbia's and the 'Russian Roulette's and things like that, but 'Only Girl (In the World)' is certainly an ethereal kind of empowering, beauty-filled video," Mandler said. Jocelyn Vena of MTV wrote, "Rihanna, like Madonna, also has a tendency to make truly thought-provoking music videos that fit the songs they represent. Smattered in between glitzier, more glamorous clips, Madge and Ri want us to think about bigger issues". Jon Bream of the Star Tribune commented "[i]n the tradition of Madonna and Janet Jackson, Rihanna has become the video vixen of the '00s ... Rihanna has perfected the pout, the long-legged strut and trend-setting hairdos that keep women and men alike checking her out on YouTube." George Epaminondas of InStyle considers Rihanna's music videos to be "cinematic" due to her "blend of lush island rhythms and swinging pop and ... mischievous sensuality." Tamar Anitai from MTV Buzzworthy listed "Disturbia" at number five on the "Buzzworthy's Top 5 Most Paranoid Music Videos" and said that "Paranoia never looked so supernaturally sexy!".

Many of her music videos were shot as short films exploring issues such as love triangles, abuse, and substance abuse romance, including "We Found Love" and "Man Down". Her music video for "Umbrella" shows Rihanna's transition into adulthood and her newly adopted image. The "dark, creepy" scenes of "Disturbia" have been compared to Michael Jackson's Thriller. The video for "Russian Roulette" features Rihanna in a padded room playing a game of russian roulette with her partner. A scene of Rihanna being approached by a speeding car at night was compared to the altercation with Chris Brown. The Caribbean-inspired music video for "Rude Boy" was compared to rapper M.I.A.'s video "Boyz" by many critics for its colorful aesthetic similarities. In 2011, she released three controversial music videos about sadomasochism, rape, and domestic violence. "Man Down", which features Rihanna shooting a man in a train station, was criticized by the Parents Television Council. "We Found Love", which shows Rihanna and her love interest in a drug-filled unhealthy relationship, sparked criticism from the Rape Crisis Centre for its inappropriate message. But Charne Graham of the Houston Press defended the singer, asking, "Why should Rihanna's music videos get everyone riled up when others' equally sexual and controversial videos are in rotation? [...] she just like[s] to make music videos that give us something to talk about." She is the first woman to pass two billion cumulative views on the music video website VEVO. As of December 2016, she has accumulated over 10 billion views on the site.

Denis Armstrong of Canadian Online Explorer commented on her performance at the Ottawa Bluesfest, saying "her show was a Disney-esque choreographed fantasy of non-stop hip-swiveling, sassy attitude and personal endearments and a string of funky, sugar-free hits." Her performance of "Disturbia" at the 2008 MTV Video Music Awards was ranked tenth best on the MTV Video Music Awards, according to a Billboard poll. Her revealing leather costumes during her Good Girl Gone Bad Tour were highly criticized by Malaysia's conservative Islamic party, who recommended that her concert tour should be banned. Whilst commenting on her third album's accompanying tour, The Times compared Rihanna's stage wardrobe styling to that of Janet Jackson and called her "a vision of Ann Summers couture in thigh-high boots and a few scraps of black PVC." In the October 2011 issue of British Vogue, Rihanna said her performance outfits and appearances are all an act; "[t]hat's not me. That's a part I play. You know, like it's a piece of art, with all these toys and textures to play with".

Image

Public profile

Known for reinventing her style and image, Rihanna's music and fashion sense are noted by the media. In 2009, New York magazine described Rihanna's early look as that of a cookie-cutter teen queen, noting she has the ability to shift looks dramatically and with great ease. Around the time of the release of her second studio album, A Girl like Me (2006), many critics felt that Rihanna's style, sound, and musical material were too similar to those of Beyoncé. In an interview with Look magazine, Rihanna spoke about comparisons to Beyonce: "Beyoncé is a great artist and I feel honored to be mentioned in the same sentence, but we're different performers with different styles". She revealed during Oprah's Next Chapter that Def Jam's pop-princess blueprint made her feel claustrophobic during her early years with the label. According to Rihanna, "I felt like they were giving me a blueprint. [...] They had a brand, they had an idea of what they wanted me to be without figuring out who I was." With the release of her third album, Good Girl Gone Bad (2007), Rihanna dismissed her innocent image for an edgier look with a new hairstyle, which was inspired by Charlize Theron's bob cut in the science fiction thriller Æon Flux (2005). She followed the likes of recording artists Janet Jackson and Christina Aguilera who also shed their innocent image for an edgier look and sound.

Nico Amarca of Highsnobiety magazine wrote "over the course of her now 10-year career, [Rihanna] has undergone one of the most significant aesthetic metamorphoses the world has ever seen". Her image and fashion has changed several times with different hairstyles since the release of her third album. She commented that as a child she "used to watch her [mother] get dressed" and that her love and admiration for fashion started with her mom. When putting together her own wardrobe she stated, "It's become more about taking a risk ... I always look for the most interesting silhouette or something that's a little off." Jess Cartner-Morley of The Guardian wrote that "Rihanna's wardrobe is the most talked-about, influential and dissected in pop right now" and that whatever she wears "is immediately reproduced on the high street, because it sells". Country singer Miranda Lambert admires Rihanna's fashion and style stating, "I don't necessarily get inspired by the whole no-bra thing, but I love that you never know what she's going to wear. It always keeps you guessing, which makes her sassy and interesting."

In an interview with Alexa Chung during Vogue Festival 2015, Balmain designer Olivier Rousteing praised Rihanna by stylistically comparing her to some of the biggest fashion icons in music history, such as Madonna, David Bowie, Michael Jackson, and Prince. Commenting on the cultural expectation for pop stars to be role models, she said "[being a role model] became more of my job than I wanted it to be. But no, I just want to make music. That's it". In a May 2013 interview with MTV, The Vagina Monologues writer and feminist Eve Ensler praised the singer, saying, "I'm a huge Rihanna fan, I think she has a kind of agency over her sexuality and she's open about her sexuality, she has enormous grace and she's immensely talented."

Appearance

Described as one of the sexiest women of her generation, she revealed that being a sex symbol is not a priority and that "it's definitely flattering, but also uncomfortable." Emily Hewett from Metro wrote, "Rihanna is quite possibly [the] most sexiest woman in the world. The 25-year-old songbird can grind like no other, pull off a provocative pose better than a Playboy pro." Her appearance has landed her on the cover of magazines such as Maxim, FHM, Rolling Stone and GQ. She has appeared in the top ten on Maxim's Hot 100 list and on FHM's "100 Sexiest Women in the World" several times. In 2007, she was tagged Venus Breeze's "Celebrity Legs of a Goddess" by Gillette, and was ranked second on People magazine's list of "10 Best Dressed Stars" the following year.

In 2009, Glamour ranked her at number 17 on the 50 Most Glamorous Women and Esquire named her the Sexiest Woman Alive of 2011. In December 2012, Rihanna became the first woman to be featured on the cover of GQ magazine's "Men of the Year" issue and ranked fifth on Complex list of "100 Hottest Female Singers of All Time". The following year, VH1 placed Rihanna second on their list of "100 Sexiest Artists".

Rihanna is well known for having a wide collection of small tattoos around her body. The 21 in total include two musical notes on the front of her ankle (now covered), a skull with a pink hair bow on the back of her ankle, a Pisces sign behind her right ear, a Sanskrit prayer going down her hip, a star in her left ear, the word "love" on her left middle finger, an Arabic phrase meaning "Freedom in Christ" on her ribcage area, a trail of stars going down the back of her neck, the phrase "shhh..." on her right index finger, the date 11.4.86 in Roman numerals on top of her left shoulder, a henna-style tribal dragon claw including hibiscus flowers inside her right hand/wrist, and a handgun under her right armpit. A gun tattoo was planned to be placed just below her shoulders but was ultimately located on her rib cage. In late 2009, Rihanna had the phrase, "Never a failure, always a lesson" inked onto her chest backwards as she wanted to be able to read it in the mirror; it is her "motto in life for everything". In mid-2010, the phrase "rebelle fleur" was tattooed onto the singer's neck. In 2012, a Christian cross was tattooed on her collarbone, the word "lover" in Tibetan above her left buttock. Rihanna covered the music notes on her ankle with a gun-shaped Egyptian falcon design. As a tribute to her late grandmother, Dolly, the singer had the Egyptian goddess, Isis, inked on her chest. In 2013, she had the Ancient Egyptian Queen Nefertiti tattooed on the side of her left rib cage. In 2015, Rihanna had "1988" (her year of birth) inked above her right ankle. In 2016, whilst with Drake in Miami, she had a shark inked above her left ankle. Drake had the same tattoo inked on his right forearm.

Legacy

Rihanna's first albums established her as a "Pop/R&B Princess" by media outlets. Nick Levine of Digital Spy described her third studio album Good Girl Gone Bad, as "the closest thing to a Thriller that 2007/08 is likely to produce". Her single "Umbrella", famous for its "ella ella" hook, is considered by Rolling Stone to be one of the 500 Greatest Songs of All Time. Her 2011 single "We Found Love" was ranked by Billboard as the 24th biggest US Billboard Hot 100 hit of all time. The music video won a Grammy as Best Short Form Music Video and MTV's Video of the Year.

Time magazine included Rihanna on its 100 Most Influential People in the World issue in 2012. Stella McCartney writes "She's one of the coolest, hottest, most talented, most liked, most listened to, most followed, most impressive artists at work today, but she does it in her own stride. She works hard, very hard. She gives to her fans, friends and foundation not just herself but her energy and spirit." On June 2, 2014, Rihanna was presented with Fashion Icon lifetime achievement award from Council of Fashion Designers of America (CFDA), a special prize reserved for "an individual whose style has made a significant impact on popular culture on an international stage". In August 2013, Rihanna is placed at number 13 on Billboard's "Greatest Of All Time Hot 100 Artists" list, being its highest ranking newcomer. Billboard also ranked Rihanna the top Hot 100 artist of the 2010s decade. In 2014, Time magazine's pop stardom ranking metric, ranked Rihanna second in history, based on all-time chart performance and contemporary significance.

Rihanna's work has directly influenced a number of contemporary artists such as Little Mix, Selena Gomez, Justin Bieber, Ellie Goulding, Tegan and Sara, Jessie J, Cover Drive, Fifth Harmony, Demi Lovato, Alexandra Stan, Grimes, Cher Lloyd and Willow Smith. Rihanna has an honorary title of Ambassador for Culture and Youth in Barbados. Additionally, Rihanna has become a dominating figure in social media and internet streaming, ranking at number one on Forbes' 2012 list of Social Networking Superstars. In 2013, Rihanna was also named the most influential pop star in the United Kingdom by UK channel 4Music.

In February 22, 2008, former Barbados Prime Minister, David Thompson, launched the national "Rihanna Day" in their country. Although it is not a bank holiday, Barbadians celebrate it every year to honor Rihanna's success in the music industry.

Achievements

Rihanna has received numerous awards throughout her career such as 8 Grammy Awards, 12 Billboard Music Awards, 12 American Music Awards, 8 People's Choice Awards, among others. Rihanna received the "Icon Award" at the 2013 American Music Awards and the Michael Jackson Video Vanguard Award at the 2016 MTV Video Music Awards. She has sold over 230 million records worldwide, making her one of the best-selling music artists of all time. In the United States, Rihanna has sold over 10 million albums, while Nielsen SoundScan ranked her as the best-selling digital artist in the country, breaking a Guinness World Record for digital single sales of over 58 million as of 2012. On July 1, 2015 the Recording Industry Association of America (RIAA) announced that Rihanna had surpassed more than 100 million Gold & Platinum song certifications. In doing so Rihanna has the most digital single awards and is the first and only artist to surpass RIAA’s 100 million cumulative singles award threshold. In the United Kingdom, she has sold over seven million albums, making her the third best selling female artist this century.

Rihanna has accumulated fourteen number-one singles on the US Billboard Hot 100 chart for the third most number ones in the chart's history. She has been named the top Mainstream Top 40 chart artist of the past twenty years by Billboard; she ranks first with most entries (36), most top tens (23), and most number ones (10). As of March 2014, Rihanna has sold over 18 million singles and six million albums in the United Kingdom. She is the tenth best-selling and the second best-selling female singles artist in the country, only behind Madonna and is second only to The Beatles for the most million-selling singles in the UK of all time. Her collaboration with Eminem, "Love the Way You Lie", together with "Umbrella", "Disturbia", "Only Girl (In the World)", "We Found Love", and "Diamonds", are some of the best-selling singles of all time worldwide. According to Billboard, her total album sales stand at 54 million copies sold worldwide. In February 2017, Rihanna surpassed Elvis Presley as the best-selling solo artist of all time in certified units.

Other ventures

Endorsements

Rihanna has ventured into other businesses and industries. In October 2005, Rihanna struck an endorsement deal (her first of many) with Secret Body Spray. In 2010, Rihanna featured in the Optus commercial, in conjunction with Optus supporting Rihanna's Last Girl on Earth Tour. The same year Rihanna also featured in the Kodak commercial along with rapper Pitbull. In October 2010, the singer released an eponymous book. The book, featured photos from Rihanna's Last Girl on Earth Tour and served as an accompaniment to her fourth studio album Rated R (2009). Rihanna's first fragrance, "Reb'l Fleur", was released in January 2011. The product became highly successful, according to Rolling Stone, Reb'l Fleur was a financial success and was expected to gross US$80 million at retail by the end of 2011. In 2011, Nivea celebrated its "100 Years of Skincare" festivities which featured several performances from Rihanna. Rihanna's song "California King Bed" was featured as a part of the "100 Years of Skincare" commercial campaign. Rihanna also became the face of Vita Coco in 2011.

Rihanna's second fragrance, "Rebelle", was released in February 2012. The promotional campaign for Rebelle, was shot by director, Anthony Mandler, who also shot the promotional campaign for Reb'l Fleur. In November 2012, Rihanna released her third fragrance, "Nude". In 2013, the singer collaborated with MAC Cosmetics and released her own summer, fall and holiday lines of makeup called "RiRi hearts MAC". In July 2013, lager production company Budweiser announced that Rihanna had become a part of their global "Made For Music" campaign, also co-starring Jay Z. A commercial video was released featuring the singer and song "Right Now". Rihanna's fourth women's fragrance, titled Rogue was released on September 14, 2013. The singer announces to release a men's version the following year. It was announced on August 1, 2014 that September 2014 will see the release Rihanna's first fragrance for men, "Rogue Man". Also in July 2015, she announced her latest fragrance, RiRi by Rihanna. The scent features notes of passion fruit extract, rum absolute, sparkling cassis, and Italian mandarin and arrive at retailers in September 2015.

Business endeavours

On March 30, 2015, it was announced that Rihanna is a co-owner, with various other music artists, in the music streaming service Tidal. The service specialises in lossless audio and high definition music videos. Jay Z acquired the parent company of Tidal, Aspiro, in the first quarter of 2015. Including Beyoncé and Jay Z, sixteen artist stakeholders (such as Kanye West, Beyoncé, Madonna, Chris Martin, Nicki Minaj and more) co-own Tidal, with the majority owning a 3% equity stake. "The challenge is to get everyone to respect music again, to recognize its value", stated Jay Z on the release of Tidal.

In November 2015, Rihanna and Benoit Demouy launched a beauty and stylist agency named Fr8me. The business based in Los Angeles was set up in order to assist artists in booking commercials, editorial shoots, ad campaigns, and red-carpet appearances. Speaking on the venture Rihanna stated "Hair, makeup and styling play an important role in creativity, I am very involved with that part of my process, so this agency was an organic thing for me to do." The roster includes Rihanna’s makeup artist Mylah Morales, wardrobe stylist Jason Bolden, hairstylist Patricia Morales, and Marcia Hamilton. In addition to Fr8me, Rihanna opened a photo agency called "A Dog Ate My Homework", which represents photographers Erik Asla and Deborah Anderson.

Under her PUMA collection, she released the "Puma Creepers". Then in 2016, she released the PUMA Fenty Trainer, which premiered in red, white, and black, and then was scheduled to release in a grey "Quarry" colorway at midnight on June 14 via Packer Shoes; they sold for $180. The "Fenty Trainers" were available on June 15 in-store at both Packer Shoes locations.

Fashion

Early in her career, Rihanna made clear her interest in fashion and desire to work in the clothing design industry. In November 2011, Rihanna announced her first fashion venture with Armani. In February 2013, Rihanna presented her first women's spring fashion collection at London Fashion Week for British street fashion brand River Island, collaborating with her personal stylist Adam Selman. They published two more collections for the brand, a summer edition released on May 25, 2013 and an autumn edition released on September 10, 2013. The fourth and last collection for River Island, the winter edition was released on November 7, 2013. Rihanna went on to collaborate with numerous fashion house's including Dior, Stance and Manolo Blahnik.

In December 2014, it was confirmed that Rihanna would become the creative director of the fashion sportswear Puma, overseeing the brand’s women’s line which will include collaborations in apparel and footwear. In the fall of 2015, Rihanna released her first trainer with Puma, the sneaker sold out online with three hours of its pre-sale launch. Over the next two years Rihanna released various other footwear in different colour ways and styles which were all met to positively by both critics and buyers. 2016 saw Rihanna debut her first clothing line in collaboration with Puma at New York Fashion Week, the collection was met with rave reviews from fashion critics. In the spring of that year, Rihanna debuted her second collection at Paris Fashion Week and was met with critical acclaim. Vogue Magazine praised the collection and Rihanna stating "Sometimes when a famous person tries his or her hand at another discipline, the results can be uneven. And yet there are those special cases when making the switch leads to a good surprise. Judging by the collection she showed today, we can add Rihanna to that list."

Rihanna herself has become an fashion icon her. On June 2, 2014, Rihanna "will receive the Fashion Icon Award at the 2014 Council of Fashion Designers of America Fashion Awards" at the Lincoln Center's Alice Tully Hall. and said regarding it "Fashion has always been my defense mechanism". Mexican singer Becky G has stated Rihanna is one of style icons to Latina magazine. In March 2015, it was announced that Rihanna was chosen as the new face of Dior; this makes her the first black woman to be the face of Dior. She has also branded into other fashion ventures. Her first television program, Styled to Rock, premiered in the UK in August 2012 on Sky Living. In the ten-week series, Rihanna, Nicola Roberts, Lysa Cooper, and Henry Holland assist up-and-coming British designers with their clothing lines. Meanwhile, the US version of Styled to Rock premiered on October 25, 2013 on Bravo.

Philanthropy

In 2006, she created her Believe Foundation to help terminally ill children. In 2007, Rihanna was named as one of the Cartier Love Charity Bracelet Ambassadors, with each celebrity representing a different global charity. To help raise awareness and combat HIV/AIDS, Rihanna and other public figures designed clothing for the February 2008 H&M Fashion Against AIDS line.

In 2008, Rihanna performed a series of charity concerts entitled A Girl's Night Out to benefit the Believe Foundation. The concerts were made free for the public. Money from sponsors and advertisers were to be donated to provide medical supplies, school supplies and toys to children in need. In September 2008, Rihanna contributed to the song "Just Stand Up!" with fifteen other female artists, who shared the stage to perform the song live on September 5, 2008, during the "Stand Up to Cancer" television special. The proceeds from the single were given to the fundraiser. The television special helped raise $100 million for cancer research.

Rihanna founded the Clara Lionel Foundation (CLF) in 2012, in honor of her grandparents, Clara and Lionel Braithwaite. Current programs include the Clara Braithwaite Center for Oncology and Nuclear Medicine at the Queen Elizabeth Hospital in Barbados, and education programs. The CLF host an annual Diamond Ball?charity fundraiser event. The inaugural event in 2014 raised over $2 million, with the second raising over $3 million.

On February 12, 2012, Rihanna performed a benefit show at the House of Blues to raise money for the Children's Orthopaedic Center and The Mark Taper-Johnny Mercer Artists Program at Children's Hospital. In November 2012, Rihanna gave $100,000 to food bank donation for Hurricane Sandy, On January 3, 2014 Rihanna was part of the MAC Viva Glam campaign, which benefits women, men, and children living with HIV/AIDS.

In February 2017, Rihanna was named Harvard University's "Humanitarian of the Year" by the Harvard Foundation.

Personal life

On February 8, 2009, Rihanna's scheduled performance at the 51st Annual Grammy Awards was cancelled. Reports surfaced that then-boyfriend, singer Chris Brown had physically assaulted her. He was arrested on suspicion of making criminal threats. On March 5, 2009, Brown was charged with assault and making criminal threats. Due to a leaked photograph from the police department obtained by TMZ.com?which revealed that Rihanna had sustained visible injuries?an organization known as STOParazzi proposed "Rihanna's Law", which, if enacted, would "deter employees of law enforcement agencies from releasing photos or information that exploits crime victims." Gil Kaufman of VH1 reported the "nonstop coverage of the Rihanna/Brown case has brought up a number of issues regarding the privacy of alleged victims of domestic violence, including the decision by almost all major news outlets to divulge the identity of the victim?which is not typically done in domestic-violence cases" and discussed the controversial distribution of the leaked photograph. Rihanna was subpoenaed to testify during a preliminary hearing in Los Angeles on June 22, 2009. On June 22, 2009, Brown pleaded guilty to felony assault. Brown received five years probation and was ordered to stay fifty yards (46 meters) away from Rihanna, unless at public events, which then would be reduced to ten yards (nine meters). In February 2011, at the request of Brown's lawyer and with Rihanna's consent, Judge Patricia Schnegg modified the restraining order to a "level one order", which allows the singers to appear at awards shows together in the future.

From December 2009 to 2010, Rihanna dated Dodgers baseball player Matt Kemp. Canadian rapper Drake has also dated the singer. In a January 2013 interview with Rolling Stone, Rihanna confirmed that she had rekindled her relationship with Chris Brown, though he remained under probation for the 2009 domestic violence incident. The confirmation followed persistent media speculation throughout 2012 regarding the pair's reunion. In a May 2013 interview, Brown stated that he and Rihanna had broken up again. In 2015, Rihanna briefly dated Travis Scott, a rapper from Missouri City, Texas.

Rihanna has stated that she believes in God and that she focuses on obeying God and reading her Bible. She is a fan of Protestant charismatic minister Joyce Meyer. In 2015, Rihanna told Harper's Bazaar that her faith in God has helped her throughout her career.

During her performance at the NCAA March Madness Music Festival, Rihanna expressed her disagreement with Indiana's Religious Freedom Restoration Act that allows companies and individuals to use their religious beliefs as protection, in case of being accused of discrimination against LGBT people. Rihanna along with numerous other high-profile celebrities featured in an online video entitled "23 Ways You Could Be Killed If You Are Black in America". The video was released in partnership with the We Are Here Movement and called for action against police brutality.

According to the New York Post, Rihanna filed a lawsuit against Peter Gunis and the firm Berdon LLP for $35 million but settled out of court for more than $10 million. Forbes began reporting on Rihanna's earnings in 2012, calculating that she earned $53 million between May 2011 and May 2012, for her music, tour, and endorsements. In 2013, Rihanna came in at number 13 on the list with a total earning of $43 million due to endorsements such as vita coco. In 2015 Rihanna earned $26 million, which resulted in her net worth rising to $160 million by 2016. In July 2016, Forbes magazine placed Rihanna at number 13 on their list of highest paid celebrities, earning $75 million between 2015 and 2016. Rihanna currently lives in Manhattan, New York City and owns a penthouse there that is worth $14 million.

Discography

• Music of the Sun (2005)
• A Girl like Me (2006)
• Good Girl Gone Bad (2007)
• Rated R (2009)
• Loud (2010)
• Talk That Talk (2011)
• Unapologetic (2012)
• Anti (2016)

Filmography

• Bring It On: All or Nothing (2006)
• Battleship (2012)
• Coldplay Live 2012 (2012)
• Katy Perry: Part of Me (2012)
• This Is the End (2013)
• Annie (2014)
• Home (2015)
• Bates Motel (2017)
• Valerian and the City of a Thousand Planets (2017)
• Ocean's Eight (2018)

Tours

• Rihanna: Live in Concert Tour (2006)
• Good Girl Gone Bad Tour (2007-2009)
• Last Girl on Earth Tour (2010-2011)
• Loud Tour (2011)
• Diamonds World Tour (2013)
• The Monster Tour (with Eminem) (2014)
• Anti World Tour (2016)

See also

• Culture of Barbados
• Honorific nicknames in popular music
• List of Billboard Social 50 number-one artists
• List of Billboard Hot 100 chart achievements and milestones
• Music of Barbados
• List of awards and nominations received by Rihanna
• Artists with the most number-ones on the U.S. Hot 100
• Artists with the most number-ones on the U.S. dance chart
• Rihanna (given name)

References

External links

• Official website
• Rihanna at the Internet Movie Database

Mit bislang neun veröffentlichten Alben hatte er eine Reihe von nationalen und internationalen Chart-Erfolgen. Seine Plattenverkäufe im In- und Ausland erzielten 16 Mal Gold- und sechsmal Platin-Status. Er wurde unter anderem mit vier Echos, einem Bambi, einer Goldenen Kamera und dem Deutschen Fernsehpreis ausgezeichnet.

Karriere

Anfänge

Seine Karriere als Musiker begann 1990 in einer Schulband namens Bad to the Bone, die mit Coverversionen und Eigenkompositionen bei Kneipenauftritten und kleinen Konzerten im Kreis Soest erfolgreich war. Nach deren Auflösung gründete er 1992 mit einigen Freunden die Formation Junkfood. Die Einsendung eines Demobandes war erfolglos, jedoch blieb Sasha dem Produzenten Michael Kersting in der Nachbarstadt Werl in Erinnerung. Man heuerte ihn als Background-Sänger und später auch als Vokalpartner für die deutsche Rapperin Young Deenay beim Song Wannabe Your Lover an. Als sich zunehmend Erfolge einstellten, brach er sein Sport- und Germanistikstudium ab. 1996 brachte er unter dem Namen H.I.M. die Single Lookin’ Out 4 Luv und als Sir Prize den Song Don’t Go Away heraus.

Weitere Karriere

Der Durchbruch gelang ihm 1998 mit dem Titel If You Believe, der sich über 500.000 Mal verkaufte und auch international erfolgreich war. Silvester 1998 trat er vor dem Brandenburger Tor in Berlin auf. 1999 gewann er den VIVA-Jugendpreis Comet in der Kategorie Bester Newcomer national sowie einen Bambi in der Kategorie Pop national. Im Jahr 2000 erhielt er einen Echo als Bester Newcomer. Im Dezember 2002 trat Sasha in seiner Funktion als Unicef-Botschafter im Vatikan vor Papst Johannes Paul II. auf.

Sasha arbeitet auch mit anderen Künstlern zusammen und singt dabei teilweise in deutscher Sprache. In den Vereinigten Staaten veröffentlicht er seine Tonträger unter dem Namen Sasha Alexander. 2001 nahm er mit Edo Zanki & Friends (Edo Zanki, Xavier Naidoo, Rolf Stahlhofen und Till Brönner) den Titel Gib mir Musik auf. Im selben Jahr war er Teil des von Michael Mittermeier initiierten Projekts Mittermeier and Friends, für das er den Titel El Burro aufnahm. 2010 wirkte er mit Jan Josef Liefers und Henning Wehland als Feature-Künstler bei dem Titel Endloser Sommer auf dem Stefan-Waggershausen-Album So ist das Spiel mit.

Für Dieter Wedels Fernsehserie Die Affäre Semmeling schrieb er den Titel Turn It into Something Special. Im März 2006 erschien das Album Open Water. Hierfür hat er mit diversen Songwritern aus Schweden, England und Deutschland zusammengearbeitet, unter anderem mit dem H-Blockx-Mitglied Fabio Trentini sowie Robin Grubert. Im Dezember 2006 erschien das Album Greatest Hits. Anlässlich seines zehnjährigen Bühnenjubiläums wurde im Februar 2007 von Sat.1 seine erste eigene Fernsehshow Sasha - Die Show, eine Mischung aus Comedy- und Musikshow, ausgestrahlt.

Neben seiner Karriere im Musikgeschäft spielte er 2007 in dem Kinofilm Warum Männer nicht zuhören und Frauen schlecht einparken mit; 2008 übernahm er in dem Film Ossi’s Eleven von Oliver Mielke eine größere Rolle. Zum Soundtrack des Films steuerte er unter dem Pseudonym Nelson Rogers zwei Songs bei. Für die Verfilmung der Jugendbuchreihe Die drei ??? mit dem Titel Das Geheimnis der Geisterinsel steuerte er das Titellied Hide & Seek bei. In der ProSieben-Comedysendung Tramitz & Friends war er in einigen Sketchen zu sehen.

Im Februar 2009 erschien Sashas Album Good News on a Bad Day. Für den Film Wickie und die starken Männer nahm er gemeinsam mit Michael Herbig den Rockabilly-Titel Father and Son auf. 2014 nahm Sasha an der Sendereihe Sing meinen Song - Das Tauschkonzert teil, die in acht Folgen bei VOX ausgestrahlt wurde. Im Dezember 2014 erschien mit The One sein neues Album. Es beinhaltet die Singles Good Days, The One und Enjoy the Ride. Von 2016 bis 2017 arbeitete er als Coach in The Voice Kids; 2020 übernahm er diese Funktion erneut, wobei seine Kandidatin den Wettbewerb gewann. Zusammen mit Xavier Naidoo moderierte er 2017 den Musikpreis Echo. 2019 gewann er bei der ProSieben-Show Schlag den Star gegen Tim Mälzer. 2020 veröffentlichte er die beiden Lieder Party Party Party (Partyersatzsong) und Kaufmann und Maid, die beide ursprünglich als Teil einer Satire von Late Night Berlin gedacht waren. 2021 siegte er in der vierten Staffel der ProSieben-Sendung The Masked Singer im Kostüm eines Dinosauriers.

Dick Brave and the Backbeats

Die Idee zur Kunstfigur Dick Brave kam Sasha Ende 2002, als er gerade eine Pause einlegte und dennoch für Freunde und Bekannte ein inoffizielles Weihnachtskonzert geben wollte, aber nicht als Sasha; inspiriert von einem Plakat von Nick Cave and the Bad Seeds wurde der Name Dick Brave and the Backbeats erfunden. Lange Zeit wurde offiziell nicht bekanntgegeben, dass Sasha hinter der Figur des Dick Brave steckt. Für die Rolle wurde eine eigene Biographie ausgedacht; Dick Brave hat einen wiedererkennbaren Look, spricht stets gebrochen Deutsch und wird als Kanadier ausgegeben.

Als Dick Brave and the Backbeats hat Sasha zusammen mit André Tolba ?Adriano Batolba? (Gitarre), Maik Schott ?Mike Scott? (Piano), Felix Wiegand ?Phil X Hanson? (Bass) und Martell Beigang ?Matt L. Hanson? (Drums) 2003 das Rockabilly-Album Dick This veröffentlicht, auf dem unter anderem ein Pop-Klassiker des Jahres 1961, Take Good Care of My Baby von Carole King und Gerry Goffin, neu aufgelegt wurde. Das Album erreichte Platz eins der deutschen Charts.

Ein vorläufiges Abschiedskonzert von Dick Brave fand im Dezember 2004 in der Dortmunder Westfalenhalle vor 10.000 Fans statt. Die Einnahmen des Konzerts wurden an wohltätige Einrichtungen gespendet. 2006 trat die Band bei der Hochzeit der Sängerin Pink mit Carey Hart auf. Im Juni 2011 traten Dick Brave and the Backbeats im Münchner Club Ampere auf und kamen so erstmals nach langer Zeit wieder zurück auf die Bühne. Im selben Monat gab die Band vor ca. 8.000 Zuschauern auf der Kieler Woche ein ?Still-alive?-Konzert und im Juli 2011 im Rahmen der Rheinkultur vor etwa 160.000 Zuschauern ihr Comeback bekannt.

Im Oktober 2011 trat die Band bei der TV total Stockcar Crash Challenge 2011 mit dem Song Just Can’t Get Enough auf. Das Stück ist auch auf dem im selben Monat erschienenen Album Rock ’n’ Roll Therapy enthalten. Bereits 2003 hatten Dick Brave and the Backbeats an einer Veranstaltung von TV Total teilgenommen, sie hatten bei der ersten Auflage der Wok-WM in Winterberg den Vierer-Wettbewerb gewonnen. Pro7 zeigte im Oktober 2011 die Mockumentary Finding Brave, in der sich Klaas Heufer-Umlauf in der fiktiven Handlung auf die Suche nach dem verschollenen Dick Brave begibt, während unter anderem Charlotte Roche, Tim Mälzer, Patrick Owomoyela und Rea Garvey zu Wort kommen, die den kanadischen Sänger jedoch für tot halten. Heufer-Umlauf findet in der kanadischen Wildnis einen verstörten Dick Brave, seine lange Pause wird erklärt und Dick Brave wird für das Comeback vorbereitet.

Im Juni 2012 trat die Band beim Festival Rock am Ring auf, im Juli 2012 auf dem Festival Deichbrand sowie im August 2013 vor dem Brandenburger Tor anlässlich des 150-jährigen Jubiläums der SPD. Dick Brave erhielt im April 2013 eine goldene Schallplatte für das Album Rock ’n’ Roll Therapy.

Privatleben

Seine Mutter Ramona Schmitz, eine Erzieherin, lernte im Alter von 17 Jahren den 18-jährigen Fritz Schmitz, einen Bundeswehrkoch, kennen, als ihre Schaustellerfamilie auf dem Hof von Schmitz’ Eltern Winterquartier bezog. Nach der Geburt von Sascha heirateten seine Eltern, ließen sich aber nach kurzer Zeit wieder scheiden. Später kam Saschas vier Jahre jüngerer Bruder zur Welt; es folgte erneut eine kurze Ehe. Die Kinder wuchsen bei der Mutter auf.

Von 2003 bis 2008 war Sasha mit Marta Jandová, der Leadsängerin der Rockband Die Happy liiert, mit der er ab November 2005 im Hamburger Schanzenviertel lebte. Seit 2011 ist er mit Julia Röntgen zusammen; das Paar heiratete im Juli 2015 in Hamburg. Er führt nun den bürgerlichen Namen Röntgen-Schmitz. Die beiden wurden im November 2018 Eltern eines Sohnes und zogen um in ein Haus im Hamburger Speckgürtel, in der Nähe des Flughafens.

Soziales Engagement

2003 nahm Sasha zusammen mit Nena, Jasmin Tabatabai, Ben, Udo Lindenberg, Helge Schneider und Joachim Witt den von Nena 1989 geschriebenen Titel Wunder geschehen neu für den Red Nose Day 2003 auf ProSieben auf. Am 7. Juli 2007 trat er in Hamburg bei Al Gores Live Earth auf und am 22. August 2007 im Rahmen der Wassertage in Hamburg für Viva con Agua. Seit 2008 spielt Sasha regelmäßig im Rahmen des Benefiz-Spiels Kicken mit Herz im Team der FC St. Pauli Hamburg Allstars. Seit August 2013 unterstützt er die Aktion Schule ohne Rassismus - Schule mit Courage als Pate am Gymnasium Schwarzenbek in Schleswig-Holstein.

Diskografie

Studioalben

Filmografie

• 2007: Warum Männer nicht zuhören und Frauen schlecht einparken
• 2008: Ossi’s Eleven
• 2010: C.I.S. - Chaoten im Sondereinsatz
• 2011: Heiter bis tödlich: Hubert und Staller (Gastauftritt)
• 2011: Finding Brave - A True Story
• 2012: Das Hochzeitsvideo
• 2013: Bully macht Buddy
• 2022: Das Traumschiff: Lappland

Auszeichnungen

ECHO Pop

• 2000: in der Kategorie ?Newcomer national?
• 2002: in der Kategorie ?Videoclip national? (Here She Comes Again)
• 2004: in der Kategorie ?Best Artist?
• 2015: in der Kategorie ?Partner des Jahres? (Sing meinen Song - Das Tauschkonzert)

Bambi

• 1999: in der Kategorie ?Pop National?

Goldene Kamera

• 2001: in der Kategorie ?Pop national?

Deutscher Fernsehpreis

• 2014: für ?Beste Unterhaltung Show? (Sing meinen Song - Das Tauschkonzert)

Radio-Regenbogen-Award

• 2001: in der Kategorie ?Pop National?

RSH-Gold

• 1999: Erfolgreichster deutschsprachig produzierter Newcomer des Jahres 1998

1 Live Krone

• 2000: in der Kategorie ?Bester Künstler?
• 2001: in der Kategorie ?Bester Künstler?
• 2002: in der Kategorie ?Bester Künstler?

Bravo Otto

• 1998: Silber in der Kategorie ?Sänger?
• 1999: Silber in der Kategorie ?Sänger?
• 2000: Gold in der Kategorie ?Sänger?
• 2001: Silber in der Kategorie ?Sänger?

Comet

• 1999: in der Kategorie ?Newcomer National?
• 2004: in der Kategorie ?Künstler National? (als Dick Brave)

DVD Champion

• 2004: in der Kategorie ?Artistic Achievement Award? (als Dick Brave)

Goldene Europa

• 1999: in der Kategorie ?Newcomer National?

Literatur

• Julia Edenhofer: A Dedication to Sasha. Das inoffizielle Fanbuch über den neuen Superstar. Droemer Knaur, München 2002, ISBN 3-426-61620-3.
• Sasha Röntgen-Schmitz: If you believe. Die Autobiografie. Knaur, München 2021, ISBN 978-3-426-28606-7.

Weblinks

• Literatur von und über Sasha im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Sasha in der Internet Movie Database (englisch)
• Sashas Internetauftritt

Einzelnachweise

Frühes Leben

Rex Gildo wurde 1936 im niederbayrischen Straubing als viertes und jüngstes Kind eines Münchner Kaufmanns und dessen Frau geboren. Seine Urgroßmutter sei Italienerin gewesen, erklärte er seinen dunklen Teint.

Karriere als Schauspieler

Er arbeitete als Statist, bis er 1956 seine erste Nebenrolle an den Münchner Kammerspielen erhielt. Die Managerin Ada Tschechowa nahm ihn als Alexander Gildo unter Vertrag und verschaffte ihm seine erste Filmrolle in Immer wenn der Tag beginnt. 1958 erhielt er seine erste Hauptrolle neben dem damaligen Teenager-Idol Conny Froboess in dem Film Hula-Hopp, Conny. 1961 spielte er in der deutschen Fassung des Musicals My Fair Lady in Berlin die Rolle des Freddy. Insgesamt wirkte er in über dreißig Kino- und Fernsehfilmen mit.

Karriere als Sänger

Fred Miekley war in den 1950er Jahren maßgeblich an der Entdeckung Gildos beteiligt und betreute ihn bis zu seinem Tod im Jahre 1988 als Manager.

1959 erhielt er durch seinen späteren Produzenten Nils Nobach einen Vertrag bei der Plattenfirma Electrola und nahm den Künstlernamen Rex Gildo an. Seinen ersten musikalischen Erfolg unter dem neuen Namen hatte er Anfang 1960 mit dem Titel Sieben Wochen nach Bombay, der Platz 13 in den deutschen Charts erreichte. 1961, 1963, 1964 und 1966 erhielt er den Bronzenen Bravo Otto.

In den 1960er Jahren sang er Duette mit Conny Froboess, Vivi Bach oder Angèle Durand, der Ehefrau seines Produzenten. 1960 nahm er im Duett mit Durand und dem Lied Abitur der Liebe an der deutschen Vorentscheidung zum Grand Prix Eurovision de la Chanson teil. Besonders erfolgreich war er mit Gitte Hænning im Duo Gitte und Rex Gildo.

1969 nahm er erneut an der deutschen Vorentscheidung zum Grand Prix Eurovision de la Chanson teil, diesmal mit drei Titeln - wie seine beiden Mitstreiterinnen Siw Malmkvist und Peggy March: Die Juroren wählten aus Lady Julia, Festival der jungen Liebe und Die beste Idee meines Lebens letzteren Titel als Favoriten aus, der sich damit für die Finalrunde qualifizierte, dort aber keine Stimme erhielt. 1972 hatte er mit dem Lied Fiesta Mexicana seinen größten kommerziellen Erfolg. Weitere Top-10-Erfolge in den 70ern waren Marie, der letzte Tanz ist nur für dich und Der letzte Sirtaki.

1981 bekam er im ZDF eine Fernsehshow unter dem Titel Gestatten: Rex Gildo. Anfang der 80er Jahre gelangen ihm erneute Chart-Erfolge mit Liedern, die von Hanne Haller, Rex Gildos ehemaliger Produzentin, geschrieben wurden. 1985 produzierte Dieter Bohlen, auf Bitten von Egmont Lüftner von BMG-Ariola, mit Rex Gildo die Modern-Talking-Coverversion Du ich lieb’ dich (Original: Do You Wanna), die mit 5000 verkauften Singles kommerziell nicht erfolgreich war. Danach wechselte Gildo mehrfach die Plattenfirmen und hatte in Zusammenarbeit mit den Flippers-Produzenten Uwe Busse und Karlheinz Rupprich kleinere Erfolge wie Mexikanische Nacht oder Was ist schon eine Nacht.

In den 1990er Jahren hatte er mit Stücken wie Verrückt, verliebt und atemlos, Toujours Amour oder Bella Madalena mehrere kleinere Erfolge bei den Plattenfirmen Dino Music, Bellaphon, Koch Music und Ariola, die jedoch nicht an seine großen Hits aus den 1970er Jahren heranreichten. 1993 zeichnete der MDR die Show Fiesta Rexicana auf; es folgten Gastauftritte in Musiksendungen und Serien. Insgesamt hatte seine Popularität jedoch nachgelassen, und er trat nun vor allem auf Volksfesten und in Einkaufszentren auf; es wurde über Alkohol- und Medikamentenprobleme berichtet.

Privates und Tod

Rex Gildo war mit seiner Cousine Marion Hirtreiter verheiratet. Das Ehepaar hatte keine Kinder, trennte sich, blieb aber verheiratet. Angeblich handelte es sich um eine Scheinehe. Gildos sexuelle Orientierung ist bis heute Gegenstand zahlreicher Spekulationen. Bereits 1989 wurde er in der Publikation Leben, Lieben, Legenden von Hermann J. Huber als homosexuell aufgelistet. In einem filmischen Porträt von 2022 folgt der Regisseur Rosa von Praunheim dieser These, die in Interviews mit Kollegen und Weggefährten Gildos wie Gitte Hænning untermauert wird. Archivmaterial zeigt, dass schon der Schlagersänger Costa Cordalis zu Lebzeiten öffentlich über Gildos sexuelle Veranlagung sprach.

Seinen letzten öffentlichen Auftritt hatte er am 23. Oktober 1999 in Bad Vilbel in einem Möbelhaus vor 3000 Besuchern. Am Abend desselben Tages stürzte er aus einem Fenster im zweiten Stock seiner Münchner Wohnung. Drei Tage später starb Rex Gildo an den dabei erlittenen inneren Verletzungen. Aufgrund der Umstände und der Zeugenaussagen wird von Suizid ausgegangen. Er wurde auf dem Münchner Ostfriedhof an der Seite seines Managers Fred Miekley bestattet. Marion Hirtreiter wurde 2019 im selben Grab beigesetzt.

Auszeichnungen

• Bravo Otto
  • 1961: ?Bronze? in der Kategorie ?Sänger?
  • 1963: ?Bronze? in der Kategorie ?Sänger?
  • 1964: ?Bronze? in der Kategorie ?Sänger?
  • 1966: ?Bronze? in der Kategorie ?Sänger?
• Goldene Europa
  • 1968
• Goldene Stimmgabel
  • 1982, 1993, 1994, 1999
• Löwe von Radio Luxemburg
  • 1963: ?Silber? (Zwei blaue Vergissmeinnicht)
  • 1963: ?Bronze? (Vom Stadtpark die Laternen)
  • 1966: ?Bronze? (Augen wie zwei Sterne)
• Sonstige
  • Stern auf dem ?Walk of Fame Europe?

Diskografie

Studioalben

grau schraffiert: keine Chartdaten aus diesem Jahr verfügbar

Filmografie

Kino

Fernsehen (Auswahl)

Fernsehfilme und Fernsehserien

• 1958: Juchten und Lavendel (Fernsehmusical)
• 1960: Es geschah an der Grenze (Fernsehserie, Folge: Das Boot im Schilf)
• 1971: Die Blume von Hawaii (Fernsehfassung)

Dokumentationen

• 2003: Rex Gildo - Der Fall eines Schlagerkönigs. Zeppers Film & TV
• 2009: Legenden. Film von Ulrike Bremer. Staffel 10, Folge 4: Rex Gildo, Erstausstrahlung in der ARD am 29. Juni 2009

Verfilmung seiner Biografie

Rosa von Praunheim drehte das Dokudrama Rex Gildo - Der letzte Tanz (2022), das auf Gildos Biografie beruht.

Literatur

• Nessa Notedigo: Rex Gildo. Ein Leben zwischen Heimlichkeit und Applaus. Books On Demand, 2013. ISBN 978-3-7322-9170-0.
• Kay Weniger: Das große Personenlexikon des Films. Band 3: F - H. John Barry Fitzgerald - Ernst Hofbauer. Schwarzkopf & Schwarzkopf, Berlin 2001, ISBN 3-89602-340-3, S. 259 f.

Weblinks

• Rex Gildo - Der letzte Tanz In: ardmediathek.de; Video verfügbar bis 1. Juli 2023
• Medien von und über Rex Gildo im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Rex Gildo in der Internet Movie Database (englisch)
• Rex Gildo bei filmportal.de
• ARD-Sendung ?Legenden? über Rex Gildo
• Biografie auf steffi-line.de
• Rex Gildo bei MusicBrainz (englisch)

Einzelnachweise

Karriere

Musikalische Anfänge

Nach einigen erfolglosen Versuchen in seiner Heimat als Beat-Sänger und Elvis-Imitator siedelte Carpendale 1966 nach Europa über. Seine erste Station war das Vereinigte Königreich, wo er verschiedene Jobs annahm, unter anderem als Sänger in einer Beat-Band.

Die für ihn als Südafrikaner benötigte Aufenthaltserlaubnis beschaffte ihm die Wirtin Meta Rogall aus Norddeich, in deren Lokal er erstmals in Deutschland auftrat. Dies verschaffte ihm die Möglichkeit, weiter durch Lokale zu tingeln.

1966-1990: Plattenvertrag und Erfolge

Bei einem Gastspiel in Deutschland sprach Carpendale in Köln bei der Plattenfirma Electrola vor und bekam kurz darauf einen Vertrag. Seine erste Platte Lebenslänglich verkaufte sich etwa 60.000-mal. 1969 hatte er mit einer deutschen Coverversion des Beatles-Songs Ob-La-Di, Ob-La-Da seinen ersten Hit in Deutschland. Ein Jahr später belegte er mit Das schöne Mädchen von Seite Eins den ersten Platz beim Deutschen Schlager-Wettbewerb 1970.

Der weitere Erfolg blieb jedoch zunächst aus, seine weiteren Platten verkauften sich nur schlecht, und die Plattenfirma war kurz davor, den Vertrag mit ihm zu kündigen. Carpendale begann, seine Lieder selbst zu komponieren und zu produzieren. Ab 1974 kamen seine Eigenkompositionen wie Da nahm er seine Gitarre, Du fängst den Wind niemals ein und Nachts, wenn alles schläft auf den Markt, die kommerziell erfolgreich wurden. Zusammen mit seinem damaligen Gitarristen Joachim Horn schrieb er deutsche Texte zu bekannten ausländischen Liedern wie Los hombres no deben llorar/Love me like a stranger (Fremde oder Freunde), Lu-Le-La (Deine Spuren im Sand), Sitting on the Dock of the Bay (Armer alter reicher Mann), Ti amo oder Living Next Door To Alice (Tür an Tür mit Alice). Auch an dem Titellied Hurra, hurra, der Pumuckl ist da der TV-Kinderserie Meister Eder und sein Pumuckl war er neben Joachim Horn-Bernges und Ulrich König an Komposition und Text beteiligt. Zudem war er regelmäßig in den Fernseh-Musiksendungen ZDF-Hitparade und disco zu sehen. In ersterer hatte er 1984 ein Comeback mit einem seiner größten Hits, Hello Again. Das Lied wurde auf Platz zwei gewählt und er trat damit auch in der Jahresshow Superhitparade auf.

1991-2006: Musikalischer Rückzug

Nachdem im Februar 1991 sein Album Ganz nah auf Platz 8 in den Deutschen Albencharts kam, erschien im Mai 1992 das Studioalbum Mit viel, viel Herz, das sich in Deutschland auf Platz 19 platzierte und mit dem er auch in Österreich Platz 36 - das erste Mal seit 1984 - belegen konnte. 1994 hatte er mit dem Album Ich bin da einen weiteren Chart-Erfolg in Deutschland; er erreichte den 7. Platz. Das im März 1996 erschienene Album Kein Typ für eine Nacht brachte ihm hingegen keinen Erfolg, es konnte nur Platz 45 erlangen.

1999 hatte Carpendale einen kurzen Auftritt am Schluss des Videoclips zu Le Smou von den Fantastischen Vier. Selbstironisch spielt Carpendale hier Smudo, wie er sich selbst wahrnimmt, nachdem er nach einem Ausbruch und einigen Eskapaden in Freiheit wieder in die geschlossene Anstalt zurückgebracht und von seinen ?Fans? gefeiert wird.

2003 kündigte Carpendale seinen Rückzug aus dem Musikbusiness an. Am 13. Dezember 2003 trat er zu seinem letzten Konzert in der Kölnarena auf. Der bis dahin erfolgreiche Carpendale entschied sich, fortan keine Konzerte mehr zu geben und keine Platten mehr zu veröffentlichen. Nach eigenen Aussagen wollte er sich neuen Herausforderungen stellen, zum Beispiel der Schauspielerei. Bereits 1994 spielte er die Hauptrolle in der RTL-Serie Matchball, 2001 eine weitere Hauptrolle in der US-Serie Dark Realm.

2004 wurde Carpendale mit dem Echo für sein Lebenswerk geehrt. Im Sommer 2005 veröffentlichte seine erste Plattenfirma EMI Electrola seine kompletten LPs von 1969 bis 1990 als Doppel-CD.

Seit 2007: Comeback und weitere Karriere

Am 18. September 2007 erklärte Carpendale in der Johannes B. Kerner-Show, dass er ab April 2008 wieder zehn Konzerte in Deutschland geben werde. In Deutschland erschien am 2. November 2007 sein komplett neu eingespieltes Album 20 Uhr 10. Der Titel ist eine Anspielung darauf, dass Carpendale sich früher um diese Zeit im Allgemeinen immer auf der Bühne aufhielt und sein Konzert begann. Das Album platzierte sich schon in der ersten Woche auf Platz 4 der Mediacontrol-Charts. Im September 2009 folgte mit Stark ein weiteres Studioalbum, das Platz 2 und Goldstatus erreichte. 2011 veröffentlichte er Das alles bin ich, welches ebenfalls eine Goldauszeichnung bekam.

Im Februar 2012 spielte Carpendale in dem Fernsehfilm Lebe dein Leben als Jonathan Clark an der Seite seines Sohnes Wayne Carpendale eine Hauptrolle. Im Dezember 2012 gab Howard Carpendale bekannt, sich von seinem langjährigen Manager Dieter Weidenfeld einvernehmlich getrennt zu haben. Im Oktober 2013 erschien mit Viel zu lang gewartet das erste Studioalbum ohne sein altes Management und erzielte Platz 9 in den Deutschen Albumcharts. Mit dem im März 2015 veröffentlichten Album Das ist unsere Zeit konnte er erstmals seit 2009 wieder Platz 2 erreichen. Im Oktober 2016 war er in der Filmkomödie Unsere Zeit ist jetzt als Siggi auf der Kinoleinwand zu sehen. Im September 2017 kam das Album heraus Wenn nicht wir, welches sich wie die vorhergehenden Alben in den Top-Ten platzierte.

Im Oktober 2019 veröffentlichte er mit dem Royal Philharmonic Orchestra seine eingespielten musikalischen Erfolge auf seinem Album Symphonie meines Lebens, das 2020 mit einem zweiten Teil fortgeführt wurde. Im Januar 2020 erschien mit Wegen dir (Nachts wenn alles schläft) eine neue Version seines Hits Nachts wenn alles schläft im Duett mit Kerstin Ott. Im selben Jahr nahm er mit der Kölner Kult-Band Bläck Fööss den Song Bye Bye My Love auf, der anlässlich des 50-jährigen Bestehens der Band auf deren Jubiläumsalbum 5Ö - Das Jubiläumsalbum Bläck Fööss veröffentlicht wurde.

Privatleben

Howard Carpendale war 1963 südafrikanischer Jugendmeister im Kugelstoßen. Während seiner Zeit in Köln in den 1960er Jahren spielte Carpendale unter anderem in der Rugby-Bundesliga beim ASV Köln. In den 1970er Jahren betätigte er sich in Deutschland als Formel-3-Fahrer.

Carpendale lebte in erster Ehe von 1976 bis 1984 mit Claudia Carpendale, geborene Hertzfeld, zusammen. Die Scheidung erfolgte aber erst im Herbst/Winter 2005. Die beiden haben einen gemeinsamen Sohn, Wayne (* 1977). Seit 1983 lebt Carpendale mit der Amerikanerin Donnice Pierce zusammen. Am 12. März 2018 heirateten sie. Aus dieser Beziehung stammt der Sohn Cass (* 1988). Zusammen mit Donnice Pierce lebt Carpendale in München.

Im Februar 2003 gab Carpendale bekannt, dass er an Multipler Sklerose erkrankt sei; die Krankheit verläuft bei ihm allerdings weitgehend beschwerdefrei.

Diskografie

Studioalben

grau schraffiert: keine Chartdaten aus diesem Jahr verfügbar

Filmografie

• 1970: Musik, Musik - da wackelt die Penne (Kino)
• 1984: Niemand weint für immer (Kino)
• 1992: Wiedersehen in Kanada (Fernsehfilm)
• 1994: Matchball (Fernsehserie)
• 2012: Lebe dein Leben (Fernsehfilm)
• 2016: Unsere Zeit ist jetzt (Kino)

Auszeichnungen

• Die Eins der Besten
  • 2016: in der Kategorie ?Lebenswerk?
  • 2021: in der Kategorie ?Lebenswerk?
• ECHO Pop
  • 1993: in der Kategorie ?Schlager/Volksmusik Künstler National/International?
  • 1996: in der Kategorie ?Schlager/Volksmusik Künstler National/International?
  • 2004: in der Kategorie ?Lebenswerk?
• Goldene Europa
  • 1978, 1987
• Goldene Stimmgabel
  • 1981, 1984, 1986, 1987
• Live Entertainment Award
  • 2009: in der Kategorie ?Hallen- und Arena-Tournee des Jahres? (?20 Uhr 10?-Tour 2008)
• Löwe von Radio Luxemburg
  • 1974: ?Silber? (Du fängst den Wind niemals ein)

Literatur

• Howard Carpendale: Von oben sieht alles anders aus, Bastei Lübbe, Bergisch Gladbach 1989, ISBN 3785705646 (Autobiographie).
• Howard Carpendale, Stefan Alberti: Das ist meine Zeit - Aus dem Leben. Hannibal, KOCH International, Höfen 2016, ISBN 978-3-7081-0523-9.
• So ziemlich alles erreicht. In: Berliner Zeitung, 19. April 2008, Magazin

Weblinks

• Offizielle Homepage
• Howard Carpendale bei Musik-Sammler.de
• Howard Carpendale bei MusicBrainz (englisch)

Einzelnachweise

Leben

Schauspielkarriere

Erste schauspielerische Erfolge hatte Hasselhoff von 1975 bis 1982 in der US-amerikanischen Seifenoper The Young and the Restless, die in Deutschland unter dem Titel Schatten der Leidenschaft auf Sat.1 ausgestrahlt wurde, in der Rolle des jugendlichen Verführers Dr. Snapper Foster. 2010 übernahm er noch einmal 5 Gastauftritte in der gleichen Rolle. Promotion-Fotos in Lederjacke und schwarzer Badehose begründeten seinen Ruf als männliches Sexsymbol. 1979 trat er als Prinz Simon in einer italienischen Star-Wars-Kopie namens Star Crash - Sterne im Duell (Scontri stellari oltre la terza dimensione) auf.

Den weltweiten Durchbruch erreichte Hasselhoff als Michael Knight in Glen A. Larsons Serie Knight Rider (1982-1986). Die 1989 gestartete, 241 Folgen umfassende US-Fernsehserie Baywatch, die in den Vereinigten Staaten nach der ersten Staffel floppte, wurde 1991 von Hasselhoff als Produzent weitergeführt und erreichte weltweite Erfolge. Sie galt als die erfolgreichste Fernsehserie der Welt und wurde in 144 Ländern ausgestrahlt. In der Rolle des Rettungsschwimmers Mitch Buchannon war er der Hauptdarsteller der bis 2001 gedrehten Serie. Von 1995 bis 1997 wurden zusätzlich zwei Staffeln als Spin-off-Serie Baywatch Nights produziert, in denen er als Privatdetektiv tätig war.

1996 erhielt Hasselhoff einen Stern auf dem Walk of Fame in Hollywood.

Ab dem 16. Juli 2004 spielte Hasselhoff drei Monate die Hauptrolle des Billy Flynn in der Londoner Westend Produktion des Musicals Chicago. Einen großen Traum verwirklichte er sich, als er im Jahr 2000 am Broadway in New York im Musical Jekyll und Hyde die Hauptrolle übernahm. Im Film Voll auf die Nüsse von 2004 hat er einen kurzen Auftritt als Trainer der deutschen Nationalmannschaft. Außerdem hatte er 2004 einen Cameo-Auftritt im Spongebob-Kinofilm. Zwei Jahre später spielte er neben Adam Sandler eine Rolle in der Komödie Klick.

Außerdem hatte Hasselhoff 2008 einen Auftritt im Echtzeitstrategiespiel Command & Conquer: Alarmstufe Rot 3, in dem er gegen Ende der Alliierten-Kampagne zum Präsidenten der USA ernannt wird.

2009 saß Hasselhoff zudem in der Jury der Castingshow America’s Got Talent. Er war dort neben Piers Morgan und Sharon Osbourne ein ständiges Jurymitglied.

2011 spielte er im Kinofilm Hop - deutscher Titel Hop - Osterhase oder Superstar? - sich selbst.

Im Jahr 2013 nahm er an der Sat.1 Fernsehshow Promi Big Brother teil, verließ die Sendung jedoch bereits nach vier Tagen mit der Begründung, dass sein Vater erkrankt sei.

Hasselhoffs deutsche Synchronstimme war Andreas von der Meden, seit 2012 wird er zunehmend auch von Frank Muth und Ronald Nitschke gesprochen.

Musikkarriere

Nebenbei widmete sich Hasselhoff seinem Hobby Singen und Tanzen und veröffentlichte zwei in den Vereinigten Staaten wenig erfolgreiche Alben mit Liebesballaden: Night Rocker (1985) und Lovin’ Feelings (1987). Das Titellied der Seifenoper Nadia’s Theme wurde von Hasselhoff für das Album Lovin’ Feelings eingesungen. 1988 sang er in einer Fernsehshow, bei der das Auto aus der Fernsehserie Knight Rider auf der Bühne präsentiert wurde, ein Duett mit dem Schauspieler Harald Juhnke. Die beiden Alben Night Rocker und Lovin’ Feelings wurden 1989 in der Schweiz als ein Album (Knight Lover) wiederveröffentlicht und begründeten Hasselhoffs Erfolg in Österreich. Drei Titel aus dieser Zeit sind in der Knight-Rider-Episode Let it be me / Ich werd’ auf ewig dein Freund sein, in der Hasselhoff gemeinsam mit seiner ersten Frau auftritt, zu hören.

Durch einen Fernsehauftritt wurde die Schwiegermutter des deutschen Musikproduzenten Jack White (eigentlich Horst Nußbaum) auf David Hasselhoff aufmerksam und empfahl White eine Zusammenarbeit mit Hasselhoff. 1988 nahm Hasselhoff mit ihm zusammen das Lied Looking for Freedom auf, das nach einem Auftritt in der Fernsehsendung Wetten, dass..? am 4. März 1989 in Deutschland teilweise über 70.000 mal am Tag verkauft wurde und für acht Wochen den ersten Platz der Hitparade belegte. White und Hasselhoff nahmen daraufhin in Whites Studio in Kitzbühel das gleichnamige Album auf, das aber nur Platz 5 der Albumcharts erreichen konnte. Nach dem zunächst auf Österreich beschränkten Erfolg gelang ihm somit in Deutschland der Durchbruch als Sänger. Zu Silvester 1989 sang er Looking for Freedom an der Berliner Mauer vor über 500.000 Menschen. Er produzierte in den 1990er Jahren ein Album und mehrere Lieder für Jeremy Jackson.

Hasselhoffs Album The Night before Christmas platzierte sich im Dezember 2005 in den Top 100 der australischen Charts. Die Single Jump in My Car erschien 2006 und stieg in die australischen Top 50 Charts ein, außerdem war sie der höchste Neueinsteiger (Oktober 2006) in den UK-Charts (3. Platz). Jump in My Car sollte den Auftakt zur kommenden Welttournee bilden, deren Start ursprünglich bereits für Februar 2006 in Australien geplant war.

2015 veröffentlichte Hasselhoff mit dem Song True Survivor das Titellied zum Trashfilm Kung Fury, einer Parodie auf Kung-Fu-Filme aus den 1980er Jahren.

2017 steuerte er für den Soundtrack zu Guardians of the Galaxy 2 einen Song bei, in dessen Musikvideo die Schauspieler des Films auftraten.

Im September 2019 erschien das Album Open Your Eyes, auf dem er Rock-, Pop- und Countryhits coverte, so u. a. den Neil-Diamond-Song Sweet Caroline. Bei der Aufnahme der dreizehn Songs wurde er unterstützt von James Williamson, Elliot Easton, Steve Stevens, Al Jourgensen, Charlie Daniels und Patrick Moraz.

Im September 2021 veröffentlichte er das Studioalbum Party Your Hasselhoff das auf Anhieb Platz 4 der Album-Charts in Deutschland erreichte.

Insgesamt erhielt Hasselhoff weltweit über 45 Gold- und Platinauszeichnungen.

Kult

In den 1990er Jahren war Hasselhoff, oft nur ?The Hoff? genannt, der Star, der am häufigsten auf dem Cover der Jugendzeitschrift Bravo zu sehen war. Zudem gab es Markenschuhe, die den Namen Hasselhoff trugen.

Basierend auf dem legendären Auftritt an der Berliner Mauer 1989 entstand der häufig ironisch zitierte urbane Mythos, Hasselhoff habe ?mit seinem Gesang die Berliner Mauer zu Fall gebracht?. Hasselhoff hat dies wiederholt zurückgewiesen: ?Ich sollte das wohl ein für alle Mal klarstellen: Mit dem Mauerfall hatte ich nichts zu tun! Ich habe lediglich ein Lied gesungen, das den Menschen Hoffnung gegeben hat.?

Hasselhoff stand im Guinness-Buch der Rekorde als ?Most watched TV Star in history? (englisch für ?meistgesehener Star der Fernsehgeschichte?) und für den Rekord von 70 m im Reverse Bungeespringen (bei dem man von der Erde in die Luft katapultiert wird).

Hasselhoffs Name wird parodiert von den Foo Fighters in Long Road to Ruin. Dave Grohl spielt im Video den Schauspieler Davy Grolton, welcher als Hansom Davidoff Hauptdarsteller in der Seifenoper Long Road to Ruin ist.

In den USA ist bekannt, dass Hasselhoff in Deutschland zeitweilig erfolgreicher als in seiner Heimat war, was mehrfach karikiert wurde. Anspielungen darauf sind zum Beispiel in den Filmen Voll auf die Nüsse und Eurotrip zu sehen. Für 2019 wurde eine umfangreiche Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz mit 13 Auftritten bestätigt.

Persönliches

Die väterlichen Wurzeln Hasselhoffs liegen in Völkersen, rund 30 Kilometer südöstlich von Bremen. Meta Hasselhoff, eine Ur-Ur-Großmutter, siedelte 1865 mit ihrer Familie von Bremen nach Baltimore in die Vereinigten Staaten über. Seine anderen Ahnen mütterlicherseits stammten vorwiegend aus England. In den 1990er Jahren hatte er zeitweise einen Wohnsitz in Oberndorf in Tirol (bei Kitzbühel, wo sein Musikproduzent Jack White lebt).

Hasselhoff studierte am California Institute of the Arts. Er war von 1984 bis 1989 mit seiner Schauspielkollegin Catherine Hickland verheiratet. 1989 heiratete er die Schauspielkollegin Pamela Bach, mit der er zwei Töchter hat: Taylor-Ann (* 1990) und Hayley-Amber (* 1992). Seit dem 26. Juli 2006 ist die Ehe geschieden. Die Familie wohnte in Los Angeles, Kalifornien. Am 31. Juli 2018 heiratete Hasselhoff die 27 Jahre jüngere walisische Verkäuferin Hayley Roberts, die er sieben Jahre zuvor kennengelernt hatte. Seine im Herbst 2006 veröffentlichte Biographie Making Waves war das zweitmeistverkaufte Buch des Jahres 2006 in Großbritannien. 2007 erschien es in den USA.

2007 wurde auf der Internetplattform YouTube ein Video veröffentlicht, in welchem Hasselhoff volltrunken versuchte, einen Cheeseburger zu verspeisen. Das Video wurde von seiner Tochter Taylor-Ann angefertigt und war ausschließlich für den privaten Gebrauch bestimmt. Die Speicherkarte der Kamera wurde jedoch (von einer der Familie bekannten Person) gestohlen und das Video ohne Taylor-Anns Wissen veröffentlicht. Hasselhoff ließ 2009 durch einen Sprecher verlauten, dass er sich von seiner Alkoholsucht erhole.

Sonstiges

2010 wurde eine Krustentierart, die in der Tiefsee bei Thermalquellen nahe Antarktika entdeckt wurde, von britischen Wissenschaftlern an Bord der RRS James Cook mit dem Spitznamen Hoff Crab (Hoff-Krabbe) bedacht, und zwar wegen der am Bauch (ventral) dichtstehenden Borsten, die die Forscher an die behaarte Brust von Hasselhoff erinnerten.

Wegen seiner besonderen Beziehung zu Berlin und zum Mauerfall nahm Hasselhoff am 17. März 2013 an einer Demonstration gegen den geplanten Teilabriss der ehemaligen Mauer an der East Side Gallery in Berlin teil.

2017 war Hasselhoff in dem Kurzfilm It’s No Game zu sehen, dessen Textpassagen von einer Künstlichen Intelligenz geschrieben wurden. Hasselhoff zitiert hier diverse Textbausteine aus Baywatch und Knight Rider.

Filmografie (Auswahl)

Fernsehserien

Spielfilme

Videospiele

• 2009: Command & Conquer: Alarmstufe Rot 3 als Vizepräsident der USA
• 2016: Call of Duty: Infinite Warfare als DJ (Zombies in Spaceland) (Stimme)

Diskografie

Studioalben

Auszeichnungen (Auszug)

• 1985-2005: 43 Gold- und Platin-Platten
• 1983: People’s Choice Award als Beliebtester Schauspieler
• 1986: Bravo Otto Bronze als Bester Fernsehstar männlich
• 1988: Bravo Otto Gold als Bester Fernsehstar männlich
• 1989: Bravo Otto Gold als Bester Fernsehstar männlich und Bravo Otto Silber als Bester Sänger männlich
• 1990: Bravo Otto Gold als Bester Fernsehstar männlich, Bravo Otto Silber als Bester Sänger männlich, Goldener Löwe und Goldene Europa
• 1991: Bravo Otto Gold als Bester Fernsehstar männlich und Bravo Otto Silber als Bester Sänger männlich
• 1992: RSH-Gold als Deutschproduktion männlich
• 1992: Bravo Otto Silber als Bester Sänger männlich und Bravo Otto Bronze als Bester Fernsehstar männlich
• 1993: Bravo Otto Silber als Bester Sänger männlich und Club Ehren Löwe
• 1996: Stern auf dem Hollywood Walk of Fame
• 2005: Bollywood Movie Award als Internationaler Star des Jahres
• 2006: VH1 Award zum besten Comeback des Jahres 2006
• 2010: red! Star-Award für seine Selbstironie
• 2013: Goldene Himbeere: Nominierung als schlechtester Nebendarsteller in Piranha 2
• 2016: International Emmy Award für die beste Comedyserie Hoff the Record

Dokumentarfilme

• Being David Hasselhoff. Regie: Oliver Schwabe, 51 Min., Deutschland 2019.

Hörbücher

• 2019: Up Against the Wall, Audible Original

Literatur

• David Hasselhoff: Wellengang meines Lebens. Die Autobiografie. (Originalausgabe: Making Waves). Aus dem Englischen von Kirsten Borchardt. Edition Koch, Höfen 2010, ISBN 978-3-7081-0511-6.

Weblinks

• David Hasselhoff in der Internet Movie Database (englisch)
• Offizielle Website von David Hasselhoff (englisch)

Einzelnachweise

Nachdem er Ende der 1960er Jahre mit Bands und Musikern wie den City Preachers und Peter Herbolzheimer eine Karriere als Schlagzeuger begonnen hatte, konzentrierte er sich mit Beginn der 1970er Jahre zunehmend auf Gesang und das Schreiben eigener Titel. Als einer der ersten Rockmusiker präsentierte er Texte in deutscher Sprache und verhalf damit der deutschsprachigen Rockmusik in Westdeutschland zum Durchbruch. Seitdem entwickelte sich Lindenberg kontinuierlich zu einer führenden und prägenden Persönlichkeit in der deutschen Musikszene, und seine Tonträger erzielten vielfach Gold-Status. Mit seinem 34. Studioalbum Stark wie Zwei stand er 2008 im Alter von 62 Jahren zum ersten Mal in seiner Karriere auch an der Spitze der deutschen Charts.

In den 1980er Jahren widmete sich Lindenberg neben seinem musikalischen Schaffen zunehmend dem Thema innerdeutsche Beziehungen. Trotz großer Bemühungen blieb es ihm jedoch verwehrt, mit seinem Panikorchester in der DDR aufzutreten - abgesehen von einem überwachten Auftritt, der 1983 vor ausgewähltem FDJ-Publikum im Ost-Berliner Palast der Republik stattfand. Eine für 1984 bereits geplante Tournee wurde von der Staatsführung der DDR wieder abgesagt. Später kam es zu einem medienwirksamen Austausch von Geschenken, als Lindenberg 1987 Erich Honecker eine Lederjacke schickte, von diesem im Gegenzug eine Schalmei erhielt und Honecker schließlich anlässlich dessen ersten Besuchs in der Bundesrepublik Deutschland eine mit dem Slogan ?Gitarren statt Knarren? beschriftete E-Gitarre überreichte.

Seit den 1990er Jahren tritt Lindenberg auch als Maler in Erscheinung. Einer ersten Ausstellung 1996 folgten zahlreiche weitere, unter anderem 2005 mit dem Titel Keine Panik. Udo Lindenbergs bunte Republik im Haus der Geschichte in Bonn. Seine Werke fanden zunehmend Beachtung und befinden sich unter anderem im deutschen Bundeskanzleramt. Im Jahr 2010 gab das Bundesministerium der Finanzen zwei von ihm gestaltete Sondermarken heraus.

Lindenberg erhielt für sein Gesamtwerk zahlreiche Auszeichnungen. Er lebt seit 1968 überwiegend in Hamburg. Seit Juli 2016 ist er Ehrenbürger seiner Geburtsstadt Gronau/Westfalen, seit September 2022 Ehrenbürger von Hamburg.

Jugend

Udo Lindenberg wurde als Sohn von Hermine und Gustav Lindenberg, einem Installateur, geboren und wohnte bis zu seinem 15. Lebensjahr in Gronau (Westf.). Er hat drei Geschwister, den älteren Bruder Erich Lindenberg (1938-2006), der Maler war, sowie die jüngeren Zwillingsschwestern Erika und Inge Lindenberg.

Bereits in seiner Kindheit zeigte sich bei Lindenberg ein ausgeprägtes Rhythmusgefühl, und er nahm jede Gelegenheit zu trommeln wahr. Sein erstes Schlagzeug bestand lediglich aus Benzinfässern. Mit 15 Jahren begann er eine Ausbildung zum Kellner im Düsseldorfer Hotel Breidenbacher Hof und spielte in Altstadtkneipen als Schlagzeuger. In einem Interview schilderte er seinen ursprünglichen Lebenstraum, als Kellner auf den Kreuzfahrtschiffen dieser Welt anzuheuern (Zitat: ?Mein Traum waren immer die dicken Pötte?).

Es folgten unstete Jahre, die ihn über Norddeutschland und Frankreich nach Libyen führten. Er bekam Kontakte zu Jazzmusikern wie Gunter Hampel. 1963/1964 spielte er, erst 17-jährig, mit Gerold Flasse und anderen Musikern ein Jahr lang nahe Tripolis in Clubs eines US-amerikanischen Luftwaffenstützpunktes, der Wheelus Air Force Base - heute der Mitiga International Airport. Nach seiner Rückkehr begab er sich zunächst in seiner Heimatstadt Gronau in therapeutische Behandlung, um die Erlebnisse in Libyen zu verarbeiten. Anschließend begann er ein Studium an der Westfälischen Schule für Musik in Münster. Dort spielte er mit Steffi Stephan in der Band Die Mustangs (auch: Nico und die Mustangs) und half auch in Stephans Band Birds aus. Nach dem Wehrdienst als Kanonier bei der Raketenartillerie in Wesel ging Lindenberg 1968 nach Hamburg, wo er noch im gleichen Jahr Schlagzeuger der Gruppe City Preachers wurde, der ersten Folk-Rock-Band Deutschlands. Mit Jean-Jacques Kravetz und Hannelore Mogler verfolgte er in der Formation Kravetz und Lindenberg erstmals eigene musikalische Ambitionen. Ihre Plattenaufnahmen wurden von Kravetz unter dem schlichten Titel Kravetz veröffentlicht.

Karriere

1970er Jahre

Im Jahr 1969 gründete Lindenberg zusammen mit Peter Herbolzheimer die Band Free Orbit, mit der im Oktober 1970 seine erste Langspielplatte (LP) erschien (Lindenberg: Schlagzeug, Gesang bei sechs der zehn Titel). Außerdem arbeitete er zu dieser Zeit als Studio- und Gastmusiker, zum Beispiel bei Michael Naura und Knut Kiesewetter. Seine Qualitäten als Schlagzeuger ermöglichten Lindenberg 1970 in München eine Zusammenarbeit mit dem Jazz-Saxophonisten Klaus Doldinger. Bei Doldingers Formation Motherhood und auf dem Debütalbum der von Doldinger gegründeten Formation Passport spielte Lindenberg Schlagzeug. Auch bei der von Doldinger komponierten Titelmusik der ARD-Fernsehserie Tatort wirkte Lindenberg als Schlagzeuger mit. Die erste LP der Jazzrockformation Emergency, für die Lindenberg trommelte, war 1971 kein kommerzieller Erfolg. Als Schlagzeuger wirkte er auch an den beiden ersten Platten von Niagara mit.

Die LP Lindenberg (ebenfalls 1971 und noch englisch gesungen, mit Steffi Stephan am Bass) floppte ebenfalls. Im Jahr darauf erschien die erste deutschsprachige LP Daumen im Wind (produziert von Udo Lindenberg und Thomas Kukuck, die auch die nächsten fünf Alben zusammen produzierten), von der gerade mal 7000 Stück verkauft wurden; der Titel Hoch im Norden wurde jedoch als B-Seite der Single Sommerliebe in Norddeutschland ein Hit im Radio und machte Lindenberg überregional bekannt. Nach einer Tournee als Schlagzeuger der Band Atlantis brachte 1973 das nach dem 1956 gesunkenen Passagierschiff Andrea Doria benannte Album Andrea Doria mit den Hits Alles klar auf der Andrea Doria und Cello den kommerziellen Durchbruch; das Album verkaufte sich über 100.000 Mal. Lindenberg bekam recht schnell den ersten Millionenvertrag eines deutschsprachigen Rockmusikers. Im Einerlei der deutschen (insbesondere der deutschsprachigen) Musik zu Beginn der 1970er Jahre nahm Lindenberg eine Sonderstellung ein: Zwischen international ausgerichtetem Krautrock und Schlagern fand er eine Nische. Rockmusik auf Deutsch hatten vor ihm zwar auch schon Bands wie Ihre Kinder aus Nürnberg oder Ton Steine Scherben mit ihrem Sänger Rio Reiser produziert, doch die waren zu dieser Zeit vorwiegend politisch und sprachen eher ein Nischenpublikum an.

Lindenbergs schnoddrige Art, alltägliche Geschichten zu erzählen (Bei Onkel Pö ?), und sein nuanciertes Sprachgefühl waren dagegen bis dahin ungehört. In der Folge profitierten zahlreiche Musiker von Lindenbergs Pionierarbeit. So bekamen zum Beispiel Stefan Waggershausen und Marius Müller-Westernhagen ihre ersten Plattenverträge. Über die Urheberschaft der Sprüche Lindenbergs gab es später eine außergerichtliche Einigung mit dem langjährigen Saxophonisten Olaf Kübler. Lindenberg ging 1973 erstmals mit seinem ?Panikorchester? auf Tournee. Es folgten zahlreiche weitere Platten und Tourneen. Lindenberg erfand in diesen Jahren viele seiner Kunst- und Kultfiguren wie Rudi Ratlos, Elli Pyrelli und Bodo Ballermann.

Im Jahr 1975 erschien Lindenbergs erstes Buch Albert Alptraum bis Votan Wahnwitz. Auf dem Album Ball Pompös gelang es ihm, in seinen Liedtexten mit Wortwitz zeitgeistige Gesellschaftserscheinungen pointiert auf den Punkt zu bringen. Ein Beispiel hierfür ist das Lied Leider nur ein Vakuum, das bestimmte Verhaltensweisen der Jugendkultur satirisch beleuchtet. Riskante Spiele thematisiert Alkoholismus sowie Medikamenten- und Drogenmissbrauch, ohne dabei moralisch den Zeigefinger zu erheben. Auch im Nachfolgealbum Votan Wahnwitz wechseln die Liedtexte zwischen Ernst und Witz und werden durch einfallsreiche musikalische Strukturen überhöht. Beispiele hierfür sind die Lieder Der Malocher und Elli Pyrelli.

Das Jahr 1976 wurde für Udo Lindenberg zu einem seiner produktivsten. Neben der LP Galaxo Gang erschien unter dem Pseudonym ?Das Waldemar Wunderbar Syndicat? I make you feel good, eine erste Best of Panik Udo und die erste in einer Reihe von fremdsprachigen Veröffentlichungen: No Panic, auf der Lindenberg seine Lieder auf Englisch intoniert. Im gleichen Jahr (und auf einer weiteren LP: Sister King Kong) artikulierte Lindenberg in dem Lied Rock ’n’ Roll Arena in Jena zum ersten Mal die Forderung nach einer ?Panik-Tournee? durch die DDR. 1976 ?entdeckte? Lindenberg auch Ulla Meinecke und produzierte ihre ersten beiden Alben. Sie war als Gast und Songschreiberin auf der 1977er LP Panische Nächte und der 1978 erschienenen Dröhnland Symphonie zu hören. Auf Lindenbergs Rock Revue (1978) coverte er zusammen mit Horst Königstein Klassiker des Rock ’n’ Roll (von Little Richard über die Beatles bis zu den Rolling Stones) mit deutschen Texten und ging danach auf Tournee.

Die folgende ?Dröhnland-Symphonie?-Tour wurde von Peter Zadek als Show mit großer Bühne, Multimedia und einer Vielzahl an kostümierten Statisten inszeniert. Als Ergebnis entstand Lindenbergs erstes Livealbum Livehaftig. Darauf befindet sich eine Coverversion des Songs We Gotta Get Out of This Place von Eric Burdon, mit dem Lindenberg 1979 durch Deutschland tourte. Im selben Jahr erschien mit Der Detektiv die zweite Rock-Revue, auf der weitere deutsche Coverversionen internationaler Hits wie Candle in the Wind von Elton John, Born to Be Wild von Steppenwolf, My Little Town und As Time Goes By (aus dem Film Casablanca) zu finden sind.

Udo Lindenberg bewohnte in Hamburg-Winterhude die ?Villa Kunterbunt? im Rondeel 29, in der er zeitweise auch mit Otto Waalkes und Marius Müller-Westernhagen in einer WG lebte. Lindenbergs Alliterationen inspirierten Waalkes zu Figuren wie Harry Hirsch, Susi Sorglos und anderen.

1980er Jahre

1980 produzierte Lindenberg den Film Panische Zeiten, in dem er neben Karl Dall, Hark Bohm und Eddie Constantine als Schauspieler in einer Doppelrolle (als Detektiv Coolman und er selbst) zu sehen war. Die gleichnamige Platte erschien im selben Jahr, und auf der Tour gastierte Helen Schneider. 1981 erschien neben der Single Wozu sind Kriege da?, einem Duett mit Pascal Kravetz, dem zehnjährigen Sohn des Panikorchester-Pianisten, ein weiteres Buch Rock und Rebellion - ein panisches Panorama. Die LP Udopia wurde aufwendig und vielseitig zwischen hartem Rock und Chanson in Nassau und New York produziert.

Nach der ausgedehnten Tour mit Inga Rumpfs Reality erschien Anfang 1982 das Doppel-Livealbum Intensivstationen mit Mitschnitten der 1980er und 1981er Touren. Das letzte Album 1982 für seine langjährige Plattenfirma Teldec ist gleichzeitig das ungewöhnlichste. Keule wird auch als Lindenbergs Punkalbum betitelt. Neben minimalistischen Arrangements (Körper), brachialem Rock (Gesetz) und Texten voll beißender Gesellschaftskritik fällt vor allem das Cover mit Lindenberg als haarigem Neandertaler aus dem Rahmen. An den Aufnahmen für das Album waren auch die US-amerikanischen Musiker George Lynch (Gitarre), Juan Croucier (Bass) und Mick Brown (Schlagzeug), alle drei seinerzeit Mitglieder der Band Dokken, beteiligt. 1983 übernahm Lindenberg neben Renan Demirkan und unter der Regie von Adolf Winkelmann die Hauptrolle im Film Super.

1983 wurde das Lied Sonderzug nach Pankow aus der LP Odyssee, eine Adaption von Harry Warrens Chattanooga Choo Choo, sein bis dahin größter kommerzieller Erfolg und löste eine Diskussion in der Regierung der DDR aus, da Lindenberg deutlich den Wunsch äußerte, in der DDR auftreten zu dürfen (?All die ganzen Schlageraffen dürfen da singen??). Bereits 1979 hatte Udo Lindenberg in einem Radiointerview des SFB seinen Wunsch zu einem Auftritt in der DDR vorgetragen, der aber vom Chefideologen Kurt Hager des SED-Politbüros intern strikt abgelehnt wurde. In den folgenden vier Jahren hatte sich das Meinungsbild aber derart verschoben, dass Kurt Hager umgestimmt wurde.

Am 25. Oktober 1983 durfte Udo Lindenberg schließlich doch im Palast der Republik in Ost-Berlin auftreten. Sein 15-minütiger Auftritt dort wurde vom DDR-Geheimdienst, dem Ministerium für Staatssicherheit, umfangreich überwacht. Zum 30-jährigen Jubiläum dieses Ereignisses veröffentlichte die Stasi-Unterlagen-Behörde im Oktober 2013 eine 108-seitige Dokumentation. Reinhold Beckmann, der das Ereignis als Tonassistent eines Kamerateams erlebte, produzierte mit Falko Korth den einstündigen Dokumentarfilm Die Akte Udo Lindenberg, der 2015 ausgestrahlt wurde.

Danach feierte Lindenberg im Westen sein zehntes Bühnenjubiläum in der ausverkauften Berliner Waldbühne. Die Tournee 1984 durch die DDR wurde trotz bereits geschriebener Hymne Hallo DDR! auf der 1984er LP Götterhämmerung von der dortigen Regierung abgesagt. ?hnlich erging es im gleichen Jahr der Gruppe BAP.

Götterhämmerung überraschte ebenso wie der Vorgänger Odyssee durch neue Sounds. Disko-Funk (Commander Superfinger) verbindet sich dort mit schnoddrigen Texten mit hohem Aktualitätsbezug. Sie brauchen keinen Führer bezieht deutlich Stellung zum Thema Neonazis. 1985 konnte Lindenberg nach ausgedehnter Sündenknall-Tournee (LP im Frühjahr mit einer Coverversion von Ich brech’ die Herzen der stolzesten Frau’n) in Moskau auftreten. Bei diesem Konzert sang er das Stück Wozu sind Kriege da im Duett mit der bekannten russischen Sängerin Alla Pugatschowa. Sie änderte in ihrer Strophe die Textzeile ?Und ich fürchte mich in diesem Atomraketenwald? ab in ?Ich fürchte mich in diesem Wald aus westlichen Raketen? (Ja bojus w lesu is sapadnych raket), so zu hören auf der LP Radio Eriwahn, deren A-Seite neue Studiotracks (Moskau) und die B-Seite Livemitschnitte aus den Moskauer Konzerten enthält.

1986 starb Gabi Blitz, die Wegbegleiterin und Privatsekretärin Lindenbergs und des Panikorchesters an einer Überdosis Drogen. Lindenberg widmete ihr die Ballade Horizont (?Ein Paar wie Blitz und Donner??) und landete damit einen weiteren großen Hit.

Das dazugehörige Album Phönix ist weitgehend elektronisch dominiert und enthält (unter der Regie von Horst Königstein) vor allem Vertonungen von Texten von Bertolt Brecht und Lieder von Friedrich Hollaender in modernen Versionen. Die Nachfolge von Gabi Blitz übernahm 1987 Tom DeLuxe als Lindenbergs Tourneesekretär. Später folgte Udos Freund aus Gronau Herm Eiling. Zur Zeit der Wende und danach war Erwin Hilbert Lindenbergs Privatsekretär und Berater. Später übernahm Arno Köster die Aufgaben eines Sekretärs.

1987 schenkte Lindenberg Erich Honecker anlässlich dessen erstem Besuch in der Bundesrepublik Deutschland in Wuppertal neben einer zuvor bereits postalisch übersandten Lederjacke eine E-Gitarre mit der Aufschrift ?Gitarren statt Knarren? und erhielt im Gegenzug eine Schalmei. Diese kam auf der Hymne auf den ?Generalsekretär? vom Album Feuerland zum Einsatz. Die E-Gitarre war in einer retrospektiven Udo Lindenberg-Wanderausstellung zu sehen, die beispielsweise 2012 im Jagdschloss Augustusburg bei Chemnitz und 2015 im Porsche-Museum in Stuttgart gastierte. Die Lederjacke wurde für 7500 DDR-Mark an den ?VEB Jugendmode? in Rostock versteigert und befindet sich im Kulturhistorischen Museum Rostock. Für seine erste Tournee durch die DDR musste Lindenberg dennoch bis nach dem Mauerfall warten. Im Juni 1988 trat er zusammen mit zahlreichen Musikern, zum Beispiel Michael Jackson, Pink Floyd und Nina Hagen, beim Rockkonzert vor dem Reichstagsgebäude in West-Berlin auf. 1988 erschien in der Sowjetunion das Album ????? ?????? ?????/Songs Instead of Letters, das auf der einen LP-Seite vier Lieder der Künstlerin Alla Pugatschowa und auf der anderen Seite fünf Lieder von Lindenberg enthält.

1988 widmete Lindenberg seiner Mutter Hermine die gleichnamige Platte, auf der er als Chansonnier Lieder aus der Zeit von 1929 bis 1988 intonierte. Auf dieser Platte findet sich auch die letzte Tonaufnahme von Marlene Dietrich; aufgenommen 1987 in ihrer Pariser Wohnung, die sie seit Jahren nicht mehr verlassen hatte, wurden die Bänder zu Lindenberg gebracht, der in einem nahen Café wartete. Auf Hermine finden sich neben Eigenkompositionen wiederum Lieder von Friedrich Hollaender, Theo Mackeben und Texte von Erich Kästner. Lindenberg setzte diese Tradition später mit der LP Gustav (seinem Vater gewidmet), dem Belcanto-Album und seiner Atlantic-Affairs-Revue fort. Auf der folgenden Feuerland-Revue 1988 prallten die Chansons und der harte Rock des Panikorchesters aufeinander. Danach ging man erst einmal getrennte Wege.

Das folgende Album CasaNova wurde komplett in London eingespielt und verzichtete größtenteils auf Rock zugunsten von Balladen und Schlüpfrigem (Klavierlehrerin, Dirty Old Man). Die englischsprachige Version wurde 2018 in dem Boxset Das Vermächtnis der Nachtigall 1983-1998 veröffentlicht. 1989 stellte Lindenberg mit El Panico seine erste Autobiografie vor. Kieran und Lukas Hilbert aus Tostedt, als Gäste bereits 1988 mit auf Tour, traten dem Panikorchester bei. Die Brüder übernahmen, unter dem Management ihres Vaters Erwin Hilbert, mit Trommler Jean Autret, Karl Allaut und Hendrik Schaper für mehrere Jahre die musikalische Begleitung Lindenbergs. Sie (ko-)produzierten zum Beispiel das Album Bunte Republik Deutschland, das pünktlich zum Mauerfall und nach einem überstandenen Herzinfarkt im November 1989 erschien.

1990er Jahre

Im Januar 1990 konnte Lindenberg mit dem neuen Panikorchester im Zuge der politischen Wende erstmals auf Tournee durch die DDR gehen. Als Ergebnis wurde Live in Leipzig auf LP und Video gebannt. Für das Album Ich will dich haben (1991) (mit Kompositionen von Annette Humpe und Inga Humpe) erhielt Lindenberg abermals eine goldene Schallplatte. Lukas Hilbert wurde eine Zeit lang sein ?musikalischer Direktor?. Dessen Vater Erwin Hilbert wirkte bei insgesamt zehn Lindenberg-Alben als Textberater und Studiosekretär mit. Lindenberg produzierte Lukas Hilberts erstes Soloalbum. In rascher Abfolge erschien weiter Album auf Album. Der große Erfolg blieb jedoch aus. Erste Videos liefen auf VIVA, so zum Beispiel:

• Und ewig rauscht die Linde (1996), das rau und rockig und - im Gegensatz zu den Vorgängeralben - ?dancefloorfrei? produziert wurde von Franz Plasa (Echt/Selig) und die Wiedervereinigung des ?alten? Panikorchesters auf der folgenden Tour mit sich brachte.
• Belcanto, auf dem Lindenberg alte Hits und neue Lieder und das Deutsche Filmorchester Babelsberg im Chanson-Stil der 1920er und 1930er Jahre zueinander bringt.
• You can’t run away, einer neuen Version des Lindenberg-Songs No Future, zusammen mit Freundeskreis und produziert von 3P

Am 25. Januar 1992 fertigte er im Rahmen des Rockmarathons zur Rettung von Jugendradio DT64 einen Sonderzug nach Pankow, der von Fans aus Sachsen zur Fahrt von Leipzig nach Berlin gemietet war, ab.

Neben seinen musikalischen Tätigkeiten trat Lindenberg auch zunehmend als Maler in Erscheinung. 1996 hatte er seine erste Ausstellung, viele weitere folgten. Im Dezember 2002 stellte er, inspiriert und koordiniert von Erwin Hilbert, seinen Bilderzyklus Die 10 Gebote in der Hamburger St.-Jacobi-Kirche aus. Nach der am 29. April 2005 eröffneten Ausstellung im Haus der Geschichte in Bonn folgten in Zusammenarbeit mit den Galerien Walentowski Ausstellungen seiner Werke in Werl (Eröffnung am 6. November 2005) und Dresden (18. Februar 2006). Als Vernissage der Walentowski-Galerie Udo Lindenberg & more in der neuen Europa Passage, Hamburg, begann diese mit einer Udo-Lindenberg-Ausstellung. Zudem erschienen Bildbände über Lindenbergs Werke. Arbeiten des ?Strichers aus St. Pauli?, wie er sich ab und zu selbst bezeichnet, befinden sich im Kanzleramt und im Haus der Geschichte. Seine Likörelle - Malereien, eingefärbt mit alkoholischen Getränken - sind ebenso skurril wie der Ejakulator, wo mithilfe eines Schlagzeugs die Leinwand vollgespritzt wird.

2000er Jahre

Musikalisch machte Lindenberg 2002 mit seiner Revue Atlantic Affairs wieder auf sich aufmerksam. Er interpretierte Lieder von deutschen Exilanten aus den 1920er, 1930er und 1940er Jahren. Auf dem Album gastierte neben Yvonne Catterfeld und den Prinzen auch Helge Schneider mit einem Saxofonsolo. Der dazugehörige Film (mit Horst Buchholz) lief in der ARD und die Show (mit Otto Sander und Ben Becker) führte die Band auch für zwei Konzerte nach China. Das Album Panikpräsident aus dem Jahr 2003 enthielt Neuaufnahmen alter Songs, eingespielt vom Panikorchester in aktueller Besetzung, darunter Duette mit Peter Maffay und Nena (auf Horizont). 2004 ging Udo Lindenberg aus Anlass seines 30. Bühnenjubiläums mit dem Motto ?Aufmarsch der Giganten? auf Tournee. Gäste waren Nina Hagen, Peter Maffay und erneut Eric Burdon. Die Konzerte folgten chronologisch seinem musikalischen Werdegang; eine DVD davon wurde veröffentlicht. 2004 erschien auch die Autobiografie Udo Lindenberg Panikpräsident, die enthüllt, warum Lindenberg seit Anfang der 1980er Jahre seinen Hut als Markenzeichen trägt und kultiviert - eine verärgerte Geliebte hatte ihm in Brasilien mit dem Messer eine Narbe zugefügt - und dass Nena eine seiner zahlreichen Lieben war. Die Autobiografie erschien zudem als von Ben Becker gesprochenes Hörbuch. RTL widmete Lindenberg in der Porträtreihe Absolut eine eigene Show, in der er unter anderem mit Yvonne Catterfeld auf der Bühne stand.

Zum 60. Geburtstag im Jahr 2006 und nach dem Erscheinen weiterer Best-Of-Produktionen (Damenwahl mit einer Auswahl zum Teil unveröffentlichter Duette mit Kolleginnen) erhielt er Ende des Jahres die 1 Live Krone für sein Lebenswerk. Lindenberg trat dabei zusammen mit Silbermond, Max Herre und Jan Delay auf. Letzteren unterstützte Lindenberg auf seinem Album Mercedes Dance im Lied Im Arsch; im dazugehörigen Video mimte Lindenberg den ?Paten?.

2006 wurde Lindenberg damit beauftragt, die Künstler-Ausgabe der Jubiläums-Edition Meyers Großes Taschenlexikon zu gestalten und den Einband aller 24 Bände - zuzüglich einem Band mit der Lexikon-DVD - zu illustrieren. Jeder einzelne Band zeigt ein anderes Motiv auf dem Buchumschlag und als Besonderheit ergeben alle 25 Buchrücken zusammen in geordneter Reihenfolge das Gesamtkunstwerk ?Die Menschenfamilie?. Udo Lindenberg über diese Arbeit: ?Die Menschenfamilie ist ein Panoptikum bunter und skurriler Zeitgenossen. Farbenfroh, detailreich und voller neuer Perspektiven.? Im März 2011 folgte eine zweite, ausstattungsgleiche Auflage dieser Künstleredition mit 999 Exemplaren - diesmal veröffentlicht als Brockhaus Taschenlexikon.

2007 spielte Lindenberg in dem Musikvideo Vom selben Stern von Ich + Ich mit.

Das Album Stark wie Zwei erschien am 28. März 2008 bei Warner Music/Starwatch Music. Es war das erste reguläre Studioalbum von Lindenberg seit dem Jahr 2000. Als erste Single-Auskopplung wurde der Titel Wenn Du durchhängst am 22. März vorab veröffentlicht. Auf dem Album arbeitete Lindenberg unter anderem mit den Künstlern Annette Humpe, Jan Delay, Silbermond, Till Brönner und Helge Schneider zusammen. Produzent war Andreas Herbig. Das Album, das von den Fans wie von der Kritik sehr gut aufgenommen wurde, stieg direkt nach Erscheinen auf Platz 1 der Media-Control-Charts ein und war damit Lindenbergs erstes Album, das diese Position erreichte. Auch er selbst zeigte sich in Interviews immer wieder überrascht über dieses herausragende Echo. Insgesamt erreichte das Album Doppelplatin; bisher wurden rund 630.000 Alben verkauft.

2010er Jahre

Am 1. Juli 2010 gab das Bundesministerium der Finanzen zwei von Udo Lindenberg gestaltete Sondermarken heraus: die im Rahmen der Serie Aktuelles erscheinenden Motive zu 45 und 55 Eurocent Andrea Doria und Sonderzug nach Pankow. Auf beiden Marken hat Lindenberg auch sich selbst karikaturistisch dargestellt. Das Honorar für die Gestaltung spendete Lindenberg für die Udo-Lindenberg-Stiftung. Angelehnt an die Gestaltung der Sondermarken vermarktete die Deutsche Post als sogenannte Premium Kartonage zwei Packsets der Größen S (Sonderzug nach Pankow) und M (Andrea Doria), die Lindenbergs Lebensgefährtin Tine Acke grafisch mitgestaltete.

Am 13. Januar 2011 hatte das Musical Hinterm Horizont mit Liedern Lindenbergs in Berlin im Theater am Potsdamer Platz Premiere. Der Handlung liegt die Liebesgeschichte zwischen ihm und dem besungenen Mädchen aus Ostberlin zugrunde.

Am 3. Juni 2011 absolvierte Udo Lindenberg im Hamburger Kampnagel ein über dreistündiges MTV-unplugged-Konzert. Das entsprechende Album MTV Unplugged - Live aus dem Hotel Atlantic, für das Andreas Herbig, Henrik Menzel und Peter ?Jem? Seifert musikalische Leitung, Arrangement und Produktion verantworteten, wurde bereits nach drei Monaten mit fünffach Gold ausgezeichnet für 500.000 verkaufte Einheiten, später mit dreifach Platin für 600.000 verkaufte CDs. Mittlerweile wurde es über eine Million Mal verkauft.

In der Wetten, dass..?-Sendung vom 5. November 2011 sang er zusammen mit Clueso und Gästen eine umgeschriebene Version des Songs Mein Ding zu Ehren von Thomas Gottschalk. Auf Jagdschloss Augustusburg bei Chemnitz war vom 18. August bis 11. November 2012 die von Lindenbergs Freund und Kurator Manfred Besser gestaltete Ausstellung ?Udo. Die Ausstellung? zu sehen. Sie war dem Gesamtwerk des Musikers und Künstlers Udo Lindenberg gewidmet und zeigte in vierzehn Räumen mehr als 500 Exponate von Lindenberg. Zuvor war die Ausstellung auf Schloss Neuhardenberg und im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg zu Gast.

Nach 2010 veranstaltete die Reederei TUI Cruises 2014 mit Udo Lindenberg ein drittes Mal eine Rockliner betitelte Kurzkreuzfahrt, auf der er mit Gästen auftrat. Im Juni 2014 gab Lindenberg in Düsseldorf und in Leipzig jeweils zwei ausverkaufte Stadion-Konzerte mit 45.000 Besuchern pro Konzert. Am 25. März 2015, 32 Jahre nach Veröffentlichung von Sonderzug nach Pankow, einem Titel mit der Melodie des Chattanooga Choo Choo, fuhr Lindenberg tatsächlich im U-Bahn-Zug der BVG aus West-Berlin in den Osten der Stadt nach Pankow.

Im Rahmen der Panikparty 2015 trat Lindenberg 2015 in der hannoverschen HDI-Arena, im Berliner Olympiastadion und in der Frankfurter Commerzbank-Arena auf. Vom 1. Februar bis zum 12. April 2015 fand im Porsche-Museum die Sonderausstellung Porsche. Panik. Power statt, bei der Exponate aus der Privatsammlung Lindenbergs ausgestellt wurden. Zur Eröffnung dieser ihm gewidmeten Ausstellung gab er ein Konzert.

Gleichzeitig mit Ankündigung seines neuen Studioalbums erschien Ende Februar 2016 die Singleauskopplung Durch die schweren Zeiten als MP3-Download. Am 29. April wurde das Album Stärker als die Zeit veröffentlicht, das wie das Vorgängeralbum die Spitzenposition der deutschen Charts erreichte. Auf der anschließenden Livetour 2016 trat Lindenberg u. a. in den großen Stadien und Hallen von Leipzig, Hamburg, Hannover, München und Frankfurt am Main auf.

Zum 70-jährigen Jubiläum der überregionalen Tageszeitung Die Welt erschien am 2. April 2016 eine von Lindenberg illustrierte Sonderausgabe.

Anfang Juli 2018 gab Lindenberg in Hamburg auf Kampnagel (K6) drei Unplugged-Konzerte, die am 14. Dezember 2018 unter dem Titel MTV Unplugged 2 - Live vom Atlantic veröffentlicht wurden. Begleitet wurde Lindenberg vor der Kulisse zweier großer Segelschiffe von einer siebenköpfigen MTV Unplugged-Band, den ?Pustefix-Bläsern?, dem ?Panik-Chor?, Mitgliedern des NDR Elbphilharmonie-Orchesters und Gästen wie Jan Delay (Hoch im Norden), Andreas Bourani (Radio Song), Gentleman (Kleiner Junge), Alice Cooper (No More Mr. Nice Guy [So’n Ruf musste dir verdienen]), Marteria (Bananenrepublik 2018), Maria Furtwängler (Bist Du vom KGB 2018), The Last Bandoleros (Cowboy Rocker) und Angus & Julia Stone (Durch die schweren Zeiten [I’ll Carry You]). Das Panikorchester war an drei Liedern beteiligt.

Am 19. März 2018 eröffnete Udo Lindenberg die Dauerausstellung ?Panik City? am Spielbudenplatz nahe der Reeperbahn. Präsentiert wird in den Ausstellungsräumen die sogenannte ?Udo Lindenberg Experience?, eine interaktive Ausstellung über Lindenbergs Leben. Neben Videos und Ausstellungsstücken kann der Besucher in einem nachgestellten Tonstudio selbst Mein Ding aufnehmen und mit Tablets Likörelle malen.

Das Museum der bildenden Künste in Leipzig zeigte vom 6. September bis 1. Dezember 2019 die Ausstellung Zwischentöne/Nuances von Udo Lindenberg.

2020er Jahre

Mitte Januar 2020 wurde die Filmbiografie Lindenberg! Mach dein Ding veröffentlicht, in der der Beginn der Karriere Lindenbergs im Fokus steht. Die Regie übernahm Hermine Huntgeburth, die Hauptrolle spielt Jan Bülow, als Mutter ist Julia Jentsch zu sehen.

Nachdem Lindenberg den Deutschrapper Apache 207 begeistert auf einem seiner Konzerte in Mannheim besucht hatte, nahmen sie zusammen das Lied Komet auf. Nach der Veröffentlichung im Januar 2023 erreichte Lindenberg als Leadsänger zum ersten Mal in seiner 54-jährigen Karriere die Spitze der deutschen Singlecharts. Im April 2023 wurde der Song mit dem Platin-Award ausgezeichnet.

Liedtexte

Lindenbergs Texte umfassen ein breites Spektrum. Die Lieder handeln sowohl von gesellschaftlichen als auch privaten und zwischenmenschlichen Themen. Dabei bedient er sich einer metaphernreichen Sprache und versteht es, Geschichten mit treffenden Worten zu erzählen. Der Autor Benjamin von Stuckrad-Barre bezeichnete Lindenberg als ?größten deutschen Nachkriegslyriker? und initiierte eine Schallplatte, auf der Prominente wie Bryan Adams und Elke Heidenreich Lindenberg-Texte vorlesen (Poesiealbum, 2004).

Wolfgang Müller von der Artpunkband Die Tödliche Doris sagte: ?Lindenbergs erste beiden Platten gehören zum Besten, das je in der deutschen Sprache getextet wurde.? Rio Reiser äußerte sich hingegen wie folgt: ?Was ich von Anfang an nie mochte, war diese sogenannte Szenensprache, die teilweise sowas von blöde ist, die auch kein Mensch spricht - Gott sei Dank. Das soll irgendwie proletarisch sein, so locker - mein Gott, strengt der Mensch sich an, locker zu sein.?

Lindenberg setzte sich seit Ende der 1960er Jahre mit den politischen Themen seiner Zeit auseinander. Viele seiner Lieder, wie Wozu sind Kriege da, sind Ausdruck seiner pazifistischen Weltsicht. Er bezog zu Beginn der 1980er Jahre Stellung gegen die Stationierung von Pershing-II-Mittelstreckenatomraketen in der Bundesrepublik sowie SS-20-Raketen in der DDR und äußerte sich sowohl bei dem Konzert Rock für den Frieden in der DDR als auch bei Auftritten auf Friedensdemonstrationen in West-Deutschland.

Er kritisierte die Umweltzerstörung im Stück Grande Finale sowie soziale Missstände und wirtschaftliches Ungleichgewicht zwischen Nord und Süd in dem Lied Kleiner Junge. In den Liedern Lady Whisky und Mit dem Sakko nach Monaco (?Ich fiel direkt vom Himmel auf ein Doppelkornfeld?, als Metapher für seine Geburt) beschrieb er seine eigenen Alkoholprobleme. Gleichzeitig wies Udo Lindenberg auch auf die belebende Wirkung von legalen und illegalen Rauschmitteln hin. So heißt es beispielsweise in dem Song Nasses Gold aus dem Jahr 2008: ?So manche hohe Wissenschaft, Symphonien und höhere Sphären/ Wären nicht entstanden, wenn die Kollegen immer nur nüchtern geblieben wären.? Liebe und Beziehung sind weitere Themen, die in seinen Texten viel Raum einnahmen, wie in Sie liebten sich gigantisch und Cello. Gleichzeitig übte der Sänger Kritik am digitalen Zeitalter, in dem jedes menschliche Gefühl von rationalen Profitgedanken geprägt sei, wie in dem Lied Der Deal, das er zusammen mit Stefanie Kloß, der Sängerin von Silbermond, aufgenommen hat.

Begleitmusiker

Das Panikorchester ist die Band von Udo Lindenberg und damit der ?harte Kern? neben vielen anderen Künstlern, die zeitweise an den Auftritten und Produktionen beteiligt waren und sind. Als Gründungstag wird der 13. August 1973 angegeben, als in Emsdetten das erste Konzert mit der Band stattfand. Nach anderer Darstellung fand das erste Konzert der Band im Kolping-Haus in Telgte statt. Seitdem hat das Panikorchester allerdings immer wieder personelle Veränderungen erlebt. Von den ursprünglichen Gründungsmitgliedern (Steffi Stephan - Bass, Gottfried Böttger - Klavier, Peter ?Backi? Backhausen - Schlagzeug, Karl Allaut - Gitarre, Judith Hodosi - Saxophon) ist heute nur noch Steffi Stephan dabei. Bereits in den ersten anderthalb Jahren stiegen erst Hodosi und wenig später Backhausen und Allaut aus.

Als Nachfolger kamen Olaf Kübler sowie die beiden Gitarristen Helmuth Franke und Thomas Kretschmer, die schon vor 1973 als Studiomusiker an Lindenbergs Platten beteiligt gewesen waren. Nach weiteren Um- und Neubesetzungen (u. a. Keith Forsey - Schlagzeug, Roger Hook - Gitarre) stießen 1976 Jean-Jacques Kravetz (Klavier, seit 1973 mit im Studio) und Bertram Engel (Schlagzeug) dazu, die noch heute mit Lindenberg aktiv sind. Im gleichen Jahr kam auch Gitarrist Paul Vincent (bis 1979 - komponierte die Titelmelodie zu Auf Achse) dazu und Gottfried Böttger verließ endgültig die Band. Auch Frank Diez lieferte Ende der 1970er Jahre musikalische Unterstützung (Der Detektiv - Rock Revue 2). In den 1980er Jahren entwickelte sich das Panikorchester mit dem Eintritt von Hannes Bauer (Gitarre, dabei seit der ?Heizer?-Tour 1980), Hendrik Schaper (Keyboards, dabei seit der ?Odyssee?-Tour 1983) und Carl Carlton (Gitarre, seit 1986) schließlich zu der heute noch (bzw. wieder) bestehenden Besetzung.

Die Studio-LPs aus der Zeit haben zwar meistens das Panikorchester im Untertitel, eingespielt wurden die Alben jedoch zum großen Teil von einer ganzen Reihe (wechselnder) Studiomusiker. Spätestens seit Odyssee (1983) begann Lindenberg mit verschiedenen Sounds zu experimentieren. Die LPs wurden poppiger und elektroniklastiger. Drumcomputer und Synthesizer ersetzten herkömmliche Instrumente. Live rockte dann allerdings auf den opulenten Tourneen, darunter auch in der UdSSR, das von Lindenberg so titulierte ?Orchester Gnadenlos? - Ausnahme: beim Anti-WAAhnsinns-Festival 1986 musste BAP als Panikorchester herhalten. Zum Bruch kam es nach der 1988er Feuerland-Revue. Das Album Radio Eriwahn war das letzte Album in den 1980er Jahren, auf dem das Panikorchester namentlich erwähnt wurde.

Lindenberg widmete sich (zusammen mit den Produzenten Horst Königstein, Hans Peter und Ernst Ströer) Pfaden abseits des Rock’n’Roll (zu hören auf Hermine, Phönix und CasaNova). Gründungsmitglied Steffi Stephan stieg vorläufig aus, um sich seinem Jovel-Club in Münster zu widmen. Engel, Carlton und Kravetz spielten in der Band von Peter Maffay. Die beiden erstgenannten waren außerdem noch mit Wolfgang Niedecken (als Leopardenfell-Band) und bei Stephan Remmlers ?Vamos?-Tour und mit ihrer eigenen Band New Legend aktiv. 1988 traten bei der ?Feuerland-Revue? die damals 12 und 14 Jahre alten ?Paniksöhne? Kieran und Lukas Hilbert, Bekannte und Mitmusiker von Pascal Kravetz, als Gäste auf. Um die ?Paniksöhne? an Gitarre und Bass und Hendrik Schaper formierte sich Anfang 1990 für die erste Tournee durch Ostdeutschland eine nahezu komplett neue Besetzung. Es spielten Jean Autret (Schlagzeug), Frank Oberpichler (Klavier) und noch einmal ?Veteran? Karl Allaut (Gitarre) extrem dreckigen Rock’n’Roll (zu hören auf Live in Leipzig).

In den Folgejahren gab es weitere Umbesetzungen (u. a. mit Curt Cress am Schlagzeug). 1996 fand die ?alte? Band (also die Besetzung aus den 1980er Jahren) wieder zusammen und tourte durch zehn deutsche Städte. Bei dieser Kernbesetzung blieb es bis heute. Während der folgenden Tourneen wurde sie von Orchesterbegleitung und verschiedenen Gastmusikern unterstützt. Die meisten Plattenproduktionen erfolgten weiter ohne die Band (Und ewig rauscht die Linde 1996 mit Musikern aus dem Umfeld von Franz Plasas Home-Studio in Hamburg), wobei die eigentlichen Bandmitglieder häufig als (Co-)Produzenten und/oder Komponisten beteiligt sind (Der Exzessor 2000).

Seit 2000 ersetzte Jörg Sander - Studiomusiker u. a. für Tokio Hotel, Kim Wilde, Melanie C, Melissa Etheridge - zeitweilig Carl Carlton an der Gitarre. 2004 wurde Jörg Sander festes Mitglied. Auf der CD Stark wie zwei war Sander auch als Co-Autor aktiv (Mein Ding, Der Deal). Die Mitglieder des aktuellen Panikorchesters sind auf der DVD Stark wie zwei von 2008 zu sehen.

Aktuelle Besetzung:

• Steffi Stephan - Bass/Gitarre (1971-1988, wieder seit 1996)
• Jean-Jacques Kravetz - Klavier (1973-1988, wieder seit 1996)
• Bertram Engel - Schlagzeug (1976-1988, wieder seit 1996)
• Hannes Bauer - Gitarre (1980-1988, wieder seit 1996)
• Hendrik Schaper - Keyboard/Klavier (seit 1983)
• Jörg Sander - Gitarre (seit 2000)
• Pustefix-Bläser: Noah Fischer, Jotham Bleiberg, Ulrich Röser, Doris Decker

Weitere frühere Bandmitglieder und Studiomusiker:

Neben den Musikern waren bzw. sind eine Vielzahl weiterer Akteure, Darsteller und Stargäste an den Platten und Liveauftritten beteiligt:

• Orchester

Peter Herbolzheimer (1975/76, 1988), Münchner Philharmoniker (1987), Deutsches Filmorchester Babelsberg (1997, 2000)

• Stargäste (live)

1970er: Jutta Weinhold, Romy Haag, Eric Burdon, Ingeburg Thomsen, Ulla Meinecke, Otto Waalkes

1980er: Helen Schneider, Inga Rumpf, Gianna Nannini, Dalbello, Alla Pugatschowa, Eric Burdon, Nina C. Alice

1990er: Ina Morgan, Die Prinzen, Sezen Aksu, Katja Keller, Nina Hagen, Ben Becker, Otto Waalkes, Esther Ofarim

seit 2000: Nina Hagen, Helge Schneider, Peter Maffay, Ben Becker, Otto Sander, Otto Waalkes, Tim Fischer, Dorkas Kiefer, Yvonne Catterfeld, Nathalie Dorra, Ellen ten Damme, Jan Delay, Josephin Busch, Stefan Raab

• Bühnenakteure (überwiegend 1970er Jahre):

Renate Dahlke (?Elli Pyrelli?), Peter Arff (?Rudi Ratlos?, Violine), Thomas Scholz (?Felix?), Ralph Hermann (Vampir), Jack Ford (Pantomime), Otto Wanz (Catcher), Klaus Kauroff (Catcher), Eddy Kante (Bodyguard), Arno Köster (Barkeeper und Lokomotive), Berliner Panikgemeinde (Lindenberg-Doubles)

Persönliches

Udo Lindenberg ist ein politisch aktiver Mensch. Er bekennt sich zur Sozialdemokratie und trat schon auf einer Geburtstagsfeier des ehemaligen deutschen Bundeskanzlers Gerhard Schröder auf. Er engagierte sich für die Afrikahilfe bei seiner Mitwirkung beim deutschen Beitrag Nackt im Wind für das Projekt Live Aid sowie mit dem Benefiz-Song für Afrika Grüne Mauer. Immer wieder ist er an Projekten gegen den Neonazismus beteiligt und gründete 2000 sein Projekt Rock gegen rechte Gewalt.

Am 10. Dezember 2006 gründete er die Udo-Lindenberg-Stiftung, um sich dauerhaft kulturpolitisch, humanitär und sozial zu engagieren und um Hermann Hesses Dichtkunst mit Musik von heute zu verbinden. Die Stiftung fördert deutschsprachige Nachwuchsbands mit regelmäßigen Panikpreis-Wettbewerben, veranstaltet das Hermann-Hesse-Festival und unterstützt soziale Projekte in Afrika sowie in Deutschland.

Seit 2015 unterstützt Udo Lindenberg die Umweltschutzorganisation Greenpeace als Botschafter für den Schutz der Arktis und im Kampf gegen die Klimakrise. Greenpeace begleitet den Sänger seitdem regelmäßig auf Tour - mit Infoständen von Greenpeace-Aktivisten und Bühnenauftritten der beiden Eisbärkonstruktionen Paula und Nanuk. 2020 kritisierte Udo Lindenberg in einem gemeinsam mit Greenpeace produzierten Video Clemens Tönnies für die Zustände in dessen Fabriken und rief zur Unterzeichnung eines offenen Briefes gegen Billigfleisch an Landwirtschaftsministerin Julia Klöckner auf.

Er wohnt seit Mitte der 1990er Jahre im Hotel Atlantic in Hamburg-St. Georg. Im März 2020 zog er wegen der Corona-Pandemie vorübergehend aus. Seit 2012 hat er einen Zweitwohnsitz am Potsdamer Platz in Berlin. 1989 erlitt Lindenberg einen Herzinfarkt.

Oft hat er mit anderen Künstlern gemeinsame Projekte gestaltet, so mit Ulla Meinecke, Die Prinzen, Nena, Zeus B. Held (ex Birth Control) oder Freundeskreis, Lukas Hilbert, Mellow Mark, Jan Delay, aber auch mit ausländischen Kolleginnen wie Alla Pugatschowa (Russland) oder Sezen Aksu (Türkei). Er trat mit internationalen Künstlern wie Eric Burdon, Helen Schneider, David Bowie, Alexis Korner und Gianna Nannini auf.

Lindenberg ist seit Ende der 1990er Jahre mit der Fotografin Tine Acke liiert.

In dem 2018 bei Kiepenheuer & Witsch erschienenen Buch Udo von Udo Lindenberg und Thomas Hüetlin wird der Tod des Bruders, Erich Lindenberg, im Jahr 2006 als entscheidender Wendepunkt im Leben von Lindenberg beschrieben.

Zitat zu Udo Lindenberg

Diskografie

Studioalben

grau schraffiert: keine Chartdaten aus diesem Jahr verfügbar

Lindenberg als Schauspieler

Einen ersten Gastauftritt hatte er im Tatort Kneipenbekanntschaft (1974). Hauptrollen besetzte er in den Filmen Panische Zeiten (1980) und Super (1984). 2006 spielte er in der Filmkomödie 7 Zwerge - Der Wald ist nicht genug das ?Trugbild? des Rumpelstilzchens. Im Film Totgesagte leben länger (2008) war er als Straßenmusikant zu sehen. 2021 spielte er im Tatort Alles kommt zurück sich selbst.

Auszeichnungen

• 1960: ?Nordwestdeutsches Jazz-Jamboree?: 1. Preis als Schlagzeuger
• 1989: Bundesverdienstkreuz am Bande für seine Bemühungen um die Verständigung zwischen Ost und West
• 1992: Echo (Lebenswerk)
• 1993 und 1997: Goldene Stimmgabel
• 2000: Goldene Europa
• 2003: Paul-Lincke-Ring
• 2004: Frankfurter Musikpreis
• 2004: Goldene Henne ?Rockpoet der Einheit?
• 2004: ?Pioneers of Pop?-Award auf dem SWR3 New Pop Festival
• 2005: Kultur- und Friedenspreis der Villa Ichon in Bremen
• 2006: 1 Live Krone (Lebenswerk)
• 2007: Carl-Zuckmayer-Medaille
• 2008: Osgar
• 2009: Goldene Kamera für sein musikalisches Lebenswerk
• 2009: Echo für den besten Künstler in der Kategorie ?Künstler National Rock/Pop?
• 2009: Berliner Bär (B.Z.-Kulturpreis)
• 2010: Verdienstorden des Landes Nordrhein-Westfalen
• 2010: Jacob-Grimm-Preis als eine Kategorie des Kulturpreises Deutsche Sprache.
• 2010: Bambi (Lebenswerk)
• 2012: Echo in den Kategorien ?Künstler National Rock/Pop? und ?Erfolgreichste Musik-DVD-Produktion (national)?
• 2012: Deutscher Radiopreis - Sonderpreis des Beirats Lebenswerk Musik
• 2014: Verdienstorden des Landes Berlin
• 2015: Echo (Würdigung für soziales Engagement)
• 2015: Goldene Henne (Ehrenpreis Größte Live-Show)
• 2016: Munich Olympic Walk of Stars
• 2016: Hermann-Hesse-Medaille der Stadt Calw
• 2016: Bambi in der Kategorie Musik National
• 2017: Echo in der Kategorie Album des Jahres
• 2017: Echo in der Kategorie Künstler Pop National
• 2019: Bundesverdienstkreuz 1. Klasse

Der Vorplatz des Gronauer Rock’n’popmuseums wurde nach Udo Lindenberg benannt (Udo-Lindenberg-Platz). Außerdem erhielt Udo Lindenberg einen eigenen Stern (?Walk of Fame?), eingelassen im Gehweg der Hamburger Reeperbahn vor dem (ehemaligen) Café Keese. Am 3. März 2007 wurde unter großer Anteilnahme von Bürgern, Presse, Fans und Freunden eine zu Ehren der ?Rocklegende? von der ?Berliner Panikgemeinde? gestiftete und an seinem Geburtshaus angebrachte ?26-Karat-Goldplatte? (O-Ton Lindenberg) feierlich durch den Künstler enthüllt. In seiner Geburtsstadt Gronau wurde Lindenberg 2015 mit einem Denkmal gewürdigt und am 26. Juli 2016 zum Ehrenbürger ernannt. Am 7. September 2022 wurde er Ehrenbürger von Hamburg.

Trivia

• Als erste Schule Deutschlands trägt seit Juni 2017 die Mittelschule in Mellrichstadt in Unterfranken offiziell den Namen Udo-Lindenberg-Schule: Udo Lindenberg stehe seit Jahrzehnten für Werte wie Toleranz, Respekt, Frieden und eine bunte Gesellschaft ein - Werte, die den Schülern vermittelt werden sollen.
• Im November 2014 wurde bei Lindenberg kurz vor seinem Abflug nach Paris am Hamburger Flughafen eine Schusswaffe samt Munition in seinem Koffer gefunden. Im November 2015 erhob die Staatsanwaltschaft Hamburg Anklage gegen Lindenberg, da sie seine Behauptung, die Waffe gehöre seinem Bodyguard-Team, für unglaubwürdig hielt.
• 2011 wurde Lindenberg neben Til Schweiger, Veronica Ferres, Alice Schwarzer, Philipp Lahm u. a. für die Werbekampagne Ihre Meinung zu Bild?? gewonnen und war in der bundesweiten Plakatkampagne der Bild zu sehen.
• Der Filmtitel des Roadmovies Bis zum Horizont und weiter aus dem Jahr 1999 von Peter Kahane ist eine Anspielung auf die Ballade Horizont - das Lied ist im Abspann des Films zu hören.
• Wie im November 2019 bekannt wurde, haben Forscher das Typusexemplar der im Allgäu neu entdeckten fossilen Menschenaffenart Danuvius guggenmosi auf den Namen ?Udo? getauft. Den Unterkiefer des Primaten entdeckten die Wissenschaftler am 17. Mai 2016 - Lindenbergs 70. Geburtstag.

Markenrechte

Udo Lindenberg war bzw. ist der Inhaber folgender eingetragener Marken:

• Panik-Orchester (Registernummer 1051464, Anmeldetag 2. September 1982, ausgelaufen am 2. September 2002)
• LIKÖRELL (Registernummer 39746502, Anmeldetag 30. September 1997, Schutzendedatum 30. September 2027)
• LIQUEURELLE (Registernummer 39746503, Anmeldetag 30. September 1997, Schutzendedatum 30. September 2027)
• Atlantic Affairs (Registernummer 30220446, Anmeldetag 23. April 2002, Schutzendedatum 30. April 2022)
• Ejakulator (Registernummer 30640709, Anmeldetag 30. Juni 2006, Schutzendedatum 30. Juni 2026)
• Wort-/Bildmarke ROCK LINER (Registernummer 302009036055, Anmeldetag 20. Juni 2009, Schutzendedatum 30. Juni 2029)
• Hinterm Horizont geht’s weiter (Registernummer 302009069255, Anmeldetag 25. November 2009, Schutzendedatum 30. November 2029)
• Hinterm Horizont (Registernummer 302009072358, Anmeldetag 9. Dezember 2009, Schutzendedatum 31. Dezember 2029)
• Rock Liner (Wort-Bildmarke, Registernummer 302010013329, Anmeldetag 5. März 2010, Schutzendedatum 31. März 2020)
• Panikpiraten (Registernummer 302010021468, Anmeldetag 9. April 2010, Schutzendedatum 30. April 2030)
• Woddy Wodka (Registernummer 302011009731, Anmeldetag 17. Februar 2011, Schutzendedatum 28. Februar 2031)
• Panik (Registernummer 302012012256, Anmeldetag 1. Februar 2012, Schutzendedatum 28. Februar 2022)
• Panikorchester (Registernummer 302012012257, Anmeldetag 1. Februar 2012, Schutzendedatum 28. Februar 2022)
• Keine Panik! (Aktenzeichen 3020160127798, Anmeldetag 29. April 2016, Schutzendedatum 30. April 2026)
• PANIK CITY (Aktenzeichen 3020160153632, Anmeldetag 30. Mai 2016, Schutzendedatum 31. Mai 2026)
• Udo Lindenberg (Aktenzeichen 3020160153632, Anmeldetag 14. Mai 2019, Schutzendedatum 14. Mai 2029)
• Wort-/Bildmarke PANIK DRINK (Aktenzeichen 018069600, Anmeldetag 20. Mai 2019, Schutzendedatum 20. Mai 2029)
• Wort-/Bildmarke PANIK COLA (Aktenzeichen 018069602, Anmeldetag 20. Mai 2019, Schutzendedatum 20. Mai 2029)

Literatur

• Uwe Birnstein: Alles klar, Udo Lindenberg. Wie der Panik-Rocker den Frieden besingt, Gott interviewte und hinter den Horizont blickt. Verlag Neue Stadt, München 2022, ISBN 978-3-7346-1293-0. (Auch als Hörbuch, gelesen vom Autor, ISBN 978-3-7346-1297-8)
• Ulrike Albers und Johannes Saurer: Udo Lindenberg - Keine Panik, die Legende lebt (Comic-Band), Moisburg 2020, ISBN 978-3-00-066484-7.
• Stephan Kurenbach: UDOgraphie - Die ultimative Lindenberg-Diskographie. Heel-Verlag, Königswinter 2019, ISBN 978-3-95843-935-1. 
• Udo Lindenberg, Thomas Hüetlin: Udo. Autobiografie. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2018, ISBN 978-3-462-05077-6.
• Benjamin von Stuckrad-Barre: Udo Fröhliche! Das Lindenberg-Lexikon von Alkohol bis Zigarre. Axel Springer, Berlin 2016, ISBN 978-3-942656-98-6
• Benjamin von Stuckrad-Barre: Panikherz. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2016, ISBN 978-3-462-04885-8.
• Udo rockt für den Weltfrieden. Das Konzert von 1983 in den Stasi-Unterlagen. (PDF) Bundesbeauftragter für die Stasi-Unterlagen, Berlin 2013, 108 S.
• Bildband Udo Lindenberg - Ich mach mein Ding. Fotografien von Tine Acke. Schwarzkopf und Schwarzkopf, Berlin 2012, ISBN 978-3-86265-156-6.
• Holger Zürch: Panik pur 2. 40 Jahre Udo Lindenberg. 2007 bis 2011 - eine Bilanz. Selbstpublikation über Engelsdorfer Verlag, Leipzig 2012, ISBN 978-3-86268-729-9.
• Lexikonreihe: Künstlerausgabe Udo Lindenberg 2006 als Meyers Großes Taschenlexikon und gestaltungsgleich 2011 als Brockhaus Taschenlexikon, ISBN 978-3-577-07400-1
• Bernd Kauffmann: Sonderzug nach Pankow. Theater der Zeit, Berlin 2011, ISBN 978-3-942449-41-0.
• Thomas Freitag: Udo Lindenberg und der Osten. Neues Leben, Berlin 2011, ISBN 978-3-355-01788-6.
• Herbert Schulze, Torsten Wahl: Udo Lindenberg ?Wir wollen doch einfach nur zusammen sein?. Eine deutsch-deutsche Rockromanze. Mitteldeutscher Verlag, Halle (Saale) 2011, ISBN 978-3-89812-845-2.
• Bildband Udo Lindenberg - Stark wie Zwei 2007-2010. Fotografien von Tine Acke. Schwarzkopf und Schwarzkopf, Berlin 2010, ISBN 978-3-89602-990-4.
• Karsten Kilian: Vor dieser Marke zieh ich den Hut. In: Absatzwirtschaft 9/2010, S. 92-94. (Udo-Lindenberg-Hommage)
• Holger Zürch: Panik pur. 35 Jahre Udo Lindenberg - Die Bilanz. Mit einem Vorwort von Heinz Rudolf Kunze. Leipzig 2007, ISBN 3-86703-318-8 sowie 2. Auflage als Taschenbuch-Ausgabe, Leipzig 2009, ISBN 3-86901-522-5.
• Benjamin von Stuckrad-Barre, Moritz von Uslar: Am Trallafiti-Tresen; Das Werk von Udo Lindenberg in seinen Texten. Europäische Verlagsanstalt, Hamburg 2008, ISBN 978-3-434-50617-1.
• Udo Lindenberg, Herbert Schnierle-Lutz (Hrsg.): Mein Hermann Hesse - Ein Lesebuch. Suhrkamp, Frankfurt am Main 2008, ISBN 978-3-518-46017-7.
• Udo Lindenberg: Rock’n’Roll und Rebellion - Ein panisches Panorama. Mit einem Vorwort von Bazon Brock, EVA, Hamburg 2007, ISBN 978-3-434-50613-3 - Erstausgabe mit Maxi-Single erschienen 1981.
• Lutz Solarek: ?Lindianisch für Einsteiger? - ein erste Aufarbeitung des Lindenberg-Wortschatzes. S(C)le-Verlag. 2006 in Lizenz als 32-seitiges Booklet bei Universal in der Doppel-CD Panik mit Hut
• Ingo Grabowsky, Arno Köster, Ralph Larmann: Keine Panik. Udo Lindenbergs bunte Republik. Stiftung Haus der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland (Hrsg.), Bonn 2005, ISBN 3-937086-07-2.
• Udo Lindenberg mit Ralph Larmann und Tine Acke: Udo Lindenberg - Das Lindenwerk. Malerei in Panikcolor mit ausgewählten Texten. Schwarzkopf & Schwarzkopf, Berlin 2005, ISBN 3-89602-618-6.
• Udo Lindenberg mit Kai Hermann: Panikpräsident. Die Autobiographie. Random House Entertainment, München 2004, ISBN 3-8090-3022-8.
• Udo Lindenberg: Der Pakt. Vom Leben gezeichnet. Gemälde von Udo Lindenberg. te Neues, Kempen 1999, ISBN 3-8238-5438-0.
• Udo Lindenberg: In eigenen Worten. Herausgeber und Co-Autor Arno Köster. Palmyra-Verlag, Heidelberg 1998, ISBN 3-930378-20-5.
• Udo Lindenberg, Ernst Lechthaler: Mixed Double. Cocktails und Likörelle Droemer Knaur, München 1997, ISBN 3-426-27005-6.
• Udo Lindenberg, Jürgen Stark: Udo’s Odyssee - Eine panische Zeitreise in Bild und Ton. Voggenreiter Verlag, Bonn 1996, ISBN 3-8024-0268-5.
• Udo Lindenberg: El Panico oder: Wie werde ich Popstar? Goldmann, München 1990, ISBN 3-442-09895-5.
• Udo Lindenberg unter Mitarbeit von Rolf Lindner und Rambow, Lienemeyer, van de Sand: Rock’n’Roll und Rebellion - Ein panisches Panorama. Syndikat Autoren und Verlagsgesellschaft, Frankfurt am Main 1981, ISBN 3-8108-0197-6.
• Ulrich Hoppe: Udo Lindenberg - Deutschlands Rockstar Nr. 1. Heyne, München 1979, ISBN 3-453-80033-8.
• Steve B. Peinemann: Udo Lindenberg - Hinter all den Postern. Rowohlt, Reinbek 1979, ISBN 3-499-14522-7.
• Udo Lindenberg: Albert Alptraum bis Votan Wahnwitz. JOY Verlag, Hamburg 1975.

Rundfunkreportagen

• Panik. Poesie. Palast. Ein literarischer Abriss von Erichs Lampenladen. 90-minütiges Hörfunk-Feature über Udo Lindenbergs Auftritt im Palast der Republik von Thilo Schmidt, Südwestrundfunk 2006, Regie: Giuseppe Maio. Gekürzte 54-Minuten-Version in vielen öffentlich-rechtlichen Programmen wiederholt.

Liederbücher

• Panikperlen (die größten Hits, arrangiert für Klavier, Gesang & Gitarre). Bosworth Music, Berlin 2007, ISBN 978-3-86543-262-9.

Filme

• 1974: Tatort: Kneipenbekanntschaft (Gastauftritt)
• 1976: Die Leute von Mümmelmannsberg (Gastauftritt)
• 1976: Nordsee ist Mordsee (Musik)
• 1980: Panische Zeiten (Regie, Drehbuch, Produktion, Musik, Hauptrolle)
• 1984: Super (Hauptrolle)
• 1986: WAAhnsinn - Der Wackersdorf-Film (Dokumentarfilm, Festivalauftritt)
• 1997: Großstadtrevier: Die Aufsteiger
• 2006: 7 Zwerge - Der Wald ist nicht genug (Gastauftritt)
• 2008: Totgesagte leben länger (Musik, Nebenrolle)
• 2014: Honig im Kopf (Gastauftritt)
• 2020: Lindenberg! Mach dein Ding (Biografie, Jan Bülow als Lindenberg, Gastauftritt)
• 2021: Tatort: Alles kommt zurück (Gastauftritt)

Weblinks

• Literatur von und über Udo Lindenberg im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Kurzbiografie und Rezensionen zu Werken von Udo Lindenberg bei Perlentaucher
• Udo Lindenberg in der Internet Movie Database (englisch)
• Udo Lindenberg bei filmportal.de
• Udo Lindenberg im Lexikon des internationalen Films
• Udo Lindenberg bei Discogs
• Udo Lindenberg bei MusicBrainz (englisch)
• Discografie. In: udo-lindenberg.de. 23. Februar 2019; abgerufen am 23. Februar 2019 (Songbook). 
• Udo Lindenberg. In: udo-lindenberg.de. Abgerufen am 23. Februar 2019 (Offizielle Website). 
• Udo Lindenberg Stiftung. In: udo-lindenberg-stiftung.de. Abgerufen am 23. Februar 2019 
• Stasi-Mediathek, Geschichte: Udo rockt für den Weltfrieden

Interviews:

• Steffen Rüth: Udo Lindenberg will in die Politik: «Als Präsident wäre ich ein Geschenk fürs deutsche Volk». In: Aargauer Zeitung. 15. Dezember 2018; abgerufen am 23. Februar 2019 (Udo Lindenberg im Interview mit Steffen Rüth). 
• Ulrike Döpfner: Udo Lindenberg über seine Kindheit: ?Vater saß in der Kneipe und besoff sich?. In: Spiegel Online / einestages. 27. Juli 2014; abgerufen am 27. Juli 2014 (Interview & Fotostrecke). 

Einzelnachweise

Sieben Jahre nach der Gründung löste sich die Band im Frühjahr 1994 im Zusammenhang mit dem Tod des Sängers Kurt Cobain auf. Die Band verkaufte ca. 75 Millionen Tonträger.

Geschichte

Anfänge (1987-1989)

Nirvana wurde im Jahr 1987 von Kurt Cobain und Krist Novoselic gegründet.

Die beiden lernten sich 1984 in der Schule und vor allem im Umfeld der Band Melvins kennen. Im Winter 1985 gründete Cobain zusammen mit dem späteren Melvins-Schlagzeuger Dale Crover als Bassist die Band Fecal Matter. Nachdem die Gruppe zwei Demos bei Cobains Tante Mari aufgenommen und einige Konzerte, unter anderem als Vorband der Melvins, gespielt hatte, löste sie sich jedoch wieder auf. Die Fecal-Matter-Demo vom Dezember 1985 überzeugte Novoselic, mit Cobain eine Band zu gründen. Im selben Monat gründeten die beiden, Cobain als Sänger und Novoselic am Bass, zusammen mit dem Schlagzeuger Steve Newman die Creedence-Clearwater-Revival-Coverband The Sellouts. Im gleichen Monat hatten Cobain und Novoselic eine weitere Band mit dem Schlagzeuger Bob McFadden, beide Bands lösten sich jedoch noch im selben Winter auf.

Im März 1986 zog Krist Novoselic mit seiner Freundin Shelli nach Phoenix in Arizona. Nachdem Novoselic im Herbst 1986 wieder zurück nach Aberdeen zog, begannen er und Cobain sofort mit der Suche nach einem neuen Schlagzeuger.

Im Januar 1987 gründeten sie schließlich mit Aaron Burckhard eine Band, die unter den Namen Ted Ed Fred und The Stiff Woodies spielte. Schnell traten erste Differenzen auf - während Burckhard hauptsächlich Metal hörte, waren Novoselic und Cobain von Gang of Four, Scratch Acid und Butthole Surfers inspiriert. Darüber hinaus zeigte Burckhard deutlich weniger Engagement als die beiden. Später sagte Kurt Cobain, dessen Arbeitseifer auch Novoselic anfangs überforderte:

Im März trat die Band schließlich mit ihrem ersten Konzert auf einer Privatparty in Raymond auf. Zu dieser Zeit spielten Ted Ed Fred bereits überwiegend eigene Songs. Im gleichen Monat gab die Band auch ihr erstes öffentliches Konzert in der GESCCO Hall in Olympia vor rund zehn Zuschauern. Am 17. April 1987 fand ein Auftritt für den Campussender Kaos FM des Evergreen State College statt.

Im Herbst 1987 zog Cobain nach Olympia, Burckhard blieb als einziges Bandmitglied in Aberdeen. Burckhards mangelndes Engagement und die räumliche Entfernung führten dazu, dass die Band inaktiv war, bis Cobain und Novoselic im Dezember 1987 mit Dale Crover als neuem Schlagzeuger anfingen zu proben.

Am 23. Januar 1988 nahm die Band mit dem Produzenten Jack Endino eine erste Demo mit zehn Stücken auf. Die Session im bekannten Aufnahmestudio Reciprocal Recordings in Seattle kostete die Band 152,44 Dollar, die Cobain zahlte. Im Frühling führte Cobain erste Gespräche mit Jonathan Poneman vom Seattler Untergrundlabel Sub Pop, in denen die Veröffentlichung einer Single geplant wurde. Als Ersatz für Crover, der nach San Francisco zog, kam Dave Foster als Schlagzeuger zur Band.

Am 19. März 1988 spielte die Band zum ersten Mal unter dem Namen Nirvana. Vorher nannte sich die Gruppe unter anderem Ted Ed Fred, Bliss, Throat Oyster, Pen Cap Chew und Windowpane. Zur Wahl des Namens sagte Kurt Cobain später: ?Ich wollte einen Namen, der irgendwie schön, nett und hübsch war, nicht so einen ekelhaften Punk Rock-Namen wie Angry Samoans?, gleichzeitig zeigte er sich im Nachhinein wenig glücklich: ?Er ist zu esoterisch und ernst.? Bereits am 29. Mai wurde Foster durch Chad Channing ersetzt, weil er zu selten zu den Proben kam. Währenddessen hatte die Demo vom Januar 1988 das Label Sub Pop überzeugt, im November 1988 die Single Love Buzz/Big Cheese in einer Auflage von 1000 Stück herauszubringen. Das Titelstück ist ein Cover der niederländischen Popband Shocking Blue, zu dem Kurt Cobain von Krist Novoselic überredet wurde.

Nach der Veröffentlichung von Love Buzz/Big Cheese hatte Sub Pop Ende 1988 mit einigen finanziellen Problemen zu kämpfen, so dass sich Nirvana erst einmal keine Hoffnungen auf eine Albumveröffentlichung machen konnten. Dennoch ging die Band im Dezember 1988 und Januar 1989 mit Endino erneut ins Studio. Die 30 Stunden an insgesamt drei Tagen sollten die Band 606,17 Dollar kosten. Den Betrag bezahlte Jason Everman, ein Freund und Fan der Band, der kurze Zeit später im Frühsommer 1989 zweiter Gitarrist wurde, da Kurt nicht genug Übung hatte, gleichzeitig zu singen, Gitarre zu spielen und sich den Text zu merken.

Vorher jedoch begaben sich Nirvana im Februar 1989 auf eine erste, zweiwöchige Tournee an der Westküste. Da Nirvana zu dieser Zeit noch fast unbekannt waren, spielten sie oft nur vor zehn Besuchern, die zudem auch noch eher wegen des Labels erschienen. Insgesamt hatte die Band im Jahr 1989 über 100 Auftritte.

Am 8. August 1989 erschien schließlich das Debütalbum Bleach. Vorab führte die Band eine erste US-Tournee durch kleine Clubs und Bars, die am 18. Juli etwas früher als geplant in New York mit dem Rausschmiss von Everman aus der Band endete. Im August nahmen Nirvana fünf Stücke mit Steve Fisk im Music Source Studio auf, die auf einer EP erscheinen sollten. Im September wurden die abgesagten Auftritte der Juli-Tournee nachgeholt, bei der bis zu 200 Fans die Konzerte besuchten und die Band zum ersten Mal Geld verdiente.

Am 23. Oktober 1989 begann in Newcastle upon Tyne in England eine 42-tägige Europatournee mit der Sub-Pop-Band Tad, auf der Nirvana am 7. November das erste Deutschland-Konzert im B-52 in Mönchengladbach gab. Da die beiden Bands zu neunt mit Ausrüstung in dem von Sub Pop gestellten Fiat-Kleinbus mit zehn Sitzen fast jede Nacht zum nächsten Auftritt durchfahren mussten, war die Stimmung während der Tournee sehr gespannt. Auch der Umstand, dass die kleinen Hallen und Clubs meist ausverkauft waren und das Publikum sich begeistert zeigte, konnte daran nichts ändern, so dass Nirvana sich nach der Tournee weiter von Sub Pop distanzierten.

Nevermind (1990-1992)

Anfang 1990 war Sub Pop erneut am Rande des finanziellen Zusammenbruchs, die Veröffentlichung eines zweiten Albums erschien unwahrscheinlich. Die Band spielte also weiter Konzerte in den Vereinigten Staaten, bis am 2. April 1990 die Aufnahmen mit Butch Vig in den Smart Studios begannen. Die sieben im Verlauf einer Woche aufgenommenen Stücke wurden zwar an Sub Pop geschickt, stellten aber eigentlich die Demo für die Verhandlungen mit Major-Labels dar.

Im September 1990 erschien die einzige Veröffentlichung der Band, bei der Dan Peters von Mudhoney am Schlagzeug saß: Die Single Sliver. Chad Channing wurde zwischenzeitlich während der ersten Demoaufnahmen zur zweiten Platte aus der Band geworfen. In den Tagebüchern von Kurt Cobain bezeichnete dieser das Schlagzeugspiel Channings als ?stümperhaft?. Für eine kurze Tour lieh man sich erneut Dale Crover von den Melvins aus, bis dann im August Dave Grohl von Scream als neuer fester Schlagzeuger engagiert wurde. Mit dem Demotape nahm die Band Verhandlungen mit dem Geffen-Records-Sublabel DGC auf.

Am 30. April 1991 unterzeichnete die Band ihren Plattenvertrag und erhielt einen Vorschuss von 287.000 Dollar. Sub Pop erhielt 75.000 Dollar, um Geffen mit in den Vertrag aufzunehmen und ihnen die nötigen Rechte abzutreten. Die Überlegung, das Album mit Scott Litt und Don Dixon zu produzieren, wurde verworfen, sie blieben bei Butch Vig. Im August 1991 spielten Nirvana auf der ?The-Year-That-Punk-Broke?-Tournee durch Europa mit Sonic Youth und Ramones und auf dem Reading Festival in Reading, England.

Am 10. September 1991 wurde der Titel Smells Like Teen Spirit als Single veröffentlicht. Das zugehörige Album Nevermind erschien am 24. September 1991 und stieg drei Wochen später, am 12. Oktober, in die US-Charts ein und erregte rasch großes Aufsehen. Die Vorverkaufserwartungen von Geffen erwiesen sich mit einer Produktion von 50.000 Exemplaren sehr schnell als eine krasse Fehlkalkulation, es musste nachgepresst werden. Bereits wenige Wochen später folgte die Verleihung der Platin-Schallplatte durch den amerikanischen Schallplattenverband RIAA für eine Million verkaufte Exemplare von Nevermind.

Die Band spielte vom 4. November bis 7. Dezember erneut eine Europa-Tour, die sie ab dem 10. November für 4 Konzerte auch nach Deutschland führte. Am 6. Dezember absolvierte die Band einen Auftritt bei der in Großbritannien populären Tonight-With-Jonathan-Ross-Show des Fernsehsenders Channel 4. Bereits einen Tag später, am 7. Dezember, stieg Smells Like Teen Spirit auf Platz 7 der UK-Single Charts ein. In der Sendung Rapido von BBC Two (TV) wurde ausführlich über Nirvana berichtet. Die restliche Tour musste die Band währenddessen durch eine Virusinfektion Cobains, die er sich nach dem Transmusicales Festival in Rennes, Frankreich zugezogen hatte, absagen. Das Jahr klang am 31. Dezember 1991 mit einem Neujahrskonzert im Cow Palace von San Francisco, Kalifornien aus.

Am 11. Januar 1992 stieg Nevermind an die Spitze der US-Album Charts und verdrängte damit Michael Jacksons aktuelles Album Dangerous von dieser Position. Am selben Abend traten Nirvana zum ersten Mal in der amerikanischen Late-Night-Show Saturday Night Live auf, um dort im Fernsehen ihren Hit Smells Like Teen Spirit zu performen. Während des Auftritts zerbrach ein Trommelstock von Schlagzeuger Dave Grohl, der jedoch durch einen schnellen Handgriff mit einem Ersatzstock unverdrossen weiterspielte. Smells Like Teen Spirit war damals bereits auf Platz 6 der US Single-Charts gestiegen und erhielt am 1. April 1992 Platin.

Zur Tournee in Australien (Januar), Japan und Neuseeland (Februar) wurde dort darüber hinaus die EP Hormoaning veröffentlicht. Während der Tour stieg Nevermind auch in den UK Charts auf Platz 7 (1. Februar 1992), während sich das Album in den USA bereits drei Millionen Mal verkauft hatte. Auch das wiederveröffentlichte Debütalbum Bleach (1989) stieg erstmals am 22. Februar 1992 auf Platz 89 in die US-Charts ein. Am 7. März 1992 debütierte Bleach auch in den UK-Charts auf Platz 33.

Am 2. März 1992 erschien die Single Come As You Are in Großbritannien, während sie in den USA erst am 2. Mai 1992 veröffentlicht wurde. Weil das Gitarrenriff des Songs von der Killing-Joke-Single Eighties (1985) übernommen worden sei, reichte die Band erfolglos Klage gegen Nirvana ein. Gleichzeitig gelang im Windschatten des Erfolges von Nevermind auch mehreren anderen Grunge-Bands der Durchbruch.

Als dritte Single wurde am 13. Juli 1992 der Song Lithium ausgekoppelt. Während mit In Bloom die vierte und letzte Singleauskopplung vom Album Nevermind erschien, begann die Band noch im Oktober zusammen mit Jack Endino, dem Produzenten des Albums Bleach, erste Arbeiten an einem neuen Album.

Nach diesen blitzartigen Erfolgen honorierte auch die Musikindustrie die künstlerische Leistung der Band. Für Smells Like Teen Spirit wurden Nirvana auf den 9. MTV Video Music Awards am 9. September 1992 in Los Angeles für ?Best Alternative Music Video? und ?Best New Artist Video? geehrt. Auf dem Award zum ?Best Alternative Music Video? war jedoch ?Smells Like Team Spirit? statt ?Smells Like Teen Spirit? eingraviert. Nirvana spielten Lithium live und zerstörten im Anschluss ihr Equipment. Dabei bekam Krist Novoselic den Bass an den Kopf, als dieser beim Wurf unter die Deckenbeleuchtung unglücklich auf ihn herabfiel, und wurde kurz ohnmächtig. Cobain bespuckte beim Verlassen der Bühne schließlich noch ein Klavier, welches er für das von Axl Rose hielt, was jedoch, wie sich herausstellte, das Klavier Elton Johns war, worauf die Musikwelt entsetzt reagierte. Cobain entschuldigte sich später.

In Utero (1993)

Am 14. Dezember 1992 erschien mit Incesticide eine kurzerhand zusammengestellte Kompilation von B-Seiten und unveröffentlichtem Material, um die rasant gestiegene Nachfrage nach einem Folgealbum befriedigen zu können. Die Platte enthielt u. a. auch eine Coverversion des Liedes Turnaround. Von dem Album wird ein Video zur längst vergriffenen Single Sliver von 1990 veröffentlicht. Das Video zeigte die Band in einer total verwahrlosten Wohnung mit fettigen Haaren, eine Billigproduktion, die in zwei Takes fertiggestellt wurde. Am 6. März erschien Oh, The Guilt als Split-Single mit The Jesus Lizards Puss in Großbritannien und erreichte dort Platz 12. In einer limitierten Auflage von 100.000 Stück erschien die Split-Single über das Label Touch and Go Records später auch in den USA.

Bei den Brit Awards im Alexandra Palace in London am 16. Februar wurde die Band als Best International Act geehrt. Für Pro Choice spielten Nirvana zusammen mit Pearl Jam auf einer Kundgebung der Organisation für das Recht von Frauen auf Abtreibung.

Im Februar 1993 fuhr die Band zusammen mit dem Produzenten Steve Albini mit den Aufnahmen zum neuen Album (Arbeitstitel: I Hate Myself and I Want to Die) in Minnesota fort. Das Ergebnis zog den Unmut der Plattenfirma DGC auf sich, die die Aufnahmen als ?Scheiße? bezeichneten. Später erklärte Albini gegenüber der Tageszeitung Village Voice, dass das Label und das Management Albini nicht als Produzenten der Band haben wollte; die Band setzte sich jedoch durch. Im Folgezeitraum machten Nirvana vornehmlich durch zahlreiche drogenbedingte Festnahmen, Gefängnisaufenthalte und Rehabilitationsversuche von Kurt Cobain, der heroinabhängig und depressiv war, Schlagzeilen. Bei den 10. MTV Video Music Awards in Universal City (Kalifornien) wurde In Bloom (1992, Nevermind) zum Best Alternative Video gekürt. Darin zeigte sich die Band, die am Ende ihre Instrumente kaputtschlug, anfangs in Anzügen und braven Mienen im Stil der frühen 1960er Jahre.

Nachdem am 30. August 1993 die Single Heart-Shaped Box erschienen war, folgte am 13. September das dritte Album In Utero und debütierte in den UK-Charts auf Platz 1. Die Band war erneut zu Gast bei NBC Saturday Night Live, bevor In Utero in den USA erschien und ebenfalls sofort an der Spitze der Charts einstieg. Noch im Herbst ging die Band zusammen mit Pat Smear, der zuvor bei The Germs gespielt hatte, an der zweiten Gitarre auf Welttournee.

Am 18. November spielte die Band für die MTV-Unplugged-Reihe ein Konzert mit Akustikinstrumenten in den Sony Music Studios von New York City. Auf der Beavis-and-Butt-Head-Experience-Compilation erschien am 23. November der Song I Hate Myself and I Want to Die, dem am 6. Dezember die Veröffentlichung der Doppel-A-Seite All Apologies/Rape Me in Großbritannien folgte. Kurz vor Jahresende, am 13. Dezember, spielte die Band ein ausverkauftes und bei MTV (?Live and Loud?) ausgestrahltes Konzert mit The Breeders und Cypress Hill im Pier 48 von Seattle (Washington).

Ende (1994)

Am 8. Januar 1994 spielten Nirvana in der Center Arena von Seattle ihr letztes Konzert in den Vereinigten Staaten. Ende Januar zeichnete der Rolling Stone in den Music Awards Critics Picks die Band als Best Band und das Album In Utero als Best Album aus. Am 6. Februar starteten Nirvana ihre Europatournee in Cascais. Das Ende dieser Tour war ursprünglich für den 8. April in Dublin geplant gewesen, doch ihr letztes Konzert spielte die Band bereits am 1. März im Terminal 1 des ehemaligen Flughafens München-Riem. Das Münchner Konzert wurde in Ausschnitten auf dem TV-Sender VIVA gesendet.

Nach einem Krankenhausaufenthalt floh Kurt Cobain am 1. April aus dem Exodus Recovery Center in Marina del Rey, Los Angeles, und brach den letzten Versuch eines Drogenentzugs ab. Eine Woche später, am 8. April, wurde er tot und mit einer Schussverletzung in seiner Wohnung aufgefunden. Das musikalische Erbe der Band wird seither von einer Gemeinschaft von seiner Witwe Courtney Love sowie den beiden Bandmitgliedern Dave Grohl und Krist Novoselic verwaltet.

Am 8. September bei den 11. MTV Video Music Awards in der New Yorker Radio City Music Hall wurden Nirvana mit den Preisen Best Alternative Video und Best Art Direction für das Video zu Heart-Shaped Box (1993, In Utero) ausgezeichnet. Die Anfang August für November angekündigte Liveplatte Verse Chorus Verse erschien nicht. Stattdessen veröffentlichte Geffen das Akustik-Album MTV Unplugged in New York, das am 31. Oktober 1994 erschien und an der Spitze der Charts einstieg. Innerhalb von zwei Monaten wurde es über 3 Millionen Mal verkauft.

Weitere Auszeichnungen und Platten (1995-2009)

Trotz des plötzlichen Endes der Band wurde sie weiterhin ausgezeichnet. So gewann Nirvana bei den 22. American Music Awards 1995 in der Kategorie Favorite Artist/Heavy Metal - Hard Rock. Am 28. Februar 1996 wurde auf der Verleihung der 38. Grammy Awards MTV Unplugged in New York als Best Alternative Music Album ausgezeichnet.

Auch das Interesse an ihrer Musik hielt an. Die Unplugged-Version des Songs All Apologies (1993, In Utero) wurde auf den College Radios 1995 am häufigsten gespielt und erhielt dafür den BMI Award Pop in Los Angeles. Die beiden Alben Bleach (1989) und Incesticide (1992) erhielten noch 1995 Platinstatus für je eine Million Verkäufe. Bis Oktober 1995 verkaufte sich - allein in den USA - In Utero (1993) 9 Millionen Mal, bis Herbst 1997 MTV Unplugged in New York 5 Millionen Mal. Das hunderttausendste Exemplar des 1994 erschienenen Videos Live! Tonight! Sold Out! wurde bereits im Januar 1995 verkauft.

Als Folge davon gab es weitere Veröffentlichungen. Die im Oktober 1996 erschienene Live-Compilation From the Muddy Banks of the Wishkah enthielt Ausschnitte aus Konzerten zwischen 1988 und 1994 und erreichte den ersten Platz der US-Charts.

Im Oktober 2002 folgte eine Greatest-Hits-Sammlung mit dem bislang unveröffentlichten Song You Know You’re Right, der im Januar 1994 während einer letzten kompositorischen Nirvana-Session im Tonstudio von Robert Lang in Shoreline, Washington entstanden war, und im November 2004 die aus drei CDs und einer DVD bestehende Box With the Lights Out, die viele unveröffentlichte Songs der Band von zwischen 1987 und 1994 enthält.

Dave Grohl, Pat Smear und Krist Novoselic blieben zunächst im Musikgeschäft. Dave Grohl gründete im März 1995 mit Pat Smear die Foo Fighters. Während Dave Grohl dort dauerhaft spielte, ist Pat Smear nach längerer Pause wieder dabei und obendrein als Musikproduzent tätig. Krist Novoselic gründete zuerst die Band Sweet 75 und 2001 mit Curt Kirkwood und Bud Gaugh zusammen die mittlerweile wieder aufgelöste Eyes Adrift. 2003 gab er seinen Rückzug aus dem Musikgeschäft bekannt und beschäftigte sich zwischenzeitlich mit der Lokalpolitik Seattles. Im Dezember 2006 unterstützte Novoselic die Band Flipper auf einer Tour und kehrte damit zur Musik zurück. Er nahm mit Flipper ein Album auf, trennte sich jedoch Ende September 2008 wieder von der Band.

Gegenwart

Dave Grohl und Pat Smear sind nach wie vor zusammen bei den Foo Fighters. Krist Novoselic ist zurzeit (2022) Bassist der Band Giants In The Trees. Dale Crover ist nach wie vor Schlagzeuger und Sänger bei den Melvins. Jason Everman, der für kurze Zeit Gitarrist bei Soundgarden war, verpflichtete sich der United States Army und ist bis heute als Consultant bei ihr tätig. Dan Peters ist nach wie vor der Schlagzeuger von Mudhoney.

Erstmals seit über 18 Jahren ertönten im Juni 2011 auch die Akkorde von Smells Like Teen Spirit von den verbleibenden Bandmitgliedern. Dave Grohl, Krist Novoselic und Pat Smear spielten den Song ohne Gesang, als sie in Kalifornien zusammen für einen Auftritt der Foo Fighters übten. Dave Grohl antwortete auf die Frage, wie es sich anfühlte: ?It was like? a ghost. It was heavy.?

Am 12. Dezember 2012 spielten die verbliebenen Bandmitglieder von Nirvana erstmals wieder gemeinsam live auf einer Bühne - im New Yorker Madison Square Garden mit Unterstützung von Paul McCartney. Anlass war 121212, ein Benefizkonzert für die Opfer der Hurrikan-Sandy-Katastrophe. Sie spielten den Song Cut Me Some Slack, der auch auf dem im Frühjahr 2013 erschienenen Soundtrack von Dave Grohls Sound City Movie zu hören ist.

Am 10. April 2014 wurde die Band in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Die Laudatio hielt Michael Stipe von R.E.M. Zusätzlich traten Dave Grohl, Krist Novoselic und Pat Smear auf. Als Gastsängerinnen waren Joan Jett, Lorde, Kim Gordon (Sonic Youth) und St. Vincent dabei.

Besetzung

Stil

Texte

Inhaltlich ließ Cobain die meisten seiner Lieder offen, so dass Platz für Interpretationen blieb. In der Karriere von Nirvana gab es dennoch eine Reihe von Themen, welche Cobain in seinen Texten verarbeitete. Viele Texte von Nirvana sind recht kurz, häufig werden einzelne Teile oft wiederholt. Auf Bleach haben viele Texte nur eine Strophe, die mehrmals wiederholt wird. Kurt Cobain schrieb anfangs viele Texte spontan im Studio oder auf dem Weg ins Studio, später stellte er sie ebenso spontan aus existierenden eigenen Gedichten zusammen. Über die Texte zu Bleach sagte Cobain später: ?Texte waren damals nicht wichtig für mich. [?] Kein einziger Song - von wem auch immer - war mir damals wegen seines Textes wichtig.?

Musik

Charakteristisch für die Musik Nirvanas ist, wie allgemein im Grunge, die Verbindung von Punk mit Elementen des Metal und Hard Rock. Zu den frühen Einflüssen zählten, neben den Melvins, New-Wave-Bands wie Gang of Four, Scratch Acid und Butthole Surfers.

Ende 1988 begannen die Bandmitglieder gemeinsam mit der gesamten alternativen Seattler Rockszene, sich für die großen Glam-Rock-Bands der 1970er-Jahre zu interessieren. Bereits auf Bleach wird neben diesen Grunge-typischen Einflüssen bei dem Stück About a Girl das Interesse an Popmusik wie The Beatles deutlich. Cobain drückte später seine Enttäuschung darüber aus, dass er durch den Einfluss des Labels stilistisch stark eingeschränkt war und weder dem Einfluss des experimentellen New Wave, noch dem Interesse an eingängigen Popmelodien nachgehen konnte. Die Erwartungen an Nirvana fasste er gegenüber Michael Azerrad mit den Worten ?Reduziere es aufs Wesentliche und sorge dafür, dass es wie Aerosmith klingt? zusammen. Azerrad bewertet diese Einschränkungen jedoch als bedeutend für die Stilfindung der Band, da sie ?[akzeptierten], dass ihre Entwicklung zur musikalischen Reife viel mit Aerosmith und Black Sabbath zu tun hatte.? (Michael Azerrad in Come As You Are) Besondere Bedeutung für die stilistische Entwicklung erreichte darüber hinaus das Album Surfer Rosa von den Pixies. Dieses Album stellte für ihn die Mischung aus Pop und alternativem Punk dar, die seinem eigenen Klangideal entsprach. Später sagte er: ?Ich hörte auf Surfer Rosa Lieder, die ich geschrieben, aber aus Angst, sie jemandem vorzuspielen, wieder verworfen hatte.? Der Erfolg der Pixies hat laut Azerrad Cobain ermutigt, diesem Ideal nachzugehen.

Eine weitere Besonderheit von Nirvana ist Kurt Cobains Stimme. Sowohl der Produzent Jack Endino als auch der Sub-Pop-Chef Jonathan Poneman zeigten sich bereits nach der ersten Demo vom Januar 1988 von Cobains Gesang begeistert, den sie als ?faszinierend? und ?kraftvoll? beschrieben.

Auftreten

Die Band bewegte sich nicht nur musikalisch im Spannungsfeld zwischen Punk und Rock, auch ihre Einstellung vor allem gegenüber der Musikindustrie war von einer gewissen Ambivalenz geprägt. Cobain hatte vor allem zu Beginn und vor seiner Karriere das deutliche Ziel vor Augen, Rockstar zu werden. Dennoch nutzte er häufig die Gelegenheit, seine Verachtung gegenüber der Musikindustrie und seinem Publikum auszudrücken. Diese Zwiespältigkeit drückte Cobain im Jahr 1989 mit folgenden, ironischen Worten aus:

Nirvana versuchte oft, mit den herrschenden Konventionen im Musikgeschäft zu brechen und sich als Antiheld zu inszenieren. Bei den MTV Video Music Awards 1992 spuckte Kurt Cobain beim Verlassen der Bühne auf Elton Johns Klavier, wobei er dachte, dass Axl Rose von Guns N’ Roses, mit dem er sich zuvor gestritten hatte, darauf spielen sollte. Bei der Charts-Show Top of the Pops am 27. November 1991 in den BBC-Studios, London interpretierte die Band ihr Smells Like Teen Spirit trotz Halbplaybacks zu einer langatmigen Version. Schlagzeuger und Bassist spielten offensichtlich absichtlich nicht synchron zu der dazu im Studio abgespielten Musik ihres Hits, Cobain fasste seine Gitarre fast nie an, vielmehr umklammerte er sein Mikrofon oder breitete seine Arme aus. Bei zahlreichen öffentlichen Auftritten zerschlug das Trio ihr Equipment, so unter anderem bei MTV Video Music Awards oder Saturday Night Live. Bei TV-Auftritten spielten die Drei oftmals nicht die mit der Regie abgesprochenen Songs, was dazu führte, dass die auf dem Bildschirm eingeblendeten Songtitel nicht zu den gespielten Songs passten.

Das Auftreten Nirvanas wurde jedoch mit jeder Wiederholung bestimmter Showelemente (wie zum Beispiel dem Zerstören) mehr und mehr in Szene gesetzt und ließ die Band selbst inszeniert erscheinen. Der durch diesen Effekt ausgelöste Zwiespalt ist als ein Grund für die Suizidentscheidung Cobains zu nennen, welche er in seinem Abschiedsbrief zuvor wie folgt verfasste:

Bedeutung

Neben dem kommerziellen Erfolg hatte die Band einen großen Einfluss auf die Musikszene und -industrie und wird teilweise als Sprachrohr einer Generation gesehen.

Die Band hat über 75 Millionen Alben verkauft. Nirvana machte den Indie-Rock Mainstream-fähig und läutete die kurze Blüte des Grunge ein. Tommy Udo attestiert Nirvana im Jahr 2002 in seiner Nu-Metal-Historie Harte Brocken ?eine Kombination aus enormen Plattenverkäufen, Kritikerlob und breiter Anerkennung beim Mainstreampublikum?, mit der es Nirvana schaffte, dem ?Rock ’n’ Roll [?], als er allgemein als abgewirtschaftet galt, neues Leben ein[zuhauchen]?. Entsprechend habe der Tod Kurt Cobains einen Schlusspunkt für den Grunge und eine Zäsur für den Rock im Allgemeinen markiert, da mit dem Debütalbum von Korn der Nu Metal an die Stelle des Grunge tritt. Tommy Udo behauptet weiter, dass Nirvana die Vereinigten Staaten wieder als Zentrum der Rockmusik etablierte.

Die Rock-Hard-Redaktion nennt Nirvana ?[die] wichtigste Rockband der 90er Jahre? und spricht von einem ?musikalischen Erbe, das bislang noch keine Band antreten konnte.? Der All Music Guide schreibt:

Michael Azerrad spricht sogar von ?einer neuen Zeitrechnung?, die mit der Nummer-eins-Platzierung von Nevermind in den Billboard Charts für die Musikindustrie begann: ?Alles war ab nun entweder prä- oder post-Nirvana.? (Michael Azerrad in Come As You Are) Er behauptet weiter, die großen Musiklabel hätten sich nach Nirvana auf Bands mit ?längerfristigem Potential? und eigener Fanbasis konzentriert und weniger versucht, durch Werbung die Verkäufe anzuregen.

Der Rolling Stone listete Nirvana auf Rang 30 der 100 größten Musiker aller Zeiten.

Diskografie

Studioalben

Literatur

• Charles R. Cross: Here We Are Now. The Lasting Impact of Kurt Cobain. HarperCollins, 2014, ISBN 978-0-06-230821-4.
• Everett True: Nirvana - Die wahre Geschichte. Hannibal Verlag, Höfen 2008, ISBN 978-3-85445-289-8 (Originalausgabe: Nirvana: The True Story).
• Kurt Cobain: Tagebücher. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2002, ISBN 3-462-03184-8.
• Michael Azerrad: Nirvana - Die wahre Kurt Cobain Story. Hannibal Verlag, Wien 1994, ISBN 978-3-85445-099-3 (Originalausgabe: Come As You Are - The Story Of Nirvana).
• Charles R. Cross: Der Himmel über Nirvana - Kurt Cobains Leben und Sterben. Hannibal Verlag, Höfen 2002, ISBN 978-3-85445-222-5 (Originalausgabe: Heavier Than Heaven).
• Carrie Borzillo-Vrenna: Kurt Cobain und Nirvana Chronik - Tagebuch einer Karriere. Verlagsgruppe Koch GmbH/Hannibal, Höfen 2004, ISBN 3-85445-247-0. 
• Michael Sailer: Generation X in: WOM Journal. 09/1994.
• Roger Behrens, Martin Büsser und weitere: Testcard, Nr.5, Kompaktes Wissen für den Dancefloor, Kulturindustrie. Ventil Verlag, Mainz 1997, ISBN 3-931555-04-6.
• Tom Holert, Mark Terkessidis: Mainstream der Minderheiten. Id-Verlag, Mannheim 1996, ISBN 3-89408-059-0.
• Tommaso Pincio, Suse Vetterlein: Anderweltsliebe. Ullstein Tb-Verlag, 2003, ISBN 3-548-25667-8.
• Chuck Crisafulli: Nirvana Teen Spirit - Die Story zu jedem Song. Rockbuch Verlag Buhmann & Haeseler, 2004, ISBN 3-927638-16-1.
• Gillian G. Gaar: Entertain Us: The Rise of Nirvana. Jawbone Publishing, 2012, deutsche Ausgabe: Nirvana: Der Aufstieg. Verlag Nicole Schmenk, Oberhausen 2014, ISBN 978-3-943022-25-4.

Weblinks

• Offizielle deutsche Website
• Nirvana bei AllMusic (englisch)
• Nirvana bei laut.de
• Live-Guide aller Nirvana-Konzerte
• Nirvana (Memento vom 29. Dezember 2008 im Internet Archive) im Rolling-Stone-Rezensionsarchiv

Diskografien

• Nirvana bei MusicBrainz (englisch)
• Nirvana bei Discogs
• Digital Nirvana (englisch)

Quellen

Leben

Ott wurde als Dreijährige von ihrem Bruder und von der alleinerziehenden Mutter getrennt. Sie lebte in Kinderheimen, kam für kurze Zeit zurück zur Mutter nach Berlin und anschließend in eine Pflegefamilie in Heide in Holstein. Sie nahm in ihrer Kindheit an Talentwettbewerben teil und sang im Chor von Rolf Zuckowski. Außerdem trat sie als DJ auf. Ott ist gelernte Malerin und Lackiererin und arbeitete bis zum Durchbruch von Die immer lacht in diesem Beruf. Anfang 2016 gab sie ihn auf und tourt seitdem durch den deutschsprachigen Raum. Sie war nach eigenen Angaben ab ihrem 18. Lebensjahr eine Zeit lang spielsüchtig.

Ott lebt bei Heide in Holstein. Im August 2017 ging sie mit ihrer langjährigen Freundin eine eingetragene Lebenspartnerschaft ein, die im Oktober 2017 in eine Ehe umgeschrieben wurde. Beide haben gemeinsam zwei Töchter.

Karriere

Ott nahm das Lied Die immer lacht als Hobbymusikerin um 2005 auf. Geschrieben hatte sie es nach eigener Darstellung innerhalb von fünf Minuten am Küchentisch für eine damals erkrankte Freundin. Es handelt von einer Frau, die sich nach außen hin immer nur lachend zeigt. Die Erzählerin nimmt sie bei der Hand und bringt ihr bei, anderen gegenüber ihre wahren Gefühle zu zeigen. Ott verschenkte damals einige selbstgebrannte CDs des Liedes, das von einem der Empfänger bei YouTube eingestellt wurde und dort Jahre später von Stereoact entdeckt und zuerst bei Tokabeatz in Chemnitz und dann bei Kontor Records in Hamburg als Party-Remix veröffentlicht wurde. ?Die immer lacht? wurde im März 2017 vom Marktforschungsunternehmen GfK Entertainment offiziell zum erfolgreichsten Werk des Jahres 2016 erklärt und mit dem Deutschen Musikautorenpreis ausgezeichnet. Der Titel kletterte in Deutschland (Offizielle Deutsche Charts) und Österreich (Ö3 Austria Top 40) bis auf Platz 2 der Hitliste und hielt sich mehrere Monate lang in den Top 10. Bisher generierte das Lied 207 Millionen YouTube-Views (Stand: Januar 2023) und erhielt für über 1,2 Millionen verkaufte Exemplare eine dreifache Platin-Schallplatte in Deutschland. Es zählt zu den meistverkauften Singles in Deutschland.

In dem auf Mallorca gedrehten offiziellen Video zum Lied spielt Ott eine Fotografin, die ein unentwegt lächelndes Model (Greta Hirsch) fotografiert.

Das ursprüngliche Lied, in dem Ott zu ihrem Gesang auf einer akustischen Gitarre vier einfache Akkorde spielt, wird allgemein in die Kategorie Schlager eingeordnet, der Mix von Stereoact wird dem Genre Melodic/Deep House bzw. Partymusik zugeordnet. Gemeinsam mit dem Produzenten Thorsten Brötzmann hat Ott ihre musikalischen Visionen in dessen Husumer Studio erstmals auf einem Longplayer umgesetzt.

Im August 2016 erreichte Otts Single Scheissmelodie Platz 31 der Charts und blieb bis zum November 2016 unter den Top 100. Das Video wurde seitdem nahezu 33 Millionen Mal bei YouTube angesehen. Am 2. Dezember 2016 erschien ihr Debütalbum Herzbewohner. Es erreichte im Januar 2017 Platz 4 der deutschen Albumcharts, wurde bisher 200.000 Mal verkauft und erreichte wenige Wochen nach Veröffentlichung Goldstatus. Im März 2017 erhielt sie in der Sparte ?Erfolgreichstes Werk? den Deutschen Musikautorenpreis. Im September 2017 veröffentlichte sie das Album Herzbewohner-Gold-Edition, das fünf zusätzliche Songs enthielt.

Im September 2017 veröffentlichte Ott die Single Lebe laut. Ihr zweites Album Mut zur Katastrophe wurde am 25. August 2018 veröffentlicht. Es stieg auf Platz 5 der deutschen Albumcharts ein und erreichte in der 2. Woche Platz 3.

Im Oktober 2018 erschien ihre Autobiografie Die fast immer lacht. Im Rahmen der Helene Fischer Show 2018 erschien im Dezember 2018 die Single Regenbogenfarben im Duett mit Helene Fischer. 2019 nahm sie an der 12. Staffel der RTL-Tanzshow Let’s Dance teil und belegte den zehnten Platz. Am 1. November 2019 veröffentlichte sie das dritte Album Ich muss dir was sagen, das ihrer Frau gewidmet ist. Im September 2021 veröffentlichte sie ihr viertes Album Nachts sind alle Katzen grau, ein Jahr später, 7. Oktober 2022, dann ihr fünftes Album Best OTT.

Diskografie

Studioalben

Auszeichnungen

• Die Eins der Besten
  • 2019: in der Kategorie Sängerin des Jahres
  • 2021: in der Kategorie Platin-Eins der Besten (Ich muss dir was sagen)

• Schlager.de-Jahresvoting
  • 2019: in der Kategorie ?Sängerin des Jahres?

• Smago! Award
  • 2021: in der Kategorie Erfolgreichstes Schlageralbum des Jahres (Ich muss dir was sagen)

Literatur

• Kerstin Ott: Die fast immer lacht: Autobiografie. Schwarzkopf & Schwarzkopf Verlag, 2018, ISBN 978-3-86265-700-1, S. 288. 

Weblinks

• Kerstin Ott in der Internet Movie Database (englisch)
• Website von Kerstin Ott
• Chartquellen: DE AT CH

Einzelnachweise

Leben und Musik

Als Jugendlicher trat Achleitner der örtlichen Blasmusikkapelle bei, in der er Trompete spielte. Nach Konflikten über das Repertoire und weil dem Kapellmeister die langen Haare des jungen Musikers missfielen, verließ er die Kapelle. Dann lernte er Gitarre und Klarinette. Die Steirische Harmonika, auf die ihn sein Großvater aufmerksam gemacht hatte, erlernte er im Selbststudium erst Mitte seiner dreißiger Jahre.

Südafrika, Kanada, Philippinen (1972-1983)

Mit 20 Jahren wurde es ihm in Österreich kulturell und gesellschaftlich zu eng und er zog mit seiner Freundin nach Südafrika, wo er als Chemielaborant arbeitete. Er engagierte sich gegen die Apartheid, kehrte aber, nicht zuletzt wegen der Rassentrennung, nach etwas mehr als drei Jahren wieder nach Österreich zurück. Hier heiratete er seine aus Kanada stammende Frau und nahm ihren Familiennamen Sullivan an.

Mit 27 entschied er sich, fortan als Musiker zu arbeiten. In Toronto studierte er zwei Jahre lang Gitarre und lernte Flamenco zu spielen. Nach der Trennung von seiner Frau ging er erneut auf Reisen und blieb längere Zeit auf den Philippinen, wo er das Spielen der Nasenflöte erlernte und durch den Austausch der jeweiligen Volksmusik langsam einen Zugang zu seinem eigenen musikalischen Stil fand - der Öffnung seiner traditionellen heimatlichen Musik für Einflüsse aus anderen, fremden Stilen und Richtungen.

Österreich: die Alpinkatzen (1984-1995)

1984 wieder in Österreich angekommen, arbeitete er als freier Musiker und Komponist und studierte an der Wiener Musikhochschule Elektroakustik und experimentelle Musik. 1986 gründete er mit Wolfgang Staribacher die Band ?Original Alpinkatzen? und nahm den Künstlernamen Hubert von Goisern an; Staribacher war Wolfgang von Wien. Zuerst spielten sie, mitunter vor einem Publikum von nur fünf Zuhörern, in Lokalen und Clubs. Die erste Veröffentlichung war das Album Alpine Lawine von ?Alpinkatzen featuring Hubert von Goisern? im Jahr 1988.

Zusammen mit Wolfgang Ambros, Joesi Prokopetz, Manfred Tauchen gingen die Alpinkatzen 1991 auf die Watzmann-Tournee, eine Bühnenadaption des Hörspiels Der Watzmann ruft. Im Anschluss kam es zur Trennung von Staribacher. Hubert von Goisern, den Künstlernamen behielt er bei, führte das Projekt Alpinkatzen mit neuen Musikern weiter: Stefan Engel an den Keyboards, Wolfgang Maier am Schlagzeug, Reinhard Stranzinger als Gitarrist und Sabine Kapfinger (Alpine Sabine, später Zabine) als Sängerin. Von Kapfinger, die anfangs nur im Studio mitwirkte und erst nach ihrem 18. Geburtstag auch auf der Bühne auftrat, lernte er das Jodeln.

Der Durchbruch gelang 1992 mit dem Album Aufgeigen stått niederschiassen, auf dem erstmals die Lieder Heast as nit (dialektal für Hörst du es nicht), Weit, weit weg und nicht zuletzt Koa Hiatamadl (dialektal für Kein Hirtenmädchen) zu hören waren. Koa Hiatamadl wurde vielfach im Radio gespielt und entwickelte sich zu einem Chart-Erfolg (14 Wochen in den Top Ten der österreichischen Single-Hitparade). Die Alpinkatzen tourten durch den gesamten deutschsprachigen Raum und wurden zu einer der erfolgreichsten Formationen des Alpenrocks.

1994 folgte Omunduntn (dialektal für Oben und unten), unter anderem mit einer deutschsprachigen Übertragung von Ray Charles’ Georgia, nun als Goisern, und überarbeiteten Versionen von Cocaine und Kren & Speck aus dem ersten Alpinkatzen-Album. Eine weitere Tournee führte die Band erneut durch Österreich, Deutschland und die Schweiz. Eine Blitztour führte sie nach Paris, San Antonio und Austin (Texas) sowie nach New York. Es war die letzte Tour der Alpinkatzen. Das letzte Konzert fand am 1. November 1994 statt. Kurz davor wurde der Auftritt im Münchner Circus Krone von Joseph Vilsmaier und dessen Ehefrau Dana Vávrová aufgezeichnet. Der Dokumentar- und Konzertfilm Wia die Zeit vergeht wurde am 1. Juli 1995 beim Filmfest München gezeigt, danach auf VHS und 2006 als DVD veröffentlicht. Das Konzert im Circus Krone wurde als Abschiedskonzert deklariert.

Neben seiner Tätigkeit als Musiker hatte Hubert von Goisern 1994 mit seinem Freund Klaus Höller eine Mode-Kollektion für Meindl in Kirchanschöring entworfen, in denen er, wie in seiner Musik, Traditionelles neu interpretierte.

Film- und weitere Musikprojekte (1996)

Im Fernsehfilm Hölleisengretl (Regie: Jo Baier) mit Martina Gedeck, Michael Lerchenberg und Herbert Fux, gab er als Matthias, Ehemann der buckligen Gretl, sein Schauspieldebüt. Zusammen mit Stefan Melbinger komponierte er auch die Filmmusik. Ein weiteres Rollenangebot, das des Elias in Vilsmaiers Literaturverfilmung Schlafes Bruder, konnte er wegen der Omunduntn-Tournee nicht annehmen. Mit Winfried Grabe und Enjott Schneider schuf er aber die Filmmusik. Weitere Filmmusiken komponierte und spielte er für zwei Filme seines Freundes Julian Pölsler, für Sehnsüchte oder Es ist alles unheimlich leicht (1991) und Die Fernsehsaga - Eine steirische Fernsehgeschichte (1995).

1996 steuerte Hubert von Goisern den Titel Aquarium für die CD Taten statt Warten zum 25-jährigen Jubiläum der Umweltschutzorganisation Greenpeace bei. Das Lied, aufgenommen mit dem Leoganger Kinderchor, war ursprünglich für die Filmmusik des Kinderfilms Ein Rucksack voller Lügen komponiert und eingespielt worden.

Afrika und Tibet (1997-1998)

Durch ihren gemeinsamen Freund, den Verleger Michael Neugebauer, hatte er schon früher die Verhaltensforscherin Jane Goodall, bekannt für ihre Arbeit mit Schimpansen, kennengelernt. Neugierig geworden und von ihr zu einem Besuch im Gombe Stream National Park eingeladen, reiste er Anfang 1996 erstmals nach Tansania. Während einer erneuten Reise entstand in Kooperation mit ORF und Bayerischem Rundfunk eine Filmdokumentation über Goodalls Arbeit: Von Goisern nach Gombe, deren Filmmusik Gombe 1998 veröffentlicht wurde.

Über Tseten Zöchbauer, Obfrau der Organisation ?Save Tibet?, kam er in Kontakt mit Künstlern des Tibetan Institute of Performing Arts (TIPA), deren Tournee durch Österreich er begleitete und präsentierte. Im Anschluss begann er eine Reise nach Tibet vorzubereiten und fragte Zöchbauer, die als Zweijährige ihre Heimat verlassen hatte, ob sie ihn begleiten würde. Sechs Wochen bereisten sie das seit 1951 von der Volksrepublik China besetzte Land und berichteten danach in einem ORF-Interview von der Lage der Tibeter und der Unterdrückung ihrer Kultur.

Mit Wolfgang Spannberger reiste er wenig später nach Dharms?la im nordindischen Bundesstaat Himachal Pradesh, den Sitz der tibetischen Exilregierung, wo sie Tendzin Gyatsho, den 14. Dalai Lama, trafen. Mit einem mobilen Tonstudio machten sie vor Ort Aufnahmen tibetischer Volkslieder, vorgetragen von Musikern des TIPA. Zusammen mit weiteren Aufnahmen, zu denen sie Pasang Lhamo, Sherab Wangmo, Jamjang Chönden und Sonam Püntsok nach Salzburg eingeladen hatten, wurden die Lieder 1998 auf der CD Inexil veröffentlicht. Tendzin Gyatsho besuchte, eingeladen auf Vorschlag Hubert von Goiserns, am 11. Juni 1998 Bad Ischl.

Neustart (1999-2006)

Ab 1999 arbeitete Hubert von Goisern wieder an einem Album mit eigenen Kompositionen. Mit einer neuen Band (Bernd Bechtloff, Burkhard Frauenlob, Arnulf Lindner und Helmut Punzenberger, während der Tournee verstärkt um die Geigerin Agnes Grasberger; später teils von Wolfgang Blümel, Antonio Porto und Burgi Höller abgelöst) wurden im Sommer 2000 die Lieder für Fön aufgenommen. Am 6. November 2000 kam damit nach sechs Jahren wieder ein Hubert von Goisern-Album in den Handel. Im Frühling 2001 begann die Fön-Tour mit einem Konzert am 3. März in Linz und dem Erscheinen des Albums Trad, einer Sammlung österreichischer Volkslieder, am 5. März.

Im Mai 2001 wurde Hubert von Goisern als bester ?Künstler Pop/Rock national? erstmals mit dem Amadeus Austrian Music Award ausgezeichnet. In seiner Dankesrede, die, wie es sich am nächsten Tag herausstellte, vom ORF vor der Ausstrahlung gekürzt worden war, kritisierte er die österreichische Musikbranche und Radiosender wegen ihrer mangelnden Unterstützung für österreichische Künstler.

Im Anschluss an die Fön-Tour spielte Hubert von Goisern eine Reihe von Konzerten in ?gypten und westafrikanischen Ländern. In Assiut teilte er die Bühne mit Mohamed Mounir, einem der populärsten ägyptischen Musiker, der traditionelle Sufi-Musik mit Elementen des Pop und Rock verbindet. Während der dreiwöchigen Reise durch Westafrika wurde die Band von einem Filmteam begleitet und es entstand ein Dokumentar-/Musikfilm über das Zusammentreffen der österreichischen und verschiedener afrikanischer Musiker, veröffentlicht auf der DVD Grenzenlos. Im Sommer 2002 folgten eine Tournee durch Deutschland und das Album Iwasig.

Als Tendzin Gyatso (Dalai Lama) im selben Jahr in Graz die Kalachakra-Zeremonie durchführte, präsentierten Hubert von Goisern und Tseten Zöchbauer mehrere Sounds of Tibet-Konzerte mit Künstlern des TIPA. Nach einer Hallen-Tournee durch Deutschland, Österreich, die Schweiz und Italien im Winter 2002/2003 nahm die Band in einem eigens eingerichteten Tonstudio in einem leerstehenden Berghotel auf dem Krippenstein (Dachsteingebirge) in 2100 Meter Höhe die Lieder für das Album Trad II auf. Konzerte führten die Gruppe im Verlauf des Jahres unter anderem nach Sarajevo und Kap Verde, wo der Auftritt vor 90.000 Besuchern stattfand und im staatlichen Fernsehen übertragen wurde. Gemeinsam mit Mohamed Mounir führte eine Tournee, die als Beispiel für interkulturelle Zusammenarbeit von Kritikern gelobt und von Besuchern begeistert aufgenommen wurde, durch den gesamten deutschsprachigen Raum. Jedes Konzert endete mit Mounirs Madad Ya Rasulallah, einem Lied für den Frieden. Nachdem im Oktober Trad II auf dem verschneiten Krippenstein präsentiert wurde, folgte 2004 die Trad II-Tournee.

Im Januar 2005 traten Hubert von Goisern und seine Band beim Festival au Désert und mit dem Balafon-Virtuosen Kele Tigi im Akwaba-Club in Bamako in Mali auf. Wiederum wurde die Reise filmisch dokumentiert und als Warten auf Timbuktu gezeigt.

Nach den zahlreichen Tourneen der vorhergehenden Jahre widmete Hubert von Goisern sich nun einigen anderen Projekten, präsentierte zum Beispiel in der Dachstein-Mammuthöhle eine Klanginstallation. Im November 2005 sang er mit Wolfgang Niedecken das Duett Rita mir zwei zum 30-jährigen Bandjubiläum der deutschen Rockgruppe BAP (Doppel-CD Dreimal zehn Jahre).

Im April 2006 verwendete die FPÖ Hubert von Goiserns populäres Lied Heast as nit bei einer Parteiveranstaltung. Er veröffentlichte daraufhin einen offenen Brief an den Parteiobmann Heinz-Christian Strache, in dem er ihn aufforderte, in Zukunft keine Lieder mehr von ihm zu verwenden. Unter anderem schrieb er: ?Ich stehe für eine offene, tolerante Gesellschaft, für den Abbau der ?ngste vor dem Fremden und Neuen, und nicht das Schüren derselben. Ich stehe dafür, den Veränderungen ins Auge zu schauen und nach vorne zu blicken, nicht für den Versuch[,] die Zeit aufzuhalten oder gar zurück zu drehen [?]?.

Linz Europa Tour (2007-2009)

2007 startete Hubert von Goisern die Linz Europa Tour, eine für zwei Jahre anberaumte Tournee durch viele Länder Europas zur Bewerbung von Linz09. Die Planungen dazu begannen 2005. Bis 2009 bereiste er mit einem kleinen Schiffsverband (ein zur Bühne umgebautes Frachtschiff von 77 m × 12 m, das Schubschiff MS Wallsee und ein Wohnschiff) beginnend mit der Donau, mehrere Flüsse des Kontinents. Dabei gab es in zahlreichen Städten gemeinsame Konzerte mit Musikern aus den jeweiligen Ländern. Im August 2008 wurde von dieser Tour die Dokumentation Goisern goes East auf DVD veröffentlicht.

Am 24. Juni machte das Schiff während des Donauinselfestes in Wien Station. Am Konzert nahmen neben Hubert von Goiserns international besetzter Band die Hohtraxlecker Sprungschanzenmusi aus Bad Ischl und Willi Resetarits aus Wien teil. Der erste Teil der Reise führte bis Ende 2007 donauabwärts bis zum Donaudelta am Schwarzen Meer. Rund 20 Konzerte wurden dabei absolviert und schließlich das Delta selbst in WWF-Begleitung inspiziert.

2008 führte die Reise stromaufwärts über Passau und Regensburg, dann über den Main-Donau-Kanal zum Rhein und bis Rotterdam. Dieser Teil der Tour fand parallel zur Veröffentlichung seines Albums ?s’Nix? statt. Auch hierüber wurde wieder eine Dokumentation gedreht, unter dem Titel Goisern goes West.

Endpunkt der Flussreise war ein mehrtägiges Hafenfest im Heimathafen des Schiffes in Linz in Oberösterreich von 3. bis 5. Juni 2009. Dabei traten neben von Goisern und einigen der Musiker, die während der Reise bereits auf dem Schiff gespielt hatten, unter anderem Klaus Doldinger, BAP, Haindling, Konstantin Wecker und Xavier Naidoo auf. Die Stadt ist 2009, gemeinsam mit Vilnius, der Hauptstadt Litauens, Kulturhauptstadt Europas.

Erfolg mit EntwederUndOder (seit 2010)

Von Ende 2010 bis Frühjahr 2011 war Hubert von Goisern auf Wirtshaustournee in Österreich und Deutschland. Ein Livemitschnitt und ein Dokumentarfilm darüber wurden im darauffolgenden August vom Salzburger Fernsehsender Servus TV ausgestrahlt. Wenige Wochen später erschien das Album EntwederUndOder, das sich in die Top 10 der österreichischen und Top 20 der deutschen Hitparade platzieren konnte. Der Sender Ö3 nahm das Lied Brenna tuats guat aus dem Album in seine Playlist auf. Es erreichte innerhalb weniger Wochen Platz 1 der österreichischen Charts, womit die Höchstplatzierung von Koa Hiatamadl überboten wurde. Auch in Deutschland feierte der Titel Erfolg und konnte sich als erste Single Hubert von Goiserns in den deutschen Verkaufscharts platzieren.

2014

Hubert von Goisern kuratierte für die Ausstellung Alpenliebe auf der Kaiser-Franz-Josefs-Höhe (Großglockner) zusammen mit ca. 20 Künstlerinnen und Künstlern ein mehrstündiges Hörerlebnis (siehe unten). Die Ausstellung ist seit 12. Juni 2014 für Besucher zugänglich.

Am 24. Oktober 2014 erschien das Album Filmmusik. Darauf sind 16 der bekanntesten Stücke von Hubert von Goisern versammelt, welche zugleich den Soundtrack für den Film Österreich: Oben und Unten (Regie: Joseph Vilsmaier, Filmstart Januar 2015) darstellen. Die Stücke wurden von Hubert von Goisern zusammen mit dem Orchesterleiter Robert Opratko für orchestrale Begleitung umgesetzt. Am 31. Oktober 2014 wurde das Album Steilklänge, Vol. 1 veröffentlicht. Es präsentiert das von Hubert von Goisern für die Ausstellung Alpenliebe zusammengestellte Hörerlebnis, welches Stücke aus sechs Alpenländern und somit das gesamte alpine Klangspektrum umfasst.

Vom 26. Oktober bis 16. November war Hubert von Goisern auch wieder live (Tour 2014) in Luxemburg, Deutschland und Österreich unterwegs.

Ab 2015

Im April 2015 kam die Dokumentation Hubert von Goisern - Brenna tuat’s schon lang von Filmemacher Marcus H. Rosenmüller in die deutschen Kinos. Beim Amadeus Austrian Music Award 2016 wurde er als Künstler des Jahres ausgezeichnet.

2016 erschien die CD "Federn", zu der es später auch eine Live-Version gab.

2018 stiftete Hubert von Goisern zunächst für die kommenden zehn Jahre einen nach ihm benannten Kulturpreis, der mit 10.000 Euro dotiert ist und jährlich an bis zu fünf Personen verliehen werden soll, die sich durch ?außerordentliches Engagement und Leistungen im Bereich Kunst und Kultur? verdient gemacht haben.

2020 veröffentlichte Hubert Achleitner seinen ersten Roman "flüchtig", der in Österreich zum Bestseller wurde, aber auch in den angrenzenden Ländern wohlwollend aufgenommen wurde. Es handelt sich um die Geschichte der Midlife-Krise einer (Ehe-)Frau.

2020 erschien nach einem halben Jahrzehnt die erste neue CD, "Zeiten & Zeichen".

2021 startete er im Freien Radio Salzkammergut eine neue Musiksendung. Die erste Folge von "Steilklänge - Radio für Schwindelfreie" ging am 14. August 2021 um 20 Uhr auf Sendung.

Musik

Musikalisch wird Hubert von Goisern der Neuen Volksmusik zugerechnet. Geläufiger ist speziell zur Beschreibung seines Stils der Begriff Alpenrock. In vielen Kreisen gilt er als Erfinder dieses Genres. Seine Musikart stellt eine Mischung aus moderner Rockmusik und Alpiner Volksmusik dar. Signifikant dafür ist das in seinen Liedern vorerstige klangliche Erscheinen der Ziehharmonika, was dann durch das Spielen der E-Gitarre ausgeglichen wird. Basierend darauf verbindet er seinen Stil auch mit Musikarten wie Reggae, Soul, Jazz und Punkrock.

Die Musik wird zeitweise auch von afrikanischer Volksmusik beeinflusst. Ein Beispiel dafür ist das Album Gombe. Laut von Goisern soll dadurch nähergebracht werden, dass er sich in Ländern wie unter anderem Burkina Faso oder Senegal befunden hat, als er inspiriert wurde.

Weitere Einflüsse kommen von der brasilianischen Samba-Tanzmusik und vom altamerikanischen Funk, wodurch er sich mit den letzten Alben vom Alpenrock stärker zur Weltmusik gewandt hat.

Texte und Symbolik

Die Texte des Musikers sind oft politisch. Ein Beispiel dafür sind seine Anspielungen auf den ebenfalls aus Goisern stammenden Politiker Jörg Haider in seinen Texten gegen Ende der 1990er Jahre und zu Beginn des 21. Jahrhunderts, als dessen Partei, die FPÖ (später BZÖ), eine große Anhängerschaft besaß, die aber auch nach Haiders Tod diese nicht verlor.

Diskografie

Alben

Singles

Videoalben

Hubert von Goisern und die Alpinkatzen

• 2006: Wia die Zeit vergeht ? (Live) (DE, AT: Gold)

Hubert von Goisern

• 2003: Iwasig (Live) (DVD)
• 2003: Grenzenlos (DVD)

Filmographie

• Hölleisengretl (Fernsehfilm, 1995)
• Vom Glücksdrachen, der Sturmfee und dem guten Gefährten (2008)
• Karandila und der Kampf gegen die Bösen (2008)
• Hubert von Goisern - Brenna tuat’s schon lang (Dokumentation, 2015)
• Goisern goes USA (Fernsehfilm, 2016)
• Goisern goes East (Fernsehfilm, 2008)
• Goisern goes West (Fernsehfilm, 2009)

Auszeichnungen

• Amadeus Austrian Music Award:
  • 2001: Künstler Pop/Rock national für ?Fön?
  • 2002: Jazz/Blues/Folk-Album des Jahres national für ?Trad?
  • In den Jahren 2003, 2005 und 2006 wurde er jeweils für einen weiteren Amadeus Award nominiert.
  • 2012: Album des Jahres mit ?EntwederUndOder? sowie Pop/Rock
  • 2013: Ehrenpreis für genre- und völkerverbindende Musik
  • 2016: Künstler des Jahres
• 2004 Ernennung zum Ehrenbürger in seinem Heimatort Bad Goisern
• Deutsche RUTH 2011.

Publikationen

• als Hubert Achleitner: flüchtig, Roman, Zsolnay / Hanser Literaturverlage 2020, ISBN 978-3-552-05972-6.

Literatur

• Bernhard Flieher: Weit, weit weg - Die Welt des Hubert von Goisern. Residenz Verlag, St. Pölten und Salzburg 2009, ISBN 978-3-7017-3135-0.
• Michael Huber: Goisern, Hubert von. In: Oesterreichisches Musiklexikon. Online-Ausgabe, Wien 2002 ff., ISBN 3-7001-3077-5; Druckausgabe: Band 2, Verlag der Österreichischen Akademie der Wissenschaften, Wien 2003, ISBN 3-7001-3044-9.

Weblinks

• Offizielle Website Hubert von Goiserns
• Literatur von und über Hubert von Goisern im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Hubert von Goisern in der Internet Movie Database (englisch)
• Günter Kaindlstorfer/Die Presse: ?Dem Haider sein Vater ist ein unverbesserlicher Nazi? - Hubert von Goisern über den Kuhmelcher-Jodler, sein Verhältnis zu den Beatles und seine Beziehung zu Jörg Haiders Familie in Bad Goisern, 20. Februar 1993
• Hubert von Goisern bei laut.de

Quellen

Mit 21 Nummer-eins-Alben und über 50 Millionen verkauften Tonträgern ist er der erfolgreichste Künstler in den deutschen Charts. Zu Beginn seiner Karriere wurde er durch Schlager bekannt; ab 1974 spielte er mit seiner Band hauptsächlich Rock, Country und Rock ’n’ Roll. Im weiteren Verlauf entwickelte er sich zum erfolgreichsten deutschsprachigen Musiker. Darüber hinaus ist er Miterfinder der Märchen- und Zeichentrickfigur Tabaluga.

Leben und Wirken

Musikalische Anfänge

Peter Maffay wurde 1949 im rumänischen Bra?ov als einziges Kind von Wilhelm Makkay (1926-2021) und seiner Frau Augustine, geb. Feltes (1928-1991) geboren. Sein Vater war ungarndeutscher, seine Mutter siebenbürgisch-sächsischer Herkunft. Im August 1963 siedelte Maffay mit seinen Eltern nach Waldkraiburg bei Mühldorf am Inn in Bayern aus. Im Alter von sieben Jahren begann er mit Geigenunterricht, den er bis zum Alter von 14 Jahren erhielt. Er wechselte von der Realschule auf das Ruperti-Gymnasium Mühldorf am Inn.

Mit Ferienarbeit auf der Baustelle verdiente er Geld für eine erste Gitarre. 1964 schloss sich Maffay als Gitarrist der neugegründeten Band The Beat Boys an, die später in The Dukes umbenannt wurde. Die Band spielte im Lokal Weißer Hirsch in Waldkraiburg, wo sie auch ihren ersten Übungsraum hatte, Lieder von Bob Dylan, The Pretty Things, Small Faces, Herman’s Hermits, Cream, The Lovin’ Spoonful, The Kinks und Donovan. Sie hatten Auftritte in der Region um Mühldorf und wurden auch im Umkreis bekannt.

Nachdem er 1968 das Gymnasium nach zweimaliger Nichtversetzung hatte verlassen müssen, begann er in München eine Lehre als Chemigraf, die er allerdings zugunsten seiner Karriere als Musiker nicht beendete. In München traf er seine ehemalige Schulkameradin Margaret Kraus wieder, die Tochter von Alfred Kraus. Sie gründeten gemeinsam das Folk-Beat-Duo Peter & Margit, bei dem er das erste Mal auch sang. Sie spielten im Münchener Club Song Parnass Songs von Bob Dylan, Peter, Paul & Mary, den Kinks, Rolling Stones, Pete Seeger, Tom Paxton und Paul Simon. Sie sangen die Lieder auf Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch, Ungarisch, Rumänisch und Russisch - alles Sprachen, die Maffay auch beherrscht. Für einen Auftritt erhielten sie 10 DM pro Person. Das Duo veröffentlichte auch eine Single.

Karriere

1969 wurde Michael Kunze auf Maffay aufmerksam, als er auf der Suche nach Nachwuchsinterpreten für selbstgetextete Lieder war. Im Januar 1970 wurde das von Kunze produzierte Du als erste Single des noch minderjährigen Maffay veröffentlicht. Im März 1970 hatte er seinen ersten Fernsehauftritt in der ZDF-Hitparade. Der Auftritt machte ihn in Deutschland bekannt, und Du wurde der größte deutschsprachige Hit des Jahres 1970. Gleichzeitig platzierte sich der Song auch in den Hitparaden der Niederlande (Gold), Norwegens, Österreichs, Belgiens (Gold) und der Schweiz. Es wurden über eine Million Singles verkauft. Der Erfolg von Du wurde mit den Anschlusssingles nicht erreicht, mit seinem Manager Michael Conradt wechselte 1973 auch der Stil, was sich zuerst an Samstag abend in unserer Straße zeigte. Während der restlichen 1970er Jahre wurde Maffay durch konventionelle Country- und Rock’n’Roll-Nummern und Balladen zu einer Größe im Musikgeschäft. Dabei unternahm er zusammen mit dem deutschen Singer-Songwriter Johnny Tame als Tame & Maffay auch Ausflüge in den Country-Rock.

Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre vollzog Maffay einen stilistischen Wandel vom Country-Sänger zum Deutschrocker. Mit dem 1,6 Millionen Mal verkauften Album Steppenwolf, seinerzeit ein Verkaufsrekord, gelang Maffay 1979 der Sprung an die Spitze der Albumcharts. Auf dem Album ist sein zweiter Nummer-eins-Hit So bist Du enthalten. Noch erfolgreicher war 1980 das folgende Album Revanche mit dem Karat-Song Über sieben Brücken mußt du gehn. Bis heute wurden davon über 2,1 Millionen Platten verkauft.

Einen Tiefpunkt seiner Karriere erlebte er 1982, als er in mehreren deutschen Städten im Vorprogramm der Rolling Stones auftrat, aber bei den Konzertbesuchern kaum Akzeptanz fand. So wurde Maffay schon beim Tourauftakt in Hannover von Peter Wolf, dem Sänger der J. Geils Band, mit der Frage angekündigt, ob man Schlager möge. Während seines anschließenden Auftritts wurde Maffay mit Tomaten und Eiern beworfen.

Zum 40-jährigen Bühnenjubiläum nahm Maffay das Album Tattoos auf, das bis auf ein gesangloses Intro und das Lied Wir verschwinden Neuaufnahmen seiner größten Hits enthält. Die neuen Versionen entstanden mit Unterstützung des Wroclaw Score Orchestra. Mit Tattoos kam Peter Maffay zum 14. Mal auf Platz eins der Albumcharts, womit er der Rekordhalter in Deutschland ist. Es war sein 41. Album in den Charts; die vorherigen Alben waren zusammengerechnet über 1000 Wochen in den deutschen Albumcharts, einschließlich Tabaluga und die Zeichen der Zeit. 2011 nahm er gemeinsam mit Bushido und Sido für deren Album 23 mit Erwachsen sein eine Neuauflage seines Hits Nessaja auf.

Bisher verkauften sich 13 seiner Alben über eine Million Mal, 19 seiner Alben erreichten Platz eins in den Albumcharts, beides die höchste Anzahl eines Künstlers in Deutschland. Insgesamt verkaufte Maffay knapp 50 Millionen Tonträger (Stand 2012). Seine Tourneen hatten zum Teil über 700.000 Besucher pro Tour, Konzerte bis zu 120.000 Besucher.

Band

In der Folge der stilistischen Umorientierung kristallisierte sich eine Stammbesetzung der musikalischen Begleitband heraus. Die Rhythmusgruppe bestand bis 1988 aus Bertram Engel (Schlagzeug) und Steffi Stephan (Bass), seit 2017 auch aus Charly Klauser. Seit Stephans Rücktritt aus der Band besetzte diese Position Ken Taylor, kurzzeitig auch Colin Hodgkinson.

Die Keyboards wurden überwiegend von Jean-Jacques Kravetz gespielt, dessen Sohn Pascal Kravetz 1988 erstmals live mitspielte. Zwischen 1980 und 1985 war zudem Thomas Glanz, von 1986 bis 1988 der Arrangeur und Komponist Tony Carey als Keyboarder für Maffay tätig.

Zahlreiche Gitarristen spielten bisher in der Peter-Maffay-Band, unter anderem Andreas Becker (1989-2004), Carl Carlton (seit 1986), der mit einer kurzen Unterbrechung (2005-2008) auch Songwriter und im Verbund mit Bertram Engel hauptsächlicher Produzent ist, Alvin Lee (1991), sowie Peter Keller ab 2004. Wichtigster und einflussreichster Gitarrist war Frank Diez, Gründungsmitglied der Peter-Maffay-Band und 30 Jahre lang von 1974 bis 2004 kongenialer Mitstreiter und Kreativpartner von Peter Maffay.

Vereinzelt tauchten auch Bläser im Maffay-Arrangement auf, wie beispielsweise der Saxophonist Eddie Taylor (bis 1997). Jon Robert Smith (Saxophon) und Steve Howard (Trompete) sind seit 2001 regelmäßig wiederkehrend in der Band. Seit 2014 wirkt der Saxophonist Everette Harp bei Aufnahmen und in Livekonzerten mit. Seit der Aufnahme des MTV Unplugged-Albums 2017 auch Bläser Frank Mead.

Insbesondere bei Live-Auftritten wirken bei Peter Maffay oft Gäste mit, denen er jeweils Zeit und Raum für einen eigenen musikalischen Block einräumt. Zu ihnen gehörten bislang zum Beispiel John Mayall, Julia Neigel, Chris Thompson, Johnny Tame und Meike Anlauff (Mayque). Mit Julia Neigel verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit. Sie schrieb für ihn auch die Texte für Freiheit die ich meine, Siehst Du die Sonne und als Mitautorin Gib die Liebe nicht auf.

Deutsche RockRadio Gesellschaft

Die Musiker-Kollegen Marius Müller-Westernhagen, Scorpions, Peter Maffay und Klaus Lage gründeten Ende der 1990er Jahre die Deutsche RockRadio GmbH. Erklärtes Ziel ist die Förderung von Rockmusik in der pop-orientierten Radiolandschaft. So startete am 1. August 1998 das erste landesweite Programm der Musiker Rockland Radio in Rheinland-Pfalz.

Jenseits der Rockmusik

Neben der Rockmusik kreierte Maffay mit der Tabaluga-Reihe ein Märchen, das sechs Alben umfasst. In den 1990er Jahren wurde das dazugehörige Musical als Tourneetheater und von 1999 bis 2001 auch fest in Oberhausen aufgeführt. Außerdem wurden 78 Zeichentrickfolgen dazu produziert. 2015 erschien das bisher letzte Album Tabaluga - Es lebe die Freundschaft.

Sein 1998 erschienenes Album Begegnungen beschritt neue Wege: Maffay spielte hier mit Künstlern aller Kontinente; unter anderem mit der Aborigines-Band Yothu Yindi und Musikern aus Israel. Ziel dieser Zusammenarbeit war es, Gelder einzuspielen, um gemeinsam mit World Vision Deutschland Entwicklungshilfeprojekte unter dem Titel Begegnungen - Eine Allianz für Kinder zu fördern. Dies setzte er 2006 mit der Tour Begegnungen - Eine Allianz für Kinder fort, an der u. a. auch Shantel teilnahm.

Maffay spielte in zwei Filmen von Peter Patzak die Hauptrolle: 1986 in Der Joker und 1999 in Gefangen im Jemen. Außerdem spielte er eine Nebenrolle im Spielfilm Der Eisbär. Im August 2009 veröffentlichte Maffay seine erste offizielle Biografie Auf dem Weg zu mir, niedergeschrieben von dem freien Journalisten Edmund Hartsch. Im Juli 2010 porträtierte die ARD ihn in ihrer Sendereihe Deutschland, deine Künstler.

Im November 2011 hielt Maffay die Laudatio für den Rapper Bushido, der mit dem Bambi-Integrationspreis ausgezeichnet wurde. Einen Monat nach der Preisverleihung distanzierte sich Maffay jedoch von dem Rapper, nachdem es bei der Talk-Show Markus Lanz zu heftigen Diskussionen gekommen war. Maffay erklärte, Bushido habe sich zwar von diskriminierenden, gewaltverherrlichenden Inhalten distanziert, aber bisher die Konsequenz vermissen lassen, die Songs und Videos vom Markt zu nehmen. Außerdem fehle eine Zusage, in Zukunft auf Veröffentlichungen dieser Art zu verzichten. Bei der Echoverleihung 2012 setzte Bushido den Disput mit der an Maffay gerichteten Bemerkung ?Wir sind politisch unkorrekt? fort.

Im August 2015 wurde ihm zu Ehren an der Allgemeinschule Nr. 12 in Bra?ov, die er von 1955 bis 1963 besuchte, in seinem Beisein eine zweisprachige Gedenktafel enthüllt. Gleichzeitig wurde ihm die Ehrenbürgerschaft der Stadt verliehen und er zum Kulturbotschafter Bra?ovs ernannt.

Seit November 2019 gibt es die Peter Maffay Radio Show beim Radiosender R.SA, die in der ersten Staffel von Maffay und Daniel Neumann moderiert wurde. Seit der zweiten Staffel, die von Maffay und Henriette Fee-Grützner moderiert wurde, lief parallel zur Radioshow bei R.SA die Serie Red Rooster TV bei MagentaTV, zu der in jeder Folge Gäste aus verschiedenen Bereichen eingeladen werden. 2022 wirkte er in der 12. Staffel der Gesangs-Castingshow The Voice of Germany als Coach neben Rea Garvey, Stefanie Kloß und Mark Forster mit und belegte mit seinem Kandidaten Julian Pförtner den zweiten Platz.

Gesellschaftliches Engagement

Neben seiner künstlerischen Arbeit ist Peter Maffay politisch und gesellschaftlich engagiert und verleiht seinen Ansichten zum Teil auch in Liedern Ausdruck; so bspw. in dem Titel Eiszeit, welcher Kriege und Umweltprobleme thematisiert. Er ist in der Friedensbewegung aktiv und gab 2005 ein Konzert bei den deutschen ISAF-Truppen in Afghanistan. 2008 sang er zusammen mit Rolf Zuckowski und Nena den Themensong zur Aktion Ein Herz für Kinder.

Bereits seit den 1980er Jahren engagiert er sich intensiv für soziale Projekte, die Umwelt, den Frieden, gegen Gewalt, Diktatur und Rassismus. Er gründete im Jahr 2000 die Peter Maffay Stiftung, die jährlich rund 1800 benachteiligten, kranken und traumatisierten Kindern in vier Ferieneinrichtungen in Deutschland, Spanien und Rumänien eine Auszeit inmitten der Natur bietet. Für sein soziales Engagement erhielt er u. a. 1996 und 2008 das Bundesverdienstkreuz, 2001 die Goldene Henne, 2003 die polnische Auszeichnung Kavalier des Ordens des Lächelns, 2004 den Deutschen Canto Kulturpreis sowie 2006 den erstmals vergebenen World Vision Charity Award. Die Peter Maffay Stiftung erhielt zudem 2011 den Ehrenpreis des Deutschen Nachhaltigkeitspreises sowie den Echo als Sonderpreis für gesellschaftliches Engagement.

Peter Maffay ist Schirmherr der Tabaluga-Kinderstiftung und stellte ihr eine Abbildung des Tabaluga-Drachen als Stiftungslogo zur Verfügung. Er ist außerdem offizieller Botschafter für die Deutsche José Carreras Leukämie-Stiftung und unterstützt World Vision Deutschland als prominenter Kinderpate. Er widmete den Song Children of the World dem Deutschen Kinderpreis von World Vision. Deshalb wurde ihm am 15. November 2011 die Martin Buber-Plakette verliehen.

Peter Maffay engagiert sich gegen Rassismus und für Toleranz und ist ein Unterstützer der Amadeu Antonio Stiftung. Am 2. Dezember 2011 trat er zusammen mit Udo Lindenberg, Julia Neigel, Clueso und Silly beim Protestfestival Rock gegen Rechts wegen der NSU-Mordserie in Jena vor 60.000 Menschen auf. Im Jahr 2015 wurde Peter Maffay zum Botschafter für Demokratie und Toleranz vom Bündnis für Demokratie und Toleranz ausgezeichnet.

Seit 2012 ist Maffay einer der deutschen Botschafter der UN-Dekade Biologische Vielfalt. Maffay agierte in der deutschen Version des Benefiz-Songs Do They Know It’s Christmas von Band Aid mit, der am 21. November 2014 veröffentlicht wurde.

Im Zuge der Flüchtlingskrise in Europa 2015 plädierte Maffay für einen ?ehrlichen? Umgang mit den Problemen und Schwierigkeiten, die bei der Integration vieler Zuwanderer aus anderen Kulturen entstehen würden. Neben dem Spracherwerb sei Respekt vor den Werten der neuen Heimat die wichtigste Voraussetzung für die Integration.

Seit Juli 2016 ist Peter Maffay Pate der Nürnberger Wilhelm-Löhe-Schule bei Schule ohne Rassismus - Schule mit Courage.

Peter Maffay war Teilnehmer der Bundesversammlung am 12. Februar 2017 zur Wahl des deutschen Bundespräsidenten 2017. Er wurde von den saarländischen Sozialdemokraten nominiert.

Maffay verklagte den NDR vor dem LG Hamburg wegen eines 2018 entstandenen Radiobeitrags und Berichts über angebliche rassistische Beleidigungen, Drohungen, Schlägen, Tritten in seiner Fundatia Tabaluga und des Tabalugahauses im rumänischen Dorf Roade?, worüber Zeugen berichteten. Ebenfalls seit 2018 befindet sich Maffay auf der Liste der Preisträger der Buber-Rosenzweig-Medaille.

Peter Maffay ist Mitglied im Kuratorium der DFL Stiftung.

Ehen und Kinder

Peter Maffay war viermal verheiratet. Seine erste Ehefrau - die Lehrerin Petra Küfner - heiratete er 1975; die beiden trennten sich 1979. 1981 gab er der befreundeten Musikerin und damaligen Lehramtsstudentin Chris Heinze das Jawort. Diese Ehe hielt bis 1986. Ein Jahr zuvor hatte das in Tutzing am Starnberger See lebende Paar eine Tochter adoptiert. Von 1990 bis 2000 war Maffay mit der Promotion-Agentin Michaela Herzeg verheiratet. Sie trennten sich 1999. Ab da war Maffay mit Tania Spengler liiert, die er 2003 heiratete. Im selben Jahr wurde ein gemeinsamer Sohn geboren. Die Familie lebte in Tutzing sowie auf einer Finca auf Mallorca. In Tutzing betreibt Maffay auch das Tonstudio Red Rooster/Tabaluga Enterprises.

Anfang Dezember 2015 wurde bekannt, dass er sich von seiner vierten Frau getrennt hat und die Gymnasiallehrerin Hendrikje Balsmeyer aus Halle (Saale) seine neue Partnerin ist. Mit ihr bekam er im November 2018 eine Tochter. Im August 2020 wurde die Ehe mit Tania Makkay, geb. Spengler geschieden.

Auszeichnungen

Diskografie

Studioalben

grau schraffiert: keine Chartdaten aus diesem Jahr verfügbar

Filmografie (Auswahl)

• 1971: Das haut den stärksten Zwilling um (Kinofilm)
• 1987: Der Joker (Kinofilm)
• 1989: Abenteuerreisen Island (TV-Reisedokumentation)
• 1991: Der Gorilla (Le Gorille. Fernsehserie, Folge Der Gorilla und die Operation Poker)
• 1995: Frankie (Fernsehminiserie)
• 1998: Der Eisbär (Kinofilm)
• 1999: Gefangen im Jemen
• 2017: Bullyparade - Der Film (Cameo)

Schriften

• Auf dem Weg zu mir. C. Bertelsmann, München 2009, ISBN 978-3-570-01029-7 (unter Mitarbeit von Edmund Hartsch).
• Der 9. Ton. Gedanken eines Getriebenen. Kösel, München 2013, ISBN 978-3-466-37059-7 (unter Mitarbeit von Sascha Hellen).
• Hier und Jetzt: Mein Bild von einer besseren Zukunft. Lübbe, Köln 2020, ISBN 978-3-431-05004-2 (unter Mitarbeit von Gaby Allendorf).

Liederbücher

• Heute vor 30 Jahren (die besten Songs 1971-2001, arrangiert für Klavier, Gesang & Gitarre). Bosworth Music, Frechen 2001, ISBN 3-920127-63-3.

Literatur

• Michael Rieth, Franz Schlechter: Peter Maffays Begegnungen. Ein Reisebericht. Goldmann, München 1998, ISBN 3-442-30800-3.
• ?Man muss auch Masochist sein?. Peter Maffay im Interview mit Dominik Schütte. In: DB Mobil. August 2019, S. 22-30 (Fotos: Markus Burke); mobil.deutschebahn.com [PDF; 52,3 MB; abgerufen am 28. August 2019].

Weblinks

• Website von Peter Maffay
• Website der Peter-Maffay-Stiftung
• Peter Maffay in der Internet Movie Database (englisch)
• Literatur von und über Peter Maffay im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Chartplatzierungen in Deutschland
• Hannes Rossacher (Regie): Peter Maffay. Auf dem Weg zu mir. Ein Roadmovie durch das Jahr 2013. (Nicht mehr online verfügbar.) In: ardmediathek.de. 21. Februar 2014, archiviert vom Original am 1. März 2014; abgerufen am 29. Mai 2018 (60-minütige TV-Dokumentation; Link ?Mehr zum Film? (Memento vom 2. März 2014 im Internet Archive)). 
• Über sieben Brücken - ein DDR-Hit geht um die Welt. Hörfunkfeature zur Entstehung von ?Über sieben Brücken musst du gehn?. MDR Kultur. 5. Januar 2019 (MP3; 29 Min.)

Einzelnachweise

Aus finanziell ärmlichen Verhältnissen stammend, begann er seine Karriere 1954 als einer der ersten Musiker der Rockabilly-Bewegung, einer Fusion von ?weißer? Country-Musik und ?schwarzem? Rhythm and Blues. Seinen Durchbruch hatte er 1956, als er zur kontrovers diskutierten Identifikationsfigur der Rock-’n’-Roll-Bewegung wurde. Für Furore sorgte er mit seinen ausgesprochen körperbetonten Bühnenauftritten in einer Zeit, in der dies noch nicht zum Standardrepertoire von Live-Entertainern gehörte. Presleys Markenzeichen waren seine markante, annähernd drei Oktaven umfassende Stimme und sein innovativer, emotionsgeladener Gesangsstil, mit denen er in unterschiedlichen Genres wie Rock, Pop, Country, Gospel und Blues erfolgreich war.

Bis 1978 wurde Presley 14 Mal für den Grammy nominiert, den er drei Mal für seine Gospelinterpretationen gewann. Im Alter von 36 Jahren wurde er als bis dahin jüngster Künstler mit dem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet. Er ist neben Michael Jackson als einziger Künstler in fünf Halls of Fame vertreten: Rock ’n’ Roll, Rockabilly, Country, Blues und Gospel. Ferner wurden sechs seiner Songinterpretationen als historisch besonders bedeutsam in die Grammy Hall of Fame aufgenommen. Laut der Recording Industry Association of America (RIAA) hat er zudem mit 167 Einheiten die meisten Gold- und Platin-Auszeichnungen sowie einen Diamond-Award (Stand: Dezember 2011). Die RIAA zeichnete ihn wiederholt als ?Best Selling Solo Artist in U.S. History? aus.

In den amerikanischen Billboard-Charts erreichte Presley mit 15 Alben und 16 EPs den ersten Platz. Er ist als einziger Musiker in der US-amerikanischen Chartgeschichte mit Nummer-eins-Hits sowohl in Billboards Pop- (18) als auch Country- (11), Rhythm-&-Blues- (6) sowie Adult-Contemporary-Charts (7) vertreten und führt bis heute Billboards ?Liste der 500 erfolgreichsten Künstler ab 1955? an.

Zwischen 1956 und 1969 wirkte er zudem in 31 Spielfilmen mit. Ab 1969 bis zu seinem Herzversagen aufgrund jahrelangen Missbrauchs von verschreibungspflichtigen Medikamenten und ungesunder Essgewohnheiten im August 1977 gab er mehr als 1100 Konzerte.

Presleys Lebensgeschichte war Stoff für über 1000 Bücher und wurde in zahlreichen Spielfilmen, Fernsehproduktionen und Dokumentarfilmen behandelt. Sein Nachwirken ist Forschungsgegenstand.

Biografie

Kindheit und Jugend (1935-1953)

Elvis Aaron Presley wurde 1935 in East Tupelo, Mississippi, als Sohn des Landarbeiters Vernon Elvis Presley (* 10. April 1916; ? 26. Juni 1979) und der Textilarbeiterin Gladys Love Smith (* 25. April 1912; ? 14. August 1958) geboren. Sein Zwillingsbruder Jesse Garon kam tot zur Welt.

Die Vorfahren Presleys waren überwiegend westeuropäischer Herkunft: Väterlicherseits stammte er von deutschen oder schottischen Einwanderern, mütterlicherseits von schottisch-irischen und französischen Ahnen ab; eine Ururgroßmutter war Cherokee.

Elvis Presley wuchs als geliebtes und behütetes Einzelkind auf. Eltern und Sohn bildeten einen ungewöhnlich engen Familienverbund, soziale Kontakte spielten sich in erster Linie im Kreis der Familie und der unmittelbaren Nachbarschaft ab. Sie waren nicht wohlhabend und mussten sich oft auf Nachbarn oder staatliche Unterstützung verlassen, um ihren Lebensunterhalt zu bestreiten.

Frühe musikalische Einflüsse in Tupelo

Für teure Freizeitaktivitäten war kein Geld da, nur wenige Leute besaßen ein Radio, um das man sich in Gruppen scharte, um vor allem die Country-Stars der Grand Ole Opry zu hören. Oft sorgten die Presleys für ihre eigene Unterhaltung, indem sie mit Freunden Gospels sangen, in die ihr Sohn schon als Kleinkind einstimmte.

Ein Onkel von Gladys Presley war Prediger in der Assembly of God Church, die die Presleys regelmäßig besuchten und in der Musik eine große Rolle spielte. Hier sang Elvis Presley schon früh im Chor. Auf das Gesangstalent des ansonsten durchschnittlichen und schüchternen Schülers wurde eine Grundschullehrerin aufmerksam, auf deren Initiative hin der Zehnjährige 1945 anlässlich der Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show in Tupelo an einem Radio-Talentwettbewerb teilnahm. Nach diesem Auftritt, bei dem er mit dem A cappella gesungenen Stück Old Shep den fünften Platz belegte, bekam er von seinen Eltern die erste Gitarre geschenkt.

Etwa zu derselben Zeit fand Presleys Leidenschaft für Musik weitere Nahrung in seiner Bewunderung für den Country-Musiker Carvel Lee Ausborn. Dieser hatte es als ?Mississippi Slim? mit einem eigenen Programm beim örtlichen Radiosender WELO zu lokaler Berühmtheit gebracht. Presley konnte sein musikalisches Vorbild dazu bringen, ihn in der Talentshow seiner Radiosendung singen zu lassen und ihm Gitarrenunterricht zu geben.

1946/47 zogen die Presleys innerhalb Tupelos mehrfach um, da sie die Hypothek für ihr Haus und die Miete für folgende Unterkünfte nicht regelmäßig zahlen konnten. So wohnte die Familie trotz strenger Rassentrennungsgesetze zeitweise in einem Stadtviertel Tupelos, in dessen unmittelbarer Nachbarschaft viele Afroamerikaner lebten. In dieser Zeit freundete Presley sich mit einem schwarzen Nachbarsjungen an, mit dem er - begeistert von der Gospelmusik - regelmäßig afroamerikanische Gottesdienste besuchte, um dort mitzusingen. Heimliche Ausflüge in die Vergnügungsviertel der schwarzen Bevölkerung Tupelos weckten zudem seine Faszination für den Blues.

Neuanfang in Memphis

In der Hoffnung auf eine wirtschaftlich bessere Zukunft zogen die Presleys 1948 nach Memphis in Tennessee. Sie lebten dort zunächst erneut in verschiedenen Pensionen, bis sie die Berechtigung erhielten, ein Apartment in den Lauderdale Courts zu beziehen, einem Viertel des sozialen Wohnungsbaus in der Innenstadt von Memphis, speziell errichtet für Weiße mit niedrigem Einkommen. Memphis hatte zu dieser Zeit eine sehr lebendige lokale Radioszene, in der ?weiße? und ?schwarze? Radioprogramme nebeneinander existierten.

In seinem vorletzten Schuljahr an der Humes High School in Memphis begann Presley sich äußerlich zu verändern, indem er auffällige Kleidung im Stil der Afroamerikaner und lange, schwarz gefärbte Haare mit Koteletten trug. Zudem begeisterte er sich zunehmend für die Gospelquartette der Blackwood Brothers und der Statesmen. Besonders die Statesmen hatten es ihm angetan, die durch ihren emotionalen Gesangsstil, eine mitreißende Bühnenshow und den charismatischen Leadsänger Jake Hess auffielen. Auch ging Presley in dieser Zeit regelmäßig zu den All Night Gospel Singings. Sonntags war er mit anderen weißen Teenagern in der East Trigg Baptist Church von Reverend William Brewster auf der Empore - getrennt von den schwarzen Gemeindemitgliedern - zu finden, wo er dem lebhaften Black Gospel lauschte.

Der junge Presley begeisterte sich nicht nur für Gospel-Quartette, Blues und Country (z. B. Sonny James oder Roy Acuff), sein vielseitiges musikalisches Interesse galt auch Künstlern wie den Ink Spots, Perry Como, Dean Martin, Mario Lanza, Roy Hamilton und Klassik der Metropolitan Opera. Kurz bevor Presley im Juni 1953 seinen High-School-Abschluss machte, nahm er an einem Talentwettbewerb seiner Schule teil, bei dem er mit seiner Gesangsdarbietung - wiederum mit Old Shep - den 1. Platz belegte.

Die Anfänge bei Sun Records (1953-1955)

Unmittelbar nach Erhalt seines Abschlusszeugnisses von der High-School nahm Presley einen Job bei einem kleinen Maschinenreparaturservice in Memphis an. Mit dem ersten Gehalt in der Tasche führte ihn sein Weg im Juni 1953 zu Sam Phillips’ Memphis Recording Service, einem professionellen Aufnahmestudio, wo jeder Kunde für einige Dollar eine eigene Platte aufnehmen konnte. Studioinhaber Sam Phillips hatte sich 1950 an der Union Avenue in Memphis niedergelassen und betrieb in den Räumlichkeiten auch sein Plattenlabel Sun Records, unter dem er erfolgreich vornehmlich schwarze R&B-Musiker wie Howlin’ Wolf, B. B. King, Junior Parker und Joe Hill Louis vermarktete.

Bei Presleys erstem Besuch in Phillips' Aufnahmestudio am 18. Juli 1953 traf er zunächst nur auf dessen Assistentin, der er erzählte, er wolle eine Platte als Geschenk für seine Mutter aufnehmen. Marion Keisker war von der gesanglichen Intensität der aufgenommenen Balladen My Happiness und That’s When Your Heartache Begins (beides Hits der Gruppe The Ink Spots) beeindruckt und notierte sich Namen sowie Adresse des jungen Künstlers. Bei einer Auktion am 8. Januar 2015 anlässlich Presleys 80. Geburtstag erzielte ein Original dieser Schallplatte einen Preis von 300.000 US-Dollar.

Ende 1953 nahm Presley einen Job als LKW-Fahrer bei der Firma Crown Electric an, für die er Material zu Baustellen fuhr, auf denen er auch den dort arbeitenden Elektrikern zur Hand ging. In seiner Freizeit verdiente er sich mit Live-Auftritten auf Partys von Schülern und Collegestudenten im Raum Memphis etwas dazu.

Die Entstehung des Rockabilly-Sounds

Im Januar 1954 traf er bei seinem zweiten Besuch bei Sun Records Sam Phillips an und nahm - wieder auf eigene Kosten - die beiden Country-Songs I’ll Never Stand in Your Way und It Wouldn’t Be the Same Without You auf. Auch Phillips war beeindruckt und begann, den jungen Sänger zu fördern. Anfang Juli 1954 kam es zur ersten richtigen Aufnahmesession Presleys mit dem Gitarristen Scotty Moore und dem Bassisten Bill Black, die zu dieser Zeit versuchten, sich mit ihrer eigenen Band - den Starlite Wranglers - einen Namen zu machen.

Während dieser Session versuchte sich das Trio zunächst an einer ganzen Reihe von Country-Songs, ohne dabei einen eigenen Stil zu entwickeln. Erst als Presley in einer Pause Arthur ?Big Boy? Crudups Bluesnummer That’s All Right anstimmte und sie völlig neu interpretierte, war ein neuer Sound geboren. That’s All Right gilt als erster Rockabilly-Titel der Geschichte, wobei Rockabilly als Fusion von ?schwarzem? Rhythm & Blues und ?weißem? Country eine Spielart des Rock ’n’ Roll ist.

Sam Phillips eilte mit der Aufnahme zu dem nicht mit ihm verwandten Dewey Phillips, der einer der bekanntesten Discjockeys in den Südstaaten war und in Zeiten der Rassentrennung in einem eigentlich ?weißen? Radiosender in Memphis mit großem Erfolg Platten schwarzer Musiker auflegte. Die Hörerreaktionen auf That’s All Right kamen umgehend; es ging eine Flut von Anrufen und Telegrammen begeisterter Hörer ein, die dazu führten, dass Dewey Phillips die Platte in derselben Sendung noch mehrfach auflegte.

Nach dem Erfolg von That’s All Right musste schnell eine B-Seite für eine Single produziert werden. Die Wahl fiel auf eine Neuinterpretation von Bill Monroes Bluegrass-Stück Blue Moon of Kentucky, den das Trio durch ?nderung von Takt und Geschwindigkeit in ein temperamentvolles Rockabilly-Stück verwandelte. Bis zum 19. Juli 1954, dem Tag, an dem That’s All Right und Blue Moon of Kentucky offiziell als A- und B-Seite der Single Nr. 209 bei Sun Records veröffentlicht wurden, waren bereits 6000 Bestellungen eingegangen.

Ende August 1954 stieg die Platte in die regionalen Billboard-Charts ein. Daraufhin wurde RCA Records in New York City ebenso auf den aufstrebenden Sänger und das Label aus Memphis aufmerksam wie Jim Denny, geschäftsführender Gesellschafter der Grand Ole Opry mit Kontakten zu Decca Records, ferner Ahmet Ertegün und Jerry Wexler von Atlantic Records.

Bei Sun Records entstanden 1954/55 weitere erfolgreiche Aufnahmen Presleys, darunter I Don’t Care If the Sun Don’t Shine, Baby Let’s Play House, Good Rocking Tonight, Mystery Train, I Forgot to Remember to Forget sowie das erst 1956 auf dem Album Elvis Presley veröffentlichte Blue Moon. Auch die Charterfolge blieben nicht aus. Nachdem Presley mit einigen Songs schon die Spitze der regionalen Country-Charts in Memphis erklommen hatte, konnte er nun auch in den landesweiten Billboard-Country-Charts überzeugen.

The Hillbilly Cat & The Blue Moon Boys

Ihren ersten gemeinsamen Live-Auftritt vor größerem Publikum hatten Elvis Presley, Scotty Moore und Bill Black am 30. Juli 1954 bei einem Freiluftkonzert in Memphis’ Amphitheater Overton Park. Auf Presleys dynamisch-erotische Bühnen-Performance, vor allem seine rhythmischen Hüft- und Beinbewegungen, reagierte das Publikum hier erstmals mit für damalige Verhältnisse ungewöhnlich lautstarker Begeisterung bis hin zu tumultartigen Szenen.

Nach diesem ersten durchschlagenden Live-Erfolg begannen Presley, Moore und Black, regelmäßig in Clubs in und um Memphis zu spielen, wo sie schnell zu einer Underground-Sensation avancierten. Doch ein Auftritt Presleys Anfang Oktober in der Grand Ole Opry in Nashville erntete nur eine lauwarme Reaktion des älteren, eher auf konservative Country-Entertainer eingestellten Publikums. Dagegen waren Folgeauftritte beim Louisiana Hayride in Shreveport, dem Rivalen der Opry, ein voller Erfolg, der in einen Jahresvertrag mündete.

Parallel dazu tourten The Hillbilly Cat und die Blue Moon Boys, bestehend aus Scotty Moore, Bill Black und dem neu hinzugekommenen Drummer D. J. Fontana mit Presley durch die Südstaaten. Die Musiker traten unter anderem mit Hank Snow, Bill Haley, Johnny Cash, der Carter Family, Pat Boone und Buddy Holly in Shows auf. Zunehmend stahl Presley auf diesen Tourneen nicht nur anderen Nachwuchstalenten die Show, sondern auch etablierten Country-Künstlern wie Hank Snow, und schaffte sich eine Fangemeinde, zu der bald auch der junge Roy Orbison gehörte. Durch die intensive Tourtätigkeit von Presley und seinen Blue Moon Boys verbreitete sich der Rockabilly in den Südstaaten der USA, und viele Musiker begannen, den Stil zu kopieren.

Im November 1955 gab Sam Phillips dem Werben von RCA Records nach und verkaufte seinen Vertrag mit dem 20-jährigen Elvis Presley für die damals unerhört hohe Summe von 40.000 Dollar. Diese Summe beinhaltete 5.000 Dollar für noch nicht gezahlte Tantiemen, weshalb sich in der Literatur häufig nur ein Betrag von 35.000 Dollar findet. Damit machte er den Weg frei für Presleys überregionale und schließlich internationale Karriere bei einem großen Plattenlabel.

The King of Rock ’n’ Roll (1956-1959)

Presleys Wechsel vom regionalen Sun- zum nationalen RCA-Label Ende 1955 hatte der gebürtige Niederländer ?Colonel? Tom Parker eingefädelt. Dieser war ab den 1940er-Jahren als Promotor und Manager von Country-Stars wie Eddy Arnold und Hank Snow, mit dem er zudem die Künstleragentur Jamboree Attractions/Hank Snow Enterprises betrieb, sehr erfolgreich geworden. Nach Übernahme des Managements von Presley war Parker bis 1977 exklusiv für diesen tätig. Presley und sein Manager praktizierten von Anfang an eine konsequente Arbeitsaufteilung, bei der Parker sich ausschließlich auf die finanziellen und Presley sich auf die künstlerischen Belange konzentrierte.

Erste Plattenaufnahmen bei RCA

Die erste Aufnahmesession, die im Januar 1956 in den RCA Studios in Nashville stattfand, bescherte dem jungen Künstler nach anfänglichen Zweifeln seines neuen Labels gleich mehrere Hits, darunter den Song Heartbreak Hotel, der im Frühjahr 1956 Platz eins sowohl der Pop- als auch der Country-Charts erreichte und zugleich Presleys erste Goldene Schallplatte wurde. Auch die erste LP Elvis Presley, auf der Songs aus der Sun-Zeit mit den neuen RCA-Aufnahmen kombiniert wurden, erreichte nur wenige Wochen nach Erscheinen die Nummer eins der Billboard-LP-Charts und wurde das erste Millionen-Dollar-Album in der Geschichte von RCA. Zudem arbeitete Presley bei dieser Session erstmals erfolgreich mit Gordon Stoker vom Gesangsquartett The Jordanaires, eine Zusammenarbeit, die in den nächsten 15 Jahren noch viele Hits hervorbrachte.

Mit der Aufnahmesession vom Juli 1956, aus der die Hit-Single Hound Dog / Don’t Be Cruel hervorging, übernahm Presley endgültig die Leitung seiner Studioaufnahmen, was er seine gesamte weitere Karriere hindurch beibehielt, ohne je in irgendeiner Form als Produzent genannt zu werden. Presleys Version von Hound Dog schrieb Musikgeschichte, weil sie sich gleichzeitig sowohl in den amerikanischen Pop- als auch den Rhythm-and-Blues- sowie den Country-Musik-Charts als Nummer eins platzieren konnte und einer der ersten sehr erfolgreichen Crossovertitel der US-Chartgeschichte wurde. 1957 gelangen ihm mit All Shook Up, Teddy Bear und Jailhouse Rock drei weitere Crossover-Charttopper - nur einige Höhepunkte einer Serie von Charterfolgen Presleys, der in dieser Zeit auch international immer erfolgreicher wurde.

Durchbruch mit Live-Auftritten im Fernsehen

Zwischen Januar 1956 und 1957 hatte Presley eine Reihe von Fernsehauftritten in verschiedenen, in den USA damals sehr beliebten Varieté-Sendungen, die ihn schlagartig national und international bekannt machten. Zu den Shows, in denen er auftrat, gehörten die Stage Show von Jimmy und Tommy Dorsey, die Milton-Berle-Show, die neu gegründete Show von Steve Allen und schließlich die Nummer eins der Varieté-Sendungen, die Show von Ed Sullivan. Bei einem Auftritt bei Milton Berle am 5. Juni 1956, bei dem er Hound Dog spielte, machte Presley während eines langsameren Blues-Teils vor dem Mikrofon besonders rhythmische Hüft- und Beinbewegungen. Der Auftritt wurde mehr oder minder deutlich als Striptease auf offener Bühne interpretiert. Es folgte ein nationaler Medienaufruhr ungeahnten Ausmaßes. Presley wurde in der Folge als ?Personifikation der die Teenager Amerikas verderbenden Rock-’n’-Roll-Bewegung? gebrandmarkt.

Elternverbände, religiöse Gruppierungen sowie Lehrerorganisationen liefen Sturm gegen den Musiker aus den Südstaaten. Die hitzige Kontroverse führte dazu, dass sich weitere Fernsehshows um ?Elvis the Pelvis? (?Elvis, das Becken?) rissen, die ihn dann zensierten, indem sie ihn - wie bei seinem zweiten Auftritt in einer der Ed-Sullivan-Shows - nur noch von der Hüfte aufwärts filmten. Der internationale Erfolg Presleys bescherte ihm neben dem Titel des ?King of Rock ’n’ Roll? wegen seiner charakteristischen Frisur in einigen englischsprachigen afrikanischen Staaten wie Kenia, Namibia und Südafrika auch den Beinamen ?The Singing Quiff? (?Die singende Tolle?).

Wenn das Musikgenre Rock ’n’ Roll auch zu diesem Zeitpunkt - wie Presley selbst bestätigte  - schon einige Zeit in verschiedenen Ausprägungen existierte, so waren es doch vor allem Presleys Fernsehauftritte und Charterfolge in den Jahren 1956 und 1957, die ihn zur Leitfigur einer ganzen Teenagergeneration werden ließen. Presley brachte den Rock ’n’ Roll, der an den Grundfesten der amerikanischen Gesellschaft zu rütteln schien, stärker in das Bewusstsein der Öffentlichkeit. Sowohl die Musik als auch der Sänger wurden für eine breite Palette von Dingen verantwortlich gemacht, die als gesellschaftliche Missstände empfunden wurden: abweichende Moral- sowie kulturelle Wertvorstellungen, Rassenvermischung, Jugendkriminalität und Gottlosigkeit.

Presley als Schauspieler in Kinofilmen

Durch einen der ersten Fernsehauftritte Presleys wurde Anfang 1956 der Filmproduzent Hal B. Wallis auf den jungen Mann aus Memphis aufmerksam. Auf der Suche nach einem Nachwuchstalent, das vor allem die jüngere Zielgruppe ins Kino locken sollte, war er von der charismatischen Erscheinung Presleys begeistert. Probeaufnahmen und Verhandlungen, die im Frühjahr 1956 stattfanden, resultierten schnell in einem Vertrag über mehrere Filme. Zwischen 1956 und 1958 entstanden die Spielfilme Pulverdampf und heiße Lieder, Loving You, Jailhouse Rock - Rhythmus hinter Gittern und Mein Leben ist der Rhythmus - King Creole. Vor allem Jailhouse Rock wird von Filmhistorikern heute als Klassiker seines Genres bewertet, der 2004 in das amerikanische National Film Registry für kulturell, historisch und ästhetisch bedeutende Filme aufgenommen wurde. Die zentrale Gesangs-/Tanzszene mit dem Titelsong vom bekannten Songschreiber-Duo Leiber/Stoller gilt zudem als Urform des Rock-/Popvideos. Die Soundtrack-EPs von Loving You, Jailhouse Rock und King Creole landeten alle drei auf Platz eins der entsprechenden Charts in den USA. 1957 führte Presley 21 Wochen lang die amerikanischen Singlecharts an, eine Steigerung gegenüber 1956 mit 18 Wochen.

Parallel zu Filmaufnahmen, Studio- und Soundtrackalben war Presley in diesen Jahren auch immer wieder auf Tournee in ausverkauften Häusern und wurde wegen der heftigen Reaktionen seiner Fans von Polizeieskorten zu seinen Auftritten begleitet. Um das aufgeregte Publikum davon abzuhalten, nach Presleys Auftritten die Bühne zu stürmen, entstand in dieser Zeit das zum geflügelten Wort gewordene ?Elvis has left the building?.

Presley als US-Soldat

Ende 1957 erhielt Presley einen Einberufungsbescheid zum Militärdienst, den er mit den Worten kommentierte: [It is a] ?duty I got to fill and I’m going to do it? ([?Es ist eine] Pflicht, die ich zu erfüllen habe und erfüllen werde?). Mehrere militärische Einheiten machten Angebote, um den Jungstar für die Eigenwerbung einzusetzen. Es wurde angenommen, dass Presley, wie viele andere Berühmtheiten vor ihm, den Weg in die Special Services wählen würde, bei dem nicht ein normales Soldatenleben, sondern der komfortablere Sondereinsatz in Sachen Unterhaltung der GI-Kollegen auf ihn gewartet hätte.

Trotz großer Befürchtungen, dass eine zweijährige Abwesenheit von Aufnahme-, Filmstudio und Bühne negative Folgen für seine Karriere haben könnte, entschied er sich für das normale Soldatenleben. Die Nachteile dieser Entscheidung münzten sein Manager und die Plattenfirma RCA durch gezielte Öffentlichkeitsarbeit sowie Singleveröffentlichungen während seiner Abwesenheit in einen Vorteil um, sodass der ehemalige Bürgerschreck aus Memphis von immer größeren Teilen des amerikanischen Publikums anerkannt wurde.

Seine Grundausbildung absolvierte Presley ab Frühjahr 1958 in Fort Hood in Texas, wo er für den Einsatz in einem Panzerbataillon ausgebildet wurde. Am 14. August 1958 starb Presleys Mutter, die schon einige Zeit bei schlechter Gesundheit gewesen war, im Alter von 46 Jahren an Herzversagen. Presley, der ein sehr enges Verhältnis zu seinen Eltern, besonders aber zu seiner Mutter hatte, war am Boden zerstört.

Am 1. Oktober 1958 traf Presley von New York City aus mit dem Truppentransporter USS General Randall in Deutschland ein, wo er in Bremerhaven von hunderten Fans erwartet wurde. Seine Ankunft wurde vom deutschen Fernsehen übertragen und von der Presse mit Überschriften wie ?Schütze Presley stößt nach Deutschland vor? (SZ) oder ?Elvis wird Deutscher.? (Bravo) kommentiert. Für das Haus der Geschichte wurde seine Ankunft sogar zu einem Ereignis der damals noch jungen Geschichte der westdeutschen Demokratie, denn Presley, der als amerikanischer Superstar das Lebensgefühl einer ganzen Generation verkörperte, wurde als einer der bedeutendsten Botschafter jener Zeit für die Vereinigten Staaten in Deutschland eingeschätzt.

Presley diente vom 1. Oktober 1958 bis zum 2. März 1960 im 1st Medium Tank Battalion/32nd Armor der 3. US-Panzerdivision in Friedberg. Er wohnte zunächst im Hotel Grunewald in Bad Nauheim, bevor er mit seinem Vater und seiner Großmutter sowie zwei Freunden im selben Ort ein Privathaus in der Goethestraße 14 anmietete. Von dort aus besuchte er München und Paris und musste an zwei Manövern in der Oberpfalz auf dem Truppenübungsplatz Grafenwöhr teilnehmen.

Während dieser Zeit besuchte Presley auch mehrere kleinere Städte in der Oberpfalz, wo es in Vilseck, Amberg und Weiden zu Kontakten mit der einheimischen Bevölkerung kam. Als er in Hirschau längere Zeit in einer Gaststätte verweilte, kam es zu einem Ansturm von weiblichen Jugendlichen, mit denen Presley längere Zeit gemeinsam verbrachte. Ein ebenfalls anwesender Journalist konnte bei dieser Gelegenheit ein Interview erhalten und Fotos machen. Viele der bei dieser Gelegenheit entstandenen schriftlichen Dokumente und alle Fotos werden in der Staatlichen Bibliothek Regensburg verwahrt.

Soldaten, die Presley während seiner Zeit in der Armee persönlich kennengelernt hatten, beschrieben ihn als fähigen, sehr umgänglichen, trotz seines Ruhms bodenständig gebliebenen und großzügigen Zeitgenossen. Seine Militärkarriere wird als erfolgreich bezeichnet; er zeigte Führungsqualitäten, wurde mehrfach befördert, seine Dienstakte enthielt eine Reihe von Belobigungen, und er verließ die Armee nach zwei Jahren mit dem Dienstgrad eines Sergeant.

In privater Hinsicht war seine Zeit in der Armee auf dreifache Weise bedeutsam. Presley entdeckte seine Liebe zum Karatesport, den er sein weiteres Leben hindurch mit viel Engagement betrieb. Verschiedenen Quellen zufolge kam er bei der Armee erstmals in Kontakt mit Amphetaminen, die an Soldaten ausgegeben wurden, um unter anderem auf Manövern länger durchzuhalten. Im September 1959 lernte er zudem auf einer seiner Partys in der Goethestraße seine spätere Ehefrau Priscilla Beaulieu kennen, die er in der Folge zusammen mit dem von der Army Times beauftragten Fotojournalisten Mickey Bohnacker in Wiesbaden aufsuchte.

Hollywood (1960-1968)

Als Presley Anfang März 1960 nach anderthalb Jahren Wehrdienst in Deutschland erstmals wieder amerikanischen Boden betrat, hatte sich die Musiklandschaft beträchtlich verändert. Viele seiner ehemaligen Chart-Mitstreiter aus der Rock-’n’-Roll-?ra hatten ihre Erfolgsserie nicht aufrechterhalten können. Zudem bevorzugte eine neu herangewachsene Hörerzielgruppe statt harter Rock-’n’-Roll-Rhythmen den leichtgängigeren Popsound von Bobby Darin oder Frankie Avalon. Die generelle Entwicklung vom Rock ’n’ Roll zu einem rockigen Popsound eröffnete Presley zunächst neue künstlerische Möglichkeiten, denn er wollte sich neben seiner Schauspielkarriere vor allem langfristig als Sänger etablieren und fühlte sich in den unterschiedlichsten Genres zu Hause.

Zwischen 1960 und Anfang 1969 drehte Presley 27 Filme - meistens Musikkomödien - und zu beinahe jedem der Filme erschien ein Soundtrackalbum. Der Schwerpunkt seiner Arbeit in den sogenannten Hollywoodjahren lag auf Filmproduktionen und Studioarbeit. Presleys Auftritt in Frank Sinatras Timex TV Show Ende März 1960 war sein letzter Fernsehauftritt bis 1968, und nach seinem Benefizkonzert Ende März 1961 in der Bloch Arena in Honolulu gab er erst ab 1969 wieder Konzerte.

Studio-Highlights Anfang der 1960er Jahre

Ende März 1960 fand in Studio B von RCA in Nashville Presleys erste Aufnahmesession seit Juni 1958 statt. Schnell war allen Anwesenden klar, dass er nichts von seinen Fähigkeiten verloren, seine Stimme vielmehr an Reife und Umfang gewonnen hatte. Der rockige Pop-Song Stuck on You wurde ein Millionenhit und erreichte in den Pop-Charts schnell Platz eins. Die zweite Aufnahmesession Anfang April 1960 knüpfte an den Erfolg der ersten an. Neben einer Reihe neuer zeitgemäßer Kompositionen aus dem Portfolio seiner Musikverlage wählte Presley Fever und den Blues Reconsider Baby mit einem markanten Saxophon-Solo von Boots Randolph. Neuland betrat Presley mit It’s Now or Never, das auf dem alten italienischen Volkslied ’O sole mio basiert.

Die Session brachte mit dem Liebeslied Are You Lonesome Tonight? einen weiteren Klassiker hervor - die einzige Aufnahme in Presleys Karriere, die auf eine Anregung seines Managers Colonel Parker zurückging und ihm drei Grammy-Nominierungen einbrachte. Sowohl It’s Now or Never als auch Are You Lonesome Tonight wurden Nummer-eins-Hits in den Pop-Charts sowie Top-Ten-Hits in den R&B-Charts. Zu Presleys erfolgreichem Comeback passte auch der Name des 1960 erschienenen Albums Elvis Is Back, das Platz zwei der Pop-Album-Charts in den USA erreichte.

Weitere erfolgreiche Studioalben folgten 1961 mit Something for Everybody und 1962 mit Pot Luck. Auch das Gospel-Album His Hand in Mine aus dem Jahr 1960 wurde ein Erfolg. Zwischen 1960 und 1963 konnten sich mehrere Singles in den Top Five der amerikanischen Pop-, R&B- und den neu geschaffenen Adult-Contemporary-Charts platzieren. Dazu zählen Surrender, I Feel So Bad, Marie Is the Name of His Latest Flame, Can’t Help Falling in Love, Little Sister, Good Luck Charm, Follow That Dream, She’s Not You, Return to Sender und You’re the Devil in Disguise. Die meisten dieser Songs wurden große internationale Hits.

Soundtrackalben gegen Studioalben

Presleys Schauspielkarriere hingegen entwickelte sich in diesen Jahren anders, als er sich dies nach dem vielversprechenden Start vor seiner Armeezeit erhofft hatte. Schnell wurde klar, dass Filme, die Presley in einer dramatischen Rolle mit wenigen Gesangseinlagen zeigten - beispielsweise der Western Flaming Star (1960) und das Melodram Wild in the Country (1961) - an der Kinokasse weniger erfolgreich waren als Musikkomödien im Stile von Café Europa - G.I. Blues und Blue Hawaii. Vor allem Blue Hawaii war kommerziell sehr erfolgreich und legte Elvis Presley für Jahre auf das Genre der Teenager-Musikkomödie fest, in der er meist einen charmanten und vor allem singenden Sonnyboy an einem möglichst exotischen Urlaubsort, umgeben von vielen hübschen Mädchen, darstellte. Das Soundtrack-Album mit 14 Songs - bekannt ist bis heute vor allem Can’t Help Falling in Love - platzierte sich auf Platz eins der Albumcharts und war das bestverkaufte Elvis-Album zu seinen Lebzeiten. Weitere bekannte Musikkomödien in diesem Stil waren Girls! Girls! Girls! (1962), Fun in Acapulco (1963) mit Ursula Andress sowie Viva Las Vegas (1964) mit Ann-Margret.

Die enge Koppelung seiner Karriere als Musiker an ein bestimmtes Filmgenre führte für Presley Mitte der 1960er Jahre in eine künstlerische Sackgasse. Zwar waren die anspruchsvollen Studioalben, die er zwischen 1960 und 1963 herausbrachte, gut in den Hitparaden positioniert und auch kommerziell erfolgreich, aber sie waren nicht so erfolgreich wie die Soundtrackalben der Musikfilme. Die Soundtrackalben und die entsprechenden Singles erhielten wesentlich größere Aufmerksamkeit durch den jeweiligen Film - ihr Erfolg führte zu immer mehr Filmen, immer mehr Soundtrackalben und 1964 schließlich zum vorläufigen Verzicht auf neue Studioaufnahmen.

Musikalische Neuorientierung ab 1965 und Heirat

Mitte der 1960er-Jahre war die Musiklandschaft ein weiteres Mal im Umbruch. Die British Invasion unter der Führung der Beatles hatte endgültig die USA erreicht. Zwar war Presley nach wie vor mit seinen Liedern kontinuierlich in den Hitparaden präsent, vor allem hoch in den Adult-Contemporary-Charts, die musikalischen Trends setzten jedoch zunehmend andere. 1965 war das Jahr, in dem die Beatles Presley in seinem Haus am Perugia Way in Los Angeles besuchten. Zu diesem geheimen Treffen waren keine Reporter und Fotografen zugelassen. Paul McCartney riet Presley, statt seiner mittelmäßigen Filme doch neue Songs herauszubringen. 1965 beschloss Presley nach eigener Aussage, seiner Karriere eine neue Wendung zu geben.

Diese Entscheidung resultierte 1966 in der Aufnahme des Gospelalbums How Great Thou Art in Nashville, für das Presley 1967 seinen ersten Grammy erhielt. Künstlerischer Höhepunkt des Albums ist der von ihm selbst arrangierte Titelsong, in dem er alle vier Gesangsparts des Gospelquartett-Klassikers übernahm und damit sowohl seine gesanglichen Ambitionen als auch seine Liebe zur Gospelmusik dokumentierte. Während dieser Session nahm er auch Bob Dylans Tomorrow Is a Long Time auf, eine Interpretation, die Dylan nach eigener Aussage besonders schätzte. Presleys musikalische Neuorientierung fand - trotz der anhaltenden vertraglichen Verpflichtung zu weiteren Soundtrackalben - im August 1967 eine Fortsetzung in den sogenannten ?Guitar Man Sessions? in RCAs Studio B in Nashville, in denen er neben Jerry Reeds Songs Guitar Man und Big Boss Man auch den Gospel-Klassiker You’ll Never Walk Alone aufnahm, bei dem er auch Klavier spielte.

Ab 1967 kam es sowohl privat als auch auf musikalischer und geschäftlicher Ebene zu einer Reihe weiterer Veränderungen. Am 1. Mai 1967 heiratete Presley in Las Vegas Priscilla Ann Beaulieu, die er Ende 1959 während seiner Armeezeit in Deutschland kennengelernt hatte und mit der er seit Frühjahr 1963, als sie noch minderjährig war, zusammenlebte. Priscilla zufolge musste Presley ihren Eltern versprechen, dass er sie heiraten werde, wenn sie die Volljährigkeit erreicht hat, um die Erlaubnis zu erhalten, mit ihr bereits ab 1963 zusammenzuleben. Das einzige gemeinsame Kind Lisa Marie Presley wurde im Februar 1968 geboren und starb im Januar 2023.

Comeback: TV-Special ELVIS

Ab Januar 1967 trat zwischen Presley und seinem Manager Colonel Parker eine Vertragsergänzung in Kraft, die beide in stärkerem Maße als zuvor zu Geschäftspartnern machte. Ende 1967 begann Parker Verhandlungen mit dem Fernsehsender NBC über den ersten Fernsehauftritt Presleys seit 1960. Im Frühjahr 1968 wurden die Planungen konkreter, als zum einen der Nähmaschinenhersteller Singer als Sponsor gewonnen werden konnte und zum anderen NBC ein junges und erfolgreiches Produzententeam für das Special vorschlug: Bones Howe und Steve Binder.

Die enge Zusammenarbeit zwischen dem Produzententeam und Presley resultierte in einer Fernsehshow, die neu interpretierte Rock-’n’-Roll-Klassiker wie Heartbreak Hotel, Jailhouse Rock und That’s All Right Mama sowie Balladen wie Love Me Tender und Are You Lonesome Tonight bot. Hinzu kamen neuere Songs wie Guitar Man, der zusammen mit Trouble aus dem Film King Creole als Showöffner diente, sowie die eigens für das Special geschriebenen Titel Memories und If I Can Dream.

Das TV-Special ELVIS erreichte am 3. Dezember 1968 einen Zuschaueranteil von 42 Prozent, den höchsten einer NBC-Show dieses Jahres. Die Show wurde von Kritik und Publikum mit Erstaunen aufgenommen, denn niemand hatte zu diesem Zeitpunkt noch damit gerechnet, dass Presley sich so fulminant als Entertainer zurückmelden würde. Auch in den Charts machte sich der Erfolg sofort bemerkbar. Das Album zur Sendung erreichte Platz acht der Billboard-Pop-Charts und dokumentierte ebenfalls, dass Presley zurück im Musikgeschäft war.

Die Konzertjahre (1969-1977)

Die 1970er-Jahre standen ganz im Zeichen von Live-Auftritten. Presley gab vom Sommer 1969 bis zu seinem Tod im August 1977 mehr als 1100 Konzerte, von denen 635 im International Hotel in Las Vegas stattfanden. Presleys bekanntestes Konzert Aloha from Hawaii gab er am 14. Januar 1973 in Honolulu. Es war das erste in zahlreichen Ländern der Welt per Satellit live ausgestrahlte Konzert eines Soloentertainers und machte ihn endgültig zum internationalen Superstar.

In den 1970ern erschienen ferner die beiden Konzertdokumentationen Elvis - That’s the Way It Is (1970) und Elvis on Tour (1972). Zusätzlich veröffentlichte Presley eine ganze Reihe Studioalben, in denen er Rock, Pop, Country, Gospel, Blues und Show-Nummern im Las-Vegas-Stil darbot. In dieser Phase seiner Karriere entwickelte er das Bild einer Bühnenpersönlichkeit, das bis heute fest mit seiner Person verbunden ist: der Entertainer im Jumpsuit.

Aufnahmen im American Sound Studio 1969

Im Januar 1969 entschloss sich Presley, erstmals seit 1955 wieder in seinem Wohnort Memphis aufzunehmen. Hier hatte sich inzwischen neben dem bekannten R&B-Studio Stax das American Sound Studio von Chips Moman einen Namen gemacht. Dort produzierte der Gitarrist und Songschreiber Moman - er hatte zuvor erfolgreich für das Stax-Label gearbeitet - reihenweise Hits für eine Vielzahl auswärtiger Plattenlabel, unter anderem mit Künstlern wie Dusty Springfield und Neil Diamond.

Das Ergebnis der Sessions war eine vielseitige Palette an Presley-Songs, die vom zeitgenössischen Soul bis zu Country-Standards reichte - darunter solche, die Elemente aus Rock, Blues und Country so einsetzten, dass sie keinem speziellen Genre zuzuordnen waren. Über 30 der in den American Studios aufgenommenen Lieder erschienen als Singles oder auf den Alben From Elvis in Memphis und From Memphis to Vegas/From Vegas to Memphis (beide 1969, Letzteres ein Doppelalbum). Dazu gehören unter anderem Long Black Limousine, Don’t Cry Daddy, Wearin’ That Loved on Look, Kentucky Rain, From a Jack to a King, Rubberneckin, Stranger in My Own Hometown, Any Day Now, After Loving You, Power of My Love und Gentle on My Mind. Die absoluten Höhepunkte dieser Sessions waren jedoch In the Ghetto - zu Lebzeiten Presleys einziger Nummer-eins-Hit in den deutschen Charts - und Suspicious Minds, das später mit fünf weiteren Presley-Songs in die NARAS Hall of Fame für Aufnahmen von besonderer Qualität und historischer Bedeutung aufgenommen wurde.

In the Ghetto erreichte 1969 in den USA Platz drei der Pop-Charts und Platz zwei der Country-Charts, Suspicious Minds setzte sich an die Spitze der Pop-Charts und Don’t Cry Daddy belegte Platz sechs der Pop- und Platz 13 der Country-Charts. Kentucky Rain erreichte Platz 16 in den Pop- und Platz 31 in den Country-Charts. Die beiden Alben From Elvis in Memphis und From Memphis to Vegas/From Vegas to Memphis kamen beide unter die Top Five der Country-Alben-Charts sowie unter die Top 15 der Pop-Charts.

Presley in Las Vegas

Nach dem Erfolg des TV-Specials ELVIS (1968) machte das Management des in Las Vegas neu gebauten International Hotel Presley das Angebot, seine Rückkehr zu Live-Auftritten dort einzuleiten. Das Hotel hatte damals mit 2000 Sitzplätzen den größten Veranstaltungssaal der Stadt. Für dieses Engagement stellte Presley eine komplett neue Band zusammen, bestehend aus Gitarrist James Burton, Bassist Jerry Scheff, Schlagzeuger Ronnie Tutt, Rhythmus-Gitarrist John Wilkinson sowie Pianist Larry Muhoberac, der später durch Glen D. Hardin ersetzt wurde. Die Band, die Presley selbst als das Herzstück seiner Show bezeichnete, wird heute oft als TCB Band bezeichnet, wobei TCB für Presleys Lebensmotto ?Taking care of business in a flash? (?Kümmere dich drum - blitzschnell?) steht.

Zusätzlich engagierte Presley das weiße Männer-Gospelquartett The Imperials und eine Gruppe schwarzer Soulsängerinnen, die Sweet Inspirations. Ergänzt wurde dieses vielseitige Ensemble durch das hauseigene Orchester des International Hotels unter der Leitung von Bobby Morris und später Joe Guercio sowie durch die Sopranistin Millie Kirkham, deren Platz später Kathy Westmoreland einnahm.

Unterstützt von seinem Musikerfreund Charlie Hodge stellte Presley ein Programm zusammen, das eine Mischung aus alten und neuen Elvis-Hits, aber auch Titel anderer zeitgenössischer Interpreten vorsah. Aus dem ersten Las-Vegas-Engagement Presleys stammt auch die in Deutschland erst nach seinem Tod bekannt gewordene ?Lach-Version? des Klassikers Are You Lonesome Tonight. Zuschauer bei der Premiere am 31. Juli 1969 waren neben vielen internationalen Pressevertretern Stars wie Cary Grant, Petula Clark, George Hamilton, Fats Domino, Shirley Bassey, Henry Mancini und Sammy Davis Junior.

Gekleidet in ein zweiteiliges schwarzes, an einen Karate-Gi angelehntes Outfit hatte Presley sein Publikum fest im Griff, nicht nur mit seinen Liedern, sondern auch mit seiner energetischen Bühnenshow, deren Karateeinlagen ein fester Bestandteil seiner Auftritte wurden. Die Reaktionen von Publikum und Presse ließen keinen Zweifel daran, dass die Premiere und das folgende vierwöchige Engagement ein uneingeschränkter Erfolg waren.

Nach diesem erfolgreichen Einstand wurde zwischen dem International Hotel und Presleys Management ein Fünfjahresvertrag ausgehandelt, der Presley eine Million US-Dollar pro Engagement zugestand, wobei ein Engagement im Winter und eins im Sommer zum Standard wurden. Der Vertrag garantierte die Rekordsumme von acht Millionen US-Dollar bis einschließlich 1973, wurde mehrfach ergänzt und bestand auch weiter, als das Hotel von der Hilton-Gruppe übernommen wurde.

Presleys Shows waren stets ausverkauft und zogen ein neues Publikum nach Las Vegas, da Fans aus aller Welt anreisten, um ihn live zu sehen. Sein letztes Engagement in Las Vegas absolvierte Presley am 12. Dezember 1976, insgesamt gab er zwischen 1969 und 1977 dort 635 Konzerte. Weniger bekannt als die Verbindung zu Las Vegas ist, dass Presley zwischen 1971 und 1976 auch regelmäßig die Attraktion im Sahara Tahoe Hotel am Lake Tahoe in Nevada war, wo er ebenfalls Zuschauerrekorde brach.

Die Elvis-Presley-Show auf Tournee

Im Anschluss an sein zweites Las-Vegas-Engagement im Februar 1970 gab Elvis Presley sechs Konzerte im Houston Astrodome in Texas, mit denen er erneut Zuschauerrekorde brach und die den Auftakt zu einem Tourneemarathon durch die Vereinigten Staaten bildeten, der bis zu seinem Tod im August 1977 nicht abriss. Einen guten Einblick in eine solche Tournee der frühen siebziger Jahre gibt die MGM-Konzertdokumentation Elvis on Tour von Robert Abel und Pierre Adige aus dem Jahr 1972. Der Film, für den Presley den Filmemachern eines seiner seltenen Interviews gab, in dem er zumindest einen kurzen Blick auf den ?Mann hinter dem Image? gewährt, spielte innerhalb weniger Tage seine Kosten wieder ein, erreicht Platz 13 in Varietys Top 50 und erhielt einen Golden Globe Award für die beste Dokumentation.

Es folgten im Juni 1972 vier Konzerte im Madison Square Garden in New York; die Karten waren innerhalb kürzester Zeit ausverkauft. Die Konzerte sollen auch Kollegen wie Bob Dylan, Paul Simon, George Harrison und David Bowie besucht haben. Die als kritisch bekannte New Yorker Presse druckte enthusiastische Konzertbesprechungen; die New York Times beschrieb Presley als ?Prince from Another Planet? - ?Talents Richly Intact?, die Daily News sprach von einer Presley-Invasion.

Zum Zeitpunkt der Konzerte im Madison Square Garden im Juni 1972 stand der Rahmenablauf einer typischen Elvis-Presley-Show der siebziger Jahre bereits fest. Er veränderte sich in den folgenden Jahren nicht mehr wesentlich, auch wenn immer wieder Lieder ausgetauscht wurden. Die Performance bestimmter Songs an bestimmten Stellen des Konzerts nahm zunehmend rituellen Charakter an. Die Show beinhaltete keinerlei Tanzeinlagen oder aufwändige Effekte, sondern wurde ganz von Presleys Persönlichkeit und seiner Performance - gestützt durch die Backgroundmusiker - getragen.

Die Vorgruppe stellte meist ein Komiker gefolgt von Interpretationen der Backgroundsänger, häufig der Soulgruppe Sweet Inspirations. Es gab keine Zugaben. Presleys typisches Bühnenkostüm in dieser Zeit war der Jumpsuit, ein maßgeschneiderter, häufig weißer Einteiler mit hohem Kragen, tiefen V-Aufschnitt, weit ausgestellten Beinen, komplettiert durch einen breiten Gürtel und zwischen 1971 und 1973 zudem ein Cape.

Die Elvis-Presley-Show war nie außerhalb der USA auf Tournee - eine Welttournee erschien unter anderem angesichts der um die 80 Mann starken Bühnentruppe, notwendigen Sicherheitsvorkehrungen und der Abneigung des Entertainers, in Freiluftstadien aufzutreten, die ihm nicht den optimalen Sound garantierten, Anfang der 1970er-Jahre kaum rentabel durchführbar. Um Presley dennoch weltweit auftreten zu lassen, wurde das TV-Special Aloha from Hawaii konzipiert, das am 14. Januar 1973 in der International Convention Center Arena in Honolulu als erstes Konzert eines Solo-Entertainers per Satellit nahezu rund um den Erdball ausgestrahlt wurde. Die Einnahmen der Show wurden dem ?Kui Lee Krebsfonds? in Honolulu gestiftet. Erst am 4. April 1973 war das Special auch in den USA zu sehen; dort erreichte es eine Einschaltquote von über 50 Prozent. Insgesamt sollen über eine Milliarde Menschen in über 40 Ländern Aloha from Hawaii verfolgt haben. Das Konzert erschien auf dem Doppel-Album Aloha From Hawaii Via Satellite, erreichte in den USA Platz eins sowohl der Pop- als auch der Country-Charts und war auch im Ausland erfolgreich.

In den Jahren danach war Presley bei zunehmend schlechter Gesundheit neben seinen Engagements in Las Vegas sowie Lake Tahoe weiterhin beinahe ständig auf Tournee durch die USA. Zu den Glanzlichtern dieser Jahre zählte eine Reihe von Konzerten in seiner Heimatstadt Memphis im März 1974, verewigt auf dem Live-Album Elvis as Recorded Live on Stage in Memphis, das Rang zwei in den Country- und Rang 33 in den Pop-Charts erreichte. Für die dort enthaltene Interpretation von How Great Thou Art erhielt er seinen dritten Grammy. Weitere Höhepunkte waren das Silvesterkonzert im Silverdome in Pontiac am 31. Dezember 1975 vor der Rekordzahl von über 60.000 Zuschauern und das im Civic Center in Pittsburgh genau ein Jahr später. 1977 wurde bei zwei Konzerten das CBS-TV-Special Elvis in Concert gefilmt, das erst nach Presleys Tod gesendet wurde und das seinen schlechten Gesundheitszustand erstmals einer breiten Öffentlichkeit vor Augen führte.

Sein letztes Konzert gab Elvis Presley am 26. Juni 1977 in der Market Square Arena in Indianapolis. Am Tag seines Todes, dem 16. August 1977, wollte er sich auf den Weg zu einer weiteren Tournee machen, die in Portland, Maine hätte beginnen sollen. Für 1978 sollen zudem mehrere Konzerte in Europa, unter anderem in London geplant gewesen sein.

Aufnahmesessions 1970-1976

1970 entschloss sich Presley, erneut in Nashville im Studio B aufzunehmen. Es entstanden in fünf Tagen 34 Songs, die zwischen 1970 und 1972 auf vier verschiedenen Alben erschienen: That’s The Way It Is (1970), Elvis Country (1971), Love Letters From Elvis (1971) und Elvis Now (1972). Als A-Seiten auf Singles erschienen aus dieser Aufnahmesession, die auch als ?Nashville-Marathon? bezeichnet wird, unter anderem You Don’t Have to Say You Love Me, I Really Don’t Want to Know, Life sowie I’ve Lost You, die sich in den Pop-, Country- und Adult-Contemporary-Charts platzieren konnten. Das Album Elvis Country erreichte Rang sechs in den Country- und Platz zwölf in den Pop-Charts, Love Letters from Elvis kam auf Platz 12 bzw. 33. Nicht aus dieser Session stammte The Wonder of You, Presleys erste Live-Single, die 1970 in den USA Rang eins der Adult-Contemporary-Charts und Platz neun der Pop-Charts erreichte.

1971/72 war Presley wieder im Studio und nahm unter anderem in Nashville und in Hollywood Songs für das Gospelalbum He Touched Me auf, für das er 1973 einen weiteren Grammy erhielt. 1972 entstanden ferner im RCA-Studio in Hollywood Separate Ways und Burning Love, beide erreichten hohe Platzierungen in den Pop- und Adult-Contemporary-Charts.

Trotz seines weltweiten Erfolgs durch Aloha From Hawaii und zwei Tophits in den Charts war 1973 ein schwieriges Jahr für Presley. Anfang 1972 hatte sich seine Frau Priscilla von ihm getrennt; der Scheidungstermin stand im Oktober 1973 an. Zudem machten sich verstärkt gesundheitliche Probleme bemerkbar. Wegen dieser Rahmenbedingungen und aus Zeitgründen entschloss man sich im Sommer 1973, wieder in Memphis aufzunehmen, allerdings nicht in Chip Momans American Sound Studio, sondern beim bekannten Stax-Studio. Dort haperte es an der technischen Ausstattung, sodass Presley die Aufnahmen zunächst nicht zu Ende brachte.

Bevor die Aufnahmesession bei Stax fortgesetzt werden konnte, wurde Presley Mitte November 1973 in lebensbedrohlichem Zustand in das Baptist-Memorial-Krankenhaus in Memphis eingeliefert. Die erste Verdachtsdiagnose lautete auf Herzinsuffizienz. Es stellte sich jedoch heraus, dass sich Presley aufgrund seiner Rückenbeschwerden bei einem kalifornischen Arzt einer mehrwöchigen Behandlung unterzogen hatte, bei der ihm hohe Dosen Cortison und Demerol gespritzt worden waren. Dies hatte nicht nur zu einem stark aufgedunsenen ?ußeren und Atembeschwerden, sondern auch zu Abhängigkeit geführt. Neben der nötigen Entgiftung wurde er auch wegen eines Megakolons, Hepatitis, eines potenziellen Magengeschwürs und chronischer Schlafstörungen behandelt, unter denen er ebenso litt wie an dem sogenannten Morbus-Reiter-Syndrom.

Die Behandlung durch eine Reihe von Spezialisten führte zu einer recht schnellen, wenn auch nicht vollständigen Genesung und Erholungsphase. Die Aufnahmesession bei Stax konnte bereits ab dem 10. Dezember 1973 unter technisch besseren Voraussetzungen fortgesetzt werden. Die Aufnahmen vom Sommer 1973 erschienen auf dem Album Raised on Rock (1973), die von der Wintersession 1973 auf den Alben Good Times (1974, Platz fünf der Country-Charts) und Promised Land (1975, Platz eins der Country-Charts). In den Single-Charts erfolgreich waren If You Talk in Your Sleep, die Ballade It’s Midnight, Promised Land, I’ve Got a Thing About You Baby und My Boy, das auch im Ausland sehr erfolgreich war.

1975 war Presley erneut zurück im Studio - diesmal wieder in RCAs Studio C in Hollywood, wo er im März eine ganze Reihe von Titeln, darunter das dynamische T-R-O-U-B-L-E aufnahm, die alle auf dem Album Today veröffentlicht wurden. Today bekam gute Kritiken, erreichte Platz vier der Country-Charts und Rang 57 der Pop-Charts. Seine letzte Aufnahmesession absolvierte Presley zuhause - und zwar im Jungle Room, der seinen Namen aufgrund seiner ungewöhnlichen Einrichtung hat. Die Jungle-Room-Sessions, die im Februar und Oktober 1976 stattfanden, brachten unter anderem Moody Blue, Hurt, Danny Boy, Blue Eyes Crying in the Rain, Way Down und Pledging My Love hervor. Veröffentlicht wurden sie auf den Alben From Elvis Presley Boulevard, Memphis Tennessee und Moody Blue. From Elvis Presley Boulevard, Memphis Tennessee kam auf Platz eins der Country-Charts, dicht gefolgt von einer Neuauflage der Sun Sessions auf Rang 2. Der Song Moody Blue erreichte Anfang 1977 Platz eins der Country-Single-Charts, Way Down folgte im Juni 1977.

Tod und Todesursache

Elvis Presley starb am 16. August 1977 im Alter von 42 Jahren auf seinem Anwesen Graceland in Memphis, Tennessee. Seine damalige Verlobte Ginger Alden fand ihn um 13:30 Uhr tot im Badezimmer. Unter großer Anteilnahme der Öffentlichkeit wurde der Entertainer am 18. August zunächst auf dem Forrest Hill Friedhof neben seiner Mutter beerdigt. Nachdem versucht worden war, den Leichnam des Sängers zu entwenden, erhielten die Erben eine Sondergenehmigung, Elvis und Gladys Presley Anfang Oktober 1977 im Meditationsgarten auf dem Anwesen Graceland zu bestatten.

Als offizielle Todesursache Presleys wurde im August zunächst ?cardiac arrythmia due to undetermined heartbeat? (plötzlicher Herztod, Herzrhythmusstörung) angegeben. Nach Abschluss aller Untersuchungen im Rahmen der von den Familienangehörigen privat in Auftrag gegebenen Obduktion gab das Büro des Shelby County Medical Examiner (staatlicher Leichenbeschauer) am 21. Oktober 1977 endgültig ?hypertensive heart disease with coronary artery disease as a contributing factor? als Todesursache bekannt.

Mit dieser Bekanntgabe des Büros des staatlichen Leichenbeschauers waren einige Pathologen des Baptist-Memorial-Krankenhauses in Memphis, die weitere toxikologische Gutachten eingeholt hatten, nicht einverstanden. Sie kamen zu dem Schluss, dass Presley nicht an einer Herzerkrankung, sondern infolge von Polypragmasie (Einnahme zu vieler Medikamente) verstorben war. Die Uneinigkeit zwischen Pathologen des Baptist-Memorial-Krankenhauses und dem Team des Leichenbeschauers führte zu einem Expertenstreit und juristischen Auseinandersetzungen, die sich - befeuert von hohem Medieninteresse - über beinahe 20 Jahre hinzogen und Presleys Hausarzt in Memphis, George Nichopoulos, einschlossen.

Wegen anhaltender Gerüchte, dass das Büro des Leichenbeschauers Sachverhalte vertuscht bzw. den Totenschein gefälscht hatte, beauftragte das Gesundheitsamt des Staates Tennessee 1994 den unabhängigen Pathologen Joseph Davies mit einer offiziellen Untersuchung der Todesumstände Presleys. Davies kam nach Sichtung aller Unterlagen zu dem Urteil, dass Medikamente keine Rolle bei Presleys Tod gespielt hatten, und bestätigte im Großen und Ganzen die vom Rechtsmediziner von Shelby County 1977 festgestellte Todesursache.

Während eines Prozesses im Jahr 1981 gegen Presleys Hauptarzt George Nichopoulos, in dem man ihn von der strafrechtlichen Verantwortlichkeit für seinen Tod entlastete, wurde bekannt, dass er ?Allein in den ersten acht Monaten des Jahres 1977 [?] mehr als 10.000 Dosen von Beruhigungsmitteln, Amphetaminen, und Narkotika: alles in Elvis’ Namen? verschrieben hatte. Seine Lizenz wurde für drei Monate ausgesetzt. Sie wurde 1995 dauerhaft entzogen, nachdem das Tennessee Medical Board 1992 neue Anklagen wegen Medikamenten-Überverschreibungen erhoben hatte.

2009 gingen ?rzte davon aus, dass die schwere chronische Darmerkrankung Presleys, die auf Morbus Hirschsprung deutete und deretwegen der Entertainer schon lange in Behandlung war, mit dem plötzlichen Herztod in Zusammenhang stand.

2013 beschrieb Forest Tennant, der als Zeuge der Verteidigung im Prozess gegen George Nichopoulos ausgesagt hatte, seine eigene Analyse von Presleys verfügbaren Krankenakten. Er kam zu dem Schluss, dass Presleys ?Drogenmissbrauch zu Stürzen, Kopfverletzungen und Überdosierungen geführt hatten, die sein Gehirn schädigten?, und dass sein Tod teilweise auf eine toxische Reaktion auf überdosiertes Codein zurückzuführen war, die durch einen unentdeckten Leberenzymdefekt verschlimmert wurde und infolgedessen zu plötzlichen Herzrhythmusstörungen geführt haben.

Sänger, Musiker und Entertainer

Stimme und Gesangstechnik

Spätestens seit Henry Pleasants’ Grundlagenwerk The Great American Popular Singers von 1974 wird Presleys Stimme zu den großen der Popularmusik gezählt und in einem Atemzug mit denen von Al Jolson, Bing Crosby, Frank Sinatra, Ray Charles und B. B. King genannt. Presleys Stimmumfang wird von Fachleuten mit zweieinhalb bis drei Oktaven angegeben. Der Umfang wird jedoch nicht als das Hauptcharakteristikum seiner Stimme angesehen, die sich vielmehr durch eine ungewöhnliche Spannbreite in der Stimmfärbung auszeichnete, weshalb einige Presley als Bariton, andere wiederum als Tenor bezeichneten.

Der Musikprofessor Gregory Sandows bezeichnete Presley als ?lyrischen Bariton? mit außergewöhnlich hohen und unerwartet vollen tiefen Tönen. Auch Musikhistoriker und -kritiker Henry Pleasants sah in Presley einen Bariton (?high baritone?) - eine Stimme, die in ihrem mittleren Bereich am besten sei und in Balladen eine ?leichte, weiche und verführerische Bariton-Qualität? erreiche, die an Bing Crosby erinnere, allerdings ?hauchiger und mit einem weiten Vibrato? ähnlich dem von Billy Eckstine.

Als weiteres Charakteristikum von Presleys Stimme wird immer wieder ihre Vielseitigkeit genannt, die es dem Sänger ermöglichte, in unterschiedlichen musikalischen Genres erfolgreich zu sein, die völlig verschiedene Anforderungen an die Stimme stellen. So war er laut Henry Pleasants von Beginn an in der Lage, ?den offenen, heiseren, ekstatischen, schreienden, klagenden, waghalsigen Sound der schwarzen Rhythm-and-Blues-Sänger? zu produzieren, ohne auf diese Art des Gesangs beschränkt zu sein. In Balladen und Country-Songs konnte er ?volle eingestrichene Gs und As schmettern, um die ihn ein Opern-Bariton durchaus beneiden würde?.

Obwohl er nicht gelernt hatte, sicher und vorhersehbar im Passaggio zu singen, war er schon früh in der Lage, seine Stimme darüber wieder zu fokussieren. Seine Interpretation von It’s Now Or Never von 1960 beendete er mit einer ?vollen A-G-F-Kadenz, die überhaupt nichts mit Rhythm & Blues oder Country zu tun hatte, und traf das A dabei auf den Punkt?. Dies sei weniger erstaunlich, wenn man die Menge der Aufnahmen bedenke, in denen er vollkommen leicht und dennoch zielsicher Bs erreiche. Nach Pleasants verfügte Elvis Presley über eine ?erstaunliche Stimme - oder treffender gesagt - viele Stimmen?.

Für Richard Middleton - Professor für Popularmusik - ist das Bemerkenswerte an Presleys Gesang weniger die offensichtliche stimmliche Vielseitigkeit oder die häufig zitierte Fusion ?weißer? und ?schwarzer? Musikstile, sondern die sehr individuelle Gesangstechnik, die er als Kombination von ?romantic lyricism?, ?boogification? und ?gospelization? charakterisiert. Die Kombination dieser Techniken war von Beginn an bei Presley zu hören, so unter anderem im bekannten Heartbreak Hotel von 1956. Das Stück ist eigentlich ein Country-Song, die Gesangsstimme ihrer Form nach eher ein typischer gerufener Blues.

In Presleys Aufnahme von 1956 hingegen fehlen nach Middleton in auffallender Weise die raue Klangfarbe, die spontanen unregelmäßigen Rhythmen und die ?schmutzige? Intonation, die die meisten Bluessänger hier eingesetzt hätten. Presleys Gesang ist vielmehr ?voll, reich und wohlgeformt, seine Intonation exakt, fest und korrekt, die Töne werden aus- und durchgehalten sowie gebunden phrasiert?. Dies zeigt sich besonders bei den Passagen broken-hearted lovers, been so long on lonely street und take a walk down lonely street sehr deutlich, wobei durchgehend lyrisch-gefühlvolle Stimmung herrscht. Gleichzeitig wird die lyrische Stimmung durch ?boogification? gebrochen.

Dem Boogie-Woogie liegt ein triolischer Rhythmus zugrunde, während die Achtel oft einen unerwarteten Akzent im Off-Beat setzen und so Synkopierungen und Gegenrhythmen bilden. Dabei entsteht ein spürbarer, Bewegung einfordernder Effekt. Presley, so Middleton, weitet diese Technik noch aus, indem er zusätzliche, nicht durch Text und Melodieführung erforderliche Off-Beat-Töne hinzufügte, Silben oder auch Konsonanten einfach abtrennte, Worte ?verschleifte? und deren Sinn damit bewusst verschleierte. Gelegentlich, wenn die Notation weiterer rhythmischer Unterteilungen nicht mehr möglich schien, sang Presley einen ?ausgehaltenen? Ton - gewissermaßen ein Vibrato des (triolischen) Rhythmus. ?Boogification? gehe oft mit stimmlicher Orchestrierung einher, was tiefe, klangvolle Brusttöne einbezieht. Auch simulierte Presley häufig mittels ausgespuckter Worte und Atemringen physische Anstrengung und Leid.

Die Technik der ?Gospelization? rührt laut Middleton her von dem Einfluss der Gospelmusik auf den jungen Presley und ist in vielen seiner Songs zu hören, auch wenn sie nicht dem Gospel-Genre zuzuordnen sind (Trying to Get to You). Sie zeigt sich im ekstatischen Klang der Stimme, zum Beispiel beim einführenden ?Well?, sowie die für Gospel typischen aufwendigen Melismen. Durch die Anwendung dieser Techniken brach Presley mit der Regelm]]>